Lionel Fischer

2012-01-26T10:50:00.000-08:00

ENCONTRO PENSAMENTO, CICLO DE DEBATES ORGANIZADO PELA OCUPAÇÃO COMPLEXO DUPLO EM PARCERIA COM A REVISTA QUESTÃO DE CRÍTICA, ACONTECE NO DIA 31 DE JANEIRO NO TEATRO GLAUCIO GILL

          A primeira edição do ano será sobre a peça Duplo Crimp, em parceria com o programa Vivo EnCena.

          Com a proposta de reunir os artistas que estão em cartaz no Teatro Glaucio Gill com pesquisadores de teatro e de outras áreas afins, o Encontro Pensamento promove uma conversa com o público a partir de temas, sugeridos pelos organizadores. A curadoria é de Dâmaris Grün e Humberto Giancristofaro, da Revista Questão de Crítica (www.questaodecritica.com.br).

          No dia 31 de janeiro, às 20h, o debate será sobre o “Duplo Crimp”, textos de Martin Crimp, direção de Felipe Vidal e tradução de Daniele Avila. A montagem está em cartaz no Teatro Glaucio Gill com as peças do dramaturgo inglês: “O Campo” e “A Cidade”.

          Esta é a primeira edição realizada em parceria com o programa Vivo EnCena que trará Marcelo Rangel, Doutor em História pela PUC-Rio e Pós-Doutorando em Teoria da História na UFOP, e Marta Brito, formada em Filosofia e Mestranda em Cinema e Televisão na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa, para uma conversa com Felipe Vidal, Daniele Avila, e os demais artistas criadores.

Encontro Pensamento

Terça-feira, 31 de janeiro, às 20h

Debate sobre “Duplo Crimp” com Marcelo Rangel, Marta Brito, Felipe Vidal e Daniele Avila.

Entrada gratuita

Teatro Glaucio Gill

Praça Cardeal Arcoverde s/n - Copacabana

Informações: (21) 2332-7904

Assessoria de imprensa “Duplo Crimp” - Bianca Senna

Tel: (21) 3065- 1698/ (21) 7928-0055

bianca@astrolabiocom.com.br

2012-01-24T14:27:00.000-08:00

Novo modo de formação

Odette Aslan

          Ante as deficiências do ensino, todos os homens de teatro tiveram a mesma reação: criar um grupo de trabalho para experimentar em seu âmbito métodos de reeducação teatral. A Escola do Vieux-Colombier de Jacques Copeau, o Estúdio Stanislavski no Teatro de Arte de Moscou e, mais tarde, o Laboratório de Grotowski em Opole surgiram do mesmo desgosto em relação aos modos de formação existentes, do mesmo desejo de retirar-se momentaneamente para dedicar-se à pesquisa, da mesma necessidade de refugiar-se em um falanstério para evitar as más ambições.

JACQUES COPEAU
          Indignado com as práticas do teatro comercial barato, desejoso de regenerar o homem-ator, Copeau sonhava, já em 1913, em formar uma "escola técnica para a renovação da arte dramática francesa". Seria um "local de comunidade onde o aluno seguiria um treinamento". Praticar-se-ia aí a ginástica rítmica de Jaques-Dalcroze, esportes, como a esgrima, para melhorar o domínio dos nervos, acrobacia e cabalhotas como um clown (para os papéis cômicos da comédia antiga), a dança (para executar a dança ritual das tragédias, os entremezes espanhóis).

          Entretanto, o ator deverá tomar cuidado para não desenvolver-se demais fisicamente, senão irá tornar-se um execrável "cabotino do músculo". Deverá aprender a calar-se, escutar, permanecer imóvel, começar um gesto, desenvolvê-lo, retornar à imobilidade e ao silêncio, "com todas as nuanças e meias nuanças que essas ações comportam". Ensinar-lhe-ão o solfejo e o canto e, talvez, até a tocar um instrumento.

          Vê-se a peculiaridade desse treinamento comparado ao ensino tradicional, a formação corporal torna-se, no caso, sistemática. O que se faz em relação aos textos? Eles são suprimidos momentaneamente. Copeau quer tentar reconduzir o ator ao estado de criança que ainda não fala. Partindo da música, de uma expressão dançada, chegaria ao grito, à exclamação e, depois, à palavra. Trata-se de torná-lo mudo temporariamente, forçá-lo a sentir de novo interiormente a necessidade de exprimir-se, depois a exprimir-se por outros modos, afora a palavra, e, enfim, falar, com palavras e sons rudimentares, pouco numerosos, mas justificados, essenciais. É o método da impovisação.

          Copeau e Jouvet, que nesse época conversou muito com ele a esse propósito, inspiraram-se na Commedia dell'Arte. O ator moderno estava atulhado de textos prontos para uso, ricos demais, muito bem escritos, e contentava-se preguiçosamente em dizê-los, em vez de representá-los verdadeiramente. Era preciso reconduzir o ator à pobreza de um "canevas" ("cenário" da commedia dell'arte) sucinto para despertar sua imaginação, sua capacidade de jogo e de invenção.

          Cumpria também tirar a poeira dos clássicos por demais conhecidos, "desgastados por gerações de atores", lustrá-los para fazê-los recobrar um novo frescor. Toma-se pois um texto clássico, mas ao ator dá-se apenas um esqueleto da ação sobre a qual lhe cabe bordar. Ele só terá direito a trabalhar o texto verdadeiro muito mais tarde.

          Jouvet propõe uma segunda idéia: improvisar não importa o que em duplas, "para desenvolver a loquacidade. Aquele que primeiro não tiver mais nada a dizer perde". Os camelôs, os pregoeiros de feiras, os animadores de todo tipo sabem improvisar, cada qual em seu domínio, por que o comediante não? Jouvet sugere também um jogo cênico de definições: "Como se diz às criancinhas: - Como se imita a vaca? E o pato? - de modo a achar o dom das mímicas rápidas, metáforas engraçadas".

          A improvisação não é apenas um exercício, um meio de atuar melhor, pensa Copeau, mas talvez se possa ressuscitar o gênero da comédia improvisada, com personagens e temas modernos. O ator tornar-se-ia quase autor. Entretanto, textos seriam trabalhados em términos de estudos, sobretudo os clássicos franceses, que "não oferecem pontos de fixação às afetações, aos fogos fátuos da habilidade".

CHARLES DULLIN
          Depois de ter atuado com J. Copeau e dado aulas no Conservatório que Firmin Gémier havia lançado após a guerra 1914-1918, com espírito de oposição ao conservatório oficial, Dullin fundou em 1921 o Atelier, escola nova do comediante, laboratório de pesquisas dramáticas, organização corporativa onde o artista conheceria a fundo o instrumento de que ele deve servir-se.

          Dullin quer que o ator tenha um treinamento plástico, que saiba cantar e dançar. Uma improvisação teatral no teatro do exército francês em 1915, o levou a reportar-se à commedia dell'arte; ela o levaria a entrever "a contribuição da plástica e do ritmo do espetáculo". Por isso ele desenvolveu muito bem em sua escola exercícios de improvisação, porque esta obriga o aluno a descobrir seus próprios meios de expressão. Mas não sonha, como Copeau, em convertê-la a um fim em si.

          Dullin organizou exercícios simples, baseados nas sensações dos cinco sentidos, a fim de forçar o aluno ao procedimento em função daquilo que cai sob os sentidos, mas que ninguém exercita convenientemente, isto é, sentir antes de exprimir, ver antes de descrever o que viu, escutar e entender antes de responder. Daí nascem comparações, lembranças; sentimentos interiores se libertam e se expressam. A improvisação ocorrerá em dois tempos: conhecer interiormente com força, exprimir ao máximo.

          É mais fácil aplicar o método tradicional: trabalhem tal cena e apresentem-na para mim na próxima semana. A improvisação dá mais dor de cabeça ao professor e no começo é uma ducha fria para o aluno. Este fica desarmado; não lhe pedem que estude um texto, precisa apresentar-se tal como é e tal como ele mesmo não se conhece. Ignora o que se quer dele, para onde o conduzem. Ele, que pretendia tornar-se ator e exibir-se diante de todos os públicos do mundo, para ser aplaudido, ei-lo querendo esconder-se num buraco de rato.

          O professor tateia, procura com ele o exercício conveniente, tenta estabelecer a confiança, a descontração psicológica e muscular. É preciso partir do zero, obter o vazio, estar disponível, aberto, executar as coisas mais simples. Andar sem intenção alguma, mas sendo observado. Olhar um objeto inexistente e dar a entender que o objeto está sendo olhado.

          Tais exercícios parecem tolos, mas revelam o comportamento, a personalidade de quem os executa, seu poder de concentração, sua capacidade de observação. Revelam a presença, a criatividade, o dom cômico, ou então traem a passividade daquele que nunca deixará de ser apenas um executante aplicado. Dullin só encontrou dois alunos dotados, em 28 anos. Ora, ele formou centenas!

          Um pudor natural impede que o aluno faça gestos de cólera, por exemplo, quando não tem o apoio de um texto para gritar. Ele teme o ridículo de uma expressão muda exagerada. Há um remédio inspirado na reação dos avestruzes e que consiste em retirar-se do paciente o uso da visão. Cobre-se-lhe o rosto com uma máscara neutra ou meia-máscara. Ele quase não vê mais nada, sabe sobretudo que está com o rosto coberto. Sua concentração é mais intensa. Pode, então, experimentar profundamente o sentimento pedido e exprimi-lo corporalmente com muito mais audácia do que com o rosto descoberto. Dullin utilizou a meia-máscara.

          É através da improvisão que o aluno adquire senso do ritmo, para um conhecimento interno de suas pulsações e a utilização controlada, o que ele consegue em pouco tempo. O ator que improvisa é senhor de si mesmo, decide seu tempo, seus movimentos, seus silêncios; escolhe o momento de começar, seu encaminhamento, sua gradação. Por isso a improvisação a dois ou mais é perigosa, exige conhecimento dos reflexos dos outros e um treinamento conjunto, um ajustamento recíproco, e praticamente um dos atores acaba impondo o ritmo aos outros.

          A improvisação é uma prova de honestidade. Não se pode trapacear, escamotear uma transição embaraçosa, deixar um buraco no encadeamento dos gestos ou do pensamento. Tudo deve ser claro e desenrolar-se no tempo necessário à ação cênica. É preciso fazer uma distinção entre esses exercícios não-verbais e a mímica pura. Na mímica, os gestos são ralentados, sublinhados; o comediante deve procurar expressões corporais que não sejam redundantes em relação à palavra. Dullin aplica exercícios inspirados em animais: cisne, andorinha, gato. Se o gato espreitar um rato, o aluno não deve imitar o gato, mas encontrar "uma plástica humana inspirada no gato".

          Dullin não é inimigo do trabalho paralelo: dança clássica, esgrima, pantomima pura, assim como dicção mecânica, contanto que, por outro lado, o comediante seja iniciado na atuação propriamente dita. É contra a "voz na máscara" (facial) da formação tradicional. Sua opinião é de que a voz deve conservar seu caráter natural e que ela se coloca sozinha através de exercícios de respiração, de descontração.

          Quando domina a respiração, deitado de costas, o aluno trabalha as vogais e mastiga as consoantes. A importância dada ao treinamento corporal e à improvisação não impediram nem Copeau nem Dullin de voltarem em seguida ao texto e de serem, tanto um quanto o outro, maravilhosos declamadores. Copeau era famoso por efetuar "leituras a uma voz" de peças inteiras. Exercitava seus comediantes na leitura em voz alta e na recitação poética.

          A dicção de Dullin era característica, dava às palavras o devido peso e o devido sabor. Dullin não tem método para ensinar dicção poética (É preciso ser poeta!"). Admirava Sarah Bernhardt e Mounet-Sully "porque eles davam a ilusão da linguagem dos deuses", porque tinham o senso da musicalidade.

          Adepto da improvisação para formar seus alunos, Dullin não era menos apaixonado pelos grandes textos: "A força do teatro ocidental é sua dramaturgia escrita, é esta notação dos valores humanos tão certa que, graças a ela, uma obra-prima resiste a tudo, mesmo à má interpretação". Somente que, para "tirar" esse texto, interpretá-lo, o ator-Dullin está desarmado. Espera a intuição como um sonâmbulo.

          Procurando a personagem de Smerdiakov (Crime e castigo), tomou consciência de que sua análise aprofundada do texto o impedia de atuar e que era melhor fiar-se no instinto, procurando nele reações físicas, animais. Gémier confiou-lhe este truque do velho ator Taillade: "Quando um comediante não consegue traduzir o sentimento que lhe peço, coloco-o em diferentes posturas até que consiga". Posturas, truques, estamos sempre às voltas com meios empíricos.
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Extraído de "O ator no século XX". Editora Perspectiva.

2012-01-24T06:39:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Os altruístas"

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Embates insanos e hilariantes

Lionel Fischer

"Sydney é uma estrela de novela à beira de um ataque de nervos. Tão famosa quanto desequilibrada, ela comete uma atitude extrema após conviver e sustentar um grupo de jovens engajados em causas sociais, todos amigos de seu namorado. Intensa, politicamente incorreta e verborrágica, Sydney, após uma crise de ciúmes com o namorado Tony, pede ajuda ao irmão Ronald, homossexual exagerado e uma espécie de líder deste grupo de radicais, que acaba de se apaixonar perdidamente pelo michê Lance. Do grupo também faz parte a explosiva lésbica Vivian".

O trecho acima, extraído (e levemente editado) do release que me foi enviado, sintetiza o enredo de "Os altruístas", do norte-americano Nicky Silver, autor de "Pterodátilos", recente sucesso nos palcos cariocas. Guilherme Weber assina a adaptação do texto e direção do espetáculo, que tem elenco formado por Mariana Ximenes, Kiko Mascarenhas, Miguel Thiré, Jonathan Haagensen e Stella Rabello.

Na opinião do diretor Guilherme Weber, com a qual concordo inteiramente, as peças de Nicky Silver são "festivais alucinados de brutalidade, velocidade e humor negro. Em 'Os altruístas', relações amorosas em decomposição são as arenas escolhidas por ele para cultivar a raiva e a decepção das quais sua obra se alimenta".

Mas a esta pertinente avaliação acrescentaria o seguinte: o autor rompe por completo com as premissas inerentes a uma narrativa linear, cria personagens que estão sempre (ou quase) vivendo uma situação-limite e em nenhum momento vale-se de elementos psicológicos para justificar as ações que empreendem. De certa forma, é como se estivéssemos diante de espectros que realizam orgias sobre a campa das próprias sepulturas. Nada pode ser definido com clareza, já que o autor prioriza não a comodidade, mas o desconforto. E por isso é tão instigante e perturbador.

Quanto à montagem, o excelente ator Guilherme Weber (fundador, junto com Felipe Hirsch, da brilhante Sutil Companhia de Teatro, que ora completa 18 anos) impõe à cena, nesta que é sua primeira direção, uma dinâmica em total sintonia com o contexto delirante e insano proposto pelo autor. E aqui não me refiro apenas à originalidade e virulência das marcações, mas também ao riquíssimo universo gestual, executado pelos atores de forma exemplar - propositadamente exagerado, beirando a histeria, quase operístico e invariavelmente muito engraçado.

Com relação ao elenco, antes de mais nada gostaria de parabenizar Mariana Ximenes pela coragem de sua escolha. Estrela da TV, poderia retornar aos palcos com uma peça, digamos, bem comportada, incapaz de pôr em risco sua imagem, quase sempre atrelada a personagens que nos cativam por sua doçura. Aqui, pelo contrário, a atriz se entrega de forma visceral a uma personagem ao mesmo tempo sórdida e carente, amorosa e frustrada, violenta e insana, enfim, uma mulher plena de contradições cujo furor, em dados momentos, em tudo se assemelha ao das grandes tempestades. E, em outros, nos provoca incontroláveis gargalhadas. Em resumo: uma atução simplesmente magnífica.

Na pele de Ronald, o irmão gay de Sydney, Kiko Mascarenhas também exibe uma performance extraordinária, tanto no que concerne ao texto articulado quanto ao que diz respeito à expressividade corporal, realmente irrepreensível. E o mesmo se aplica a Miguel Thiré (Tony, namorado de Sydney), Jonathan Haagensen (Lance, o michê) e a Stella Rabello (Vivian, a lésbica incendiária), que valorizam ao máximo os personagens que interpretam e contribuem de forma decisiva para o êxito absoluto da presente empreitada teatral.

Na equipe técnica, Daniela Thomas assina uma cenografia sombria e desolada, que, em alguns momentos, sugere a atmofesra de um necrotério. Também de excelente nível os figurinos de Emilia Duncan e Antonio Frajado, a claustrofóbica e expressiva iluminação de Domingos Quintiliano e a ótima trilha sonora criada por Guilherme Weber.

OS ALTRUÍSTAS - Texto de Nicky Silver. Adaptação e direção de Guilherme Weber. Com Mariana Ximenes, Kiko Mascarenhas, Miguel Thiré, Jonathan Haagensen e Stella Rabello. Espaço Tom Jobim. Sexta e sábado, 20h30. Domingo, 20h.

2012-01-22T06:14:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Salve, Jorge"

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Inesquecível encontro

Lionel Fischer

"A peça conta a história de um menino do subúrbio que, acreditando em seus sonhos e apoiado pela família, se transformou em um consagrado artista. Jorge Fernando faz um apanhado de relatos de sua vida pessoal e profissional, com humor e ficção. Histórias do mundo teatral, televisivo e cinematográfico recontadas com emoção e alegria."

Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza o enredo do espetáculo solo escrito e dirigido por Jorge Fernando, que acaba de entrar em cartaz no Teatro dos Quatro. E que ali deverá permanecer por muito tempo e provavelmente cumprir outras temporadas em vários espaços, por razões que detalho em seguida - só não sei se a presente montagem ficará tanto tempo em cartaz quanto a anterior de Jorge Fernando, "BOOM!": mais de 10 anos!!!

Contando com a colaboração de Denise Portes no tocante à concepção do espetáculo, "Salve, Jorge" nos mostra a trajetória pessoal e profissional do ator, diretor (de teatro e TV) e autor, que ao longo do tempo converteu-se em unanimidade. De fato, não conheço ninguém imune aos encantos de Jorge Fernando, seja como profissional ou pessoa.

Como profissional, vem colecionando sucessivos êxitos tanto na TV como no teatro, aqui incluindo-se uma vasta quantidade de shows com várias estrelas da MPB - Ney Natogrosso, Simone etc. E como pessoa, Jorge exerce particular fascínio não apenas por seu carisma, inteligência, humor e sensibilidade, mas sobretudo por ser alguém que parece ter vindo ao mundo com a expressa missão de gerar felicidade. Além disso, é totalmente despido de qualquer arrogância, fato não muito comum naqueles que alcançam grande sucesso em suas profissões.

No presente espetáculo, como já foi dito, Jorge Fernando apresenta um amplo painel de sua trajetória humana e profissional. E a forma como o materializa em cena é absolutamente fascinante, tanto nas passagens (a maioria) em que dialoga com a platéia como naquelas em que efetivamente representa um personagem. Tal fascínio advém de alguns fatores: sua notável capacidade de improvisar, sua enorme competência como intérprete e a divertidíssima sinceridade que evidencia ao abordar passagens hilárias ou outras mais tocantes.

Sob todos os aspectos, "Salve, Jorge" é um presente para o público, que assiste ao espetáculo com a certeza de estar vivendo um momento único, ou seja, o privilégio de travar contato com alguém que se entrega sem reservas ao que faz, que ama profundamente sua profissão e, fundamentalmente, que encara o outro como um irmão - e esta última qualidade é fundamental nos tempos que correm, onde o individualismo impera e a ânsia de se dar bem acaba se sobrepondo a todos os valores morais e éticos.

Assim, só me resta implorar aos sempre caprichosos deuses do teatro que continuem abençoando este profissional exemplar e que permitam que "Salve, Jorge" fique muito tempo em cartaz, já que o espetáculo só faz confirmar as palavras do maior encenador vivo, o inglês Peter Brook: "O teatro é a arte do encontro". E este, certamente, ninguém jamais esquecerá.

Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo as colaborações de todos os profissionais envolvidos nesta oportuníssima empreitada teatral - José Claudio (cenografia), Ellen Milet (figurinos), Juarez Farinon (iluminação), Caio Nunes (coreografias) e Mú Carvalho (direção musical, trilha sonora e arranjos). Cumpre também destacar a breve e divertida participação dos bailarinos Joane Motta, Mariana Gomes, Lucas Nunes, Luan Batista e Thiago Marcelino, assim como as participações em vídeo de Maria Carol e Marcelo Barros.

SALVE, JORGE - Concepção, direção e atuação de Jorge Fernando. Colaboração de Denise Portes. Teatro dos Quatro. Sexta e sábado, 21h. Domingo, 20h.

2012-01-21T06:52:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"A propósito de Senhorita Julia"

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A dor de existir

Lionel Fischer

Autor dramático e escritor sueco, August Strindberg (1849-1912) foi o iniciador do naturalismo em seu país e precursor do expressionismo europeu. Inicialmente mais conhecido por sua novelas curtas, despertou polêmica com seus ensaios histórico-culturais, que provocaram seu primeiro exílio voluntário (1883-1889). Em contato com os naturalistas franceses e impregnado das idéias de Nietzche e Schopenhauer, escreveu os dramas naturalistas "O pai", "Os credores" e "Senhorita Júlia" - sendo este último o objeto da presente análise.

Mas antes julgo oportuno ressaltar não apenas seus temas preferidos - a luta dos sexos, a mulher como ente maligno e a polivalência psicológica, abordados com grande senso dramático e técnica irrepreensível - como também mencionar que, após grave crise psicológica, que se seguiu a seu segundo exílio voluntário (1892-1896), escreve seus grandes dramas simbólicos: "A caminho de Damasco", "O sonho", "Dança macabra" e "Sonata dos espectros".
Isto posto, vamos à peça, aqui rebatizada de "A propósito de Senhorita Julia".

Na adaptação feita por José Almino e Walter Lima Jr., a ação se passa na cozinha de uma mansão no Rio de Janeiro. Julia é uma jovem rica que se envolve com Moacir, motorista de seu pai. Cristiane, empregada da casa, namora Moacir e os dois estão prestes a se casar. No entanto, a inesperada relação entre Julia e Moacir põe em xeque não apenas o previsível matrimônio, mas sobretudo levanta pertinentes questões sobre afetos, impulsos reprimidos, o poder do dinheiro e a fragilidade da condição feminina, dentre muitos outros temas.

Em cartaz no Teatro Nelson Rodrigues (Caixa Cultural), "A propósito de Senhorita Julia" chega à cena com direção de Walter Lima Jr. e elenco formado por Alesandra Negrini (Julia), Armando Babaioff (Moacir) e Dani Ornellas (Cristiane).

Diante dos temas acima mencionados, torna-se óbvio que a intenção de Strindberg não foi a de priorizar a avassaladora lubricidade dos protagonistas, pois aí teríamos, no máximo, um melodrama como qualquer outro. A atração entre Julia e Moacir existe, evidentemente, mas aqui é trabalhada no sentido de criar um jogo cênico em que, mais do que personagens, ambos funcionam como símbolos de classes com valores diametralmente opostos e inconciliáveis. A possibilidade de um desfecho trágico, portanto, permeia toda a ação.

Sem dúvida uma obra-prima, o texto de Strindberg recebeu ótima adaptação de José Almino, que teve como base "After Miss Julie", do inglês Patrick Marber. Nada se perde em relação ao original e certamente o fato de ter sido contextualizada no Brasil e na atualidade aproxima ainda mais o público dos conteúdos propostos pelo autor.

Com relação à direção, como de hábito Walter Lima Jr. impõe à cena uma dinâmica desprovida de inúteis firulas formais, concentrando-se no que de fato importa: a relação entre os personagens, a materialização de seus sentimentos, idéias e contradições, tudo isto levado a cabo com sobriedade, precisão rítmica e marcações em total sintonia com as variantes emocionais magistralmente criadas pelo dramaturgo sueco.

No tocante ao elenco, Alessandra Negrini consegue materializar de forma irretocável toda a complexidade de um caráter dilacerado, pois se por um lado Julia é uma mulher de extrema fragilidade, carente, oprimida e sonhadora, também não deixa de ser uma pessoa capaz de oprimir, magoar, exercer seu lado cruel com uma aterradora capacidade de ferir. Como não sou psicólogo, não sei se Julia é portadora de alguma patologia específica. Mas creio que ela possui, digamos, algo que poderia definir como a dor de existir. E esta, ao que me parece, dificilmente tem cura...

A mesma eficiência se faz presente na performance de Armando Babaioff. O Moacir que constrói está em total sintonia com o pretendido pelo autor: um jovem ambicioso, sedutor, aparentemente disposto a dar uma guinada em sua vida transcendendo a condição subalterna que lhe é inerente mas que, ante a iminência de um simples chamado do patrão, assume totalmente seu papel naquele contexto: alguém cujo destino é obedecer, jamais mandar.

Dani Ornellas, na pele de Cristiane, e ainda que em papel de menores oportunidades, também exibe atuação absolutamente convincente, conseguindo retratar tanto sua paixão por Moacir quanto a consciência que possui com relação à impossibilidade de se ultrapassar, impunemente, as fronteiras rigidamente estabelecidas entre as classes sociais.

Na equipe técnica, são corretos os trabalhos de todos os profissionais envolvidos nesta oportuna produção - Daniel Galvan (iluminação), Angéle Fróes (figurinos), José Dias (cenografia) e Walter Lima Jr. (trilha sonora).

A PROPÓSITO DE SENHORITA JULIA - Texto de Strindberg. Adaptação de José Almino. Direção de Walter Lima Jr. Com Alessandra Negrini, Armando Babaioff e Dani Ornellas. Teatro Nelson Rodrigues (Caixa Cultural). Quinta a sábado, 20h. Domingo, 19h30.

2012-01-20T18:26:00.000-08:00

Etnomusicologia e música africana

Professor Kofi Gbolonyo (Gana)

23 a 26 de janeiro de 2012

Público alvo: professores de música, instrumentistas, cantores, atores, dançarinos, etnomusicólogos, musicoterapeutas, alunos de música e todos os interessados em etnomusicologia e musicologia.

Horário: 9:00 às 13:00

Carga Horária: 16h

Temas:

          África encontra Brasil: Uma exploração etnomusicológica das raízes africanas nas performances artísticas brasileiras – música, dança e teatro- sob uma perspectiva histórica religiosa e musicolinguística.

Subtemas:

(a) - África no Brasil: Um breve panorama histórico sob a perspectiva musical

(b) As conexões espirituais entre África e Brasil

(c) Introdução a Música na África:

(d) O conceito Arte Total nas performances artísticas africanas (e afro-brasileiras)

(e) Os princípios estilísticos nos estilos musicais tradicionais africanos (e afro-brasileiros).

(f) A Viagem de volta: Do Brasil para África.

Sobre Dr. Kofi Gbolonyo:

          Músico e educador, nasceu em Gana, África, tendo vivido sua infância em aldeias ao longo da fronteira entre Gana e Togo, onde aprendeu músicas e danças dos povos Ewe e Fon. Atualmente Dr. Gbolonyo é professor convidado em etnomusicologia e diretor do UBC African Ensemble no Canada. Graduação em nível III da Orff Schulwerk, Pós-Graduação em Estudos Africanos e Doutor em Etnomusicologia. Suas pesquisas e interesses educacionais estão voltados para a musica, dança e cultura do oeste africano, concentrando-se em conhecimentos indígenas e valores culturais dos povos Ewe e Fon. Ministra worshops, palestras e cursos Internacionais de Dança e Música Africana em organizações Society for Ethnomusicology. Ministra cursos de graduação e pós-graduação em etnomusicologia e música africana.

http://www.music.ubc.ca/faculty-and-staff/visiting-faculty/j-s-kofi-gbolonyo.html

Percussão corporal com

Keith Terry

23 a 26 de janeiro de 2012

          Ele bate as palmas, esfrega uma mão na outra, estala os dedos, bate os pés, arrasta a sola dos sapatos, percute peito, barriga e traseiro, explora sons com as bochechas: Keith Terry usa toda e qualquer superfície para explorar todas as suas possibilidades, criando sua música a partir de uma surpreendente variedade de registros sonoros com brilhantes variações rítmicas. Pode-se definir Keith Terry como um bailarino percussionista, cujo trabalho engloba uma gama de disciplinas afins, como música, dança, teatro, performance, dentro de uma visão artística própria criando uma linguagem que transcende padronizações. Keith se define como músico corporal, que a partir do uso do mais antigo dos instrumentos- o próprio corpo - cria uma base para explorar, aliar, mesclar possibilidades rítmicas, percussivas e de movimentos, tradicionais e contemporâneas.

Horário: 14h30-17h30

Carga Horária Total: 16 horas

Sobre Keith Terry

          Pioneiro da percussão corporal, Keith é o criador do Festival Internacional de Música Corporal cuja 3ª edição aconteceu em 2010 em São Paulo. A iniciativa foi resultado da parceria e intercâmbio de experiências que vem acontecendo há anos entre Keith Terry e Fernando Barba com produção do Núcleo Barbatuques http://br.barbatuques.com.br/. O International Body Music Festival é uma grande mostra da música mais antiga do planeta: a percussão corporal. “A música que pode ser vista e a dança que pode ser ouvida”. http://www.crosspulse.com/

Valores de cada curso:

R$ 200,00

R$ 150,00 - Alunos e professores do CBM-CEU

Informações: com Ana Paula Cabral ou Mariana Marins - Departamento Cultural

Telefone: (21) 3478-7600

Email: anapaulacabrals@hotmail.com

Coordenação: Adriana Rodrigues Didier

http://cbm-musica.edu.br/

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2012-01-19T11:35:00.000-08:00

ANGRA URBAN FESTIVAL

          Festival reúne elementos do cotidiano das ruas das grandes cidades em uma autêntica celebração à cultura urbana, dia 21 de janeiro, na Praia da Chácara, em Angra dos Reis. Serão sete horas de entretenimento e atividades gratuitas sob o comando do DJ Marcos Bocayuva. Batalha de raps de improviso, intervenções gráficas e apresentações esportivas são os destaques da programação.

          A Prefeitura Municipal de Angra dos Reis promove, dia 21 de janeiro, o Angra Urban Festival, na Praia da Chácara, local que abriga a pista pública de skate da cidade, uma das melhores do estado. Com realização da UpLine Produções e idealização da Pense Skate, o evento tem o intuito de trazer à tona o espírito ousado e vanguardista das ruas, mostrando para quem quiser ver e ouvir o que a arte urbana tem de mais novo, intenso e verdadeiro. O evento faz parte das comemorações dos 510 anos de Angra dos Reis.

          O Angra Urban Festival terá início às 16h e trará em sua programação apresentações de skate, basquete de rua, futebol freestyle e street dance, além de uma batalha do conhecimento promovida pelo MC Marechal e de muita música com os DJs Machintal e Marcos Bocayuva. Skatistas profissionais e amadores farão uma demonstração de manobras de alto nível. Grafiteiros transformarão o entorno da pista em um grande painel de arte urbana. Em uma quadra ao lado, atletas da LIIBRA (Liga Internacional de Basquete de Rua) farão uma apresentação de enterradas, enquanto B-boys da Cufa (Central Única de Favelas) entrarão no ritmo do verdadeiro break dance. Atletas profissionais do futebol freestyle prometem impressionar os amantes do esporte.

          Na pista de skate, entre os destaques teremos Raphael Índio, carioca de estilo atirado que ainda comemora sua recém-passagem para categoria profissional em 2012; e Maurício Nava, local de Volta Redonda, que também representará muito bem a nova safra de profissionais do skate fluminense com seus dread locks e suas manobras sempre criativas.

          A batalha do conhecimento, comandada pelo MC Marechal, terá duas fases e a grande final. Na competição, MC´s improvisam raps utilizando palavras propostas pelo público. As sugestões são transcritas em um quadro-negro, consultado pelo competidor durante sua apresentação. A participação do público é efetiva na batalha, não ficando restrita apenas à decisão do vencedor, mas estabelecendo os temas das rimas que os MC´s irão improvisar.

          No entorno da pista de skate, os artistas Artur Kjá, Cristiano Preas, Eduardo Denne e Wilson Domingues farão diversas intervenções gráficas, utilizando desde o tradicional grafite até o sticker e o past up, técnicas de colagem em diversas superfícies. "A intenção é gerar um maior impacto visual na pista, quebrando o cinza do concreto e criando formas que possam interagir com as manobras", diz Kjá.

Serviço:

Angra Urban Festival

Sábado, 21 de janeiro de 2012, às 16h

Praia da Chácara, Angra dos Reis

Entrada Gratuita

Classificação livre

Cronograma:

16h - Abertura do Festival

16h30 - DJ Marcos Bocayuva

18h - Jam Session Futebol Freestyle

19h - 1ª Fase Batalha do Conhecimento com Mc Marechal

19h30 - Dj Machintal

20h30 - Jam Session Basquete de Rua / B-boys (LIIBRA/CUFA)

21h30 - 2ª Fase da Batalha do conhecimento com Mc Marechal

21h50 - Jam Session Skate (Skatistas profissionais e amadores)

22h40 - Final da Batalha do Conhecimento + Mc Marechal

23h - Encerramento do Festival

Mais informações: Vivien Drumond

vivi.drumond@gmail.com

Vivien Drumond

Assessora de Imprensa

21 7853-0411

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2012-01-19T08:52:00.000-08:00

STUDIO STANISLAVSKI
TRAZ ROBERTO BACCI, DA FONDAZIONE PONTEDERA TEATRO,
AO RIO PARA DIVERSAS AÇÕES COM A COMPANHIA E PÚBLICO

          A convite do Studio Stanislavski, o italiano Roberto Bacci, que dirige a Fondazione Pontedera Teatro, vem ao Rio de Janeiro para realizar um trabalho direcionado aos atores da companhia e também aberto ao público no Instituto do Ator, localizado na Lapa. No dia 26, às 21h, o diretor coordenará o Grupão Grotowski, que reúne pessoas interessadas em estudar textos de Jerzy Grotowski. No dia 28, às 19h, ele fará uma conferência aberta. As atividades são gratuitas.

          De segunda, dia 23, a quarta, dia 25, o diretor assistirá montagens da companhia. Celina trabalhou como assistente de Roberto em 1988, em Pontedera, e desde então estabeleceu uma parceria que evoluiu em várias direções nestes 24 anos: “este convite tem como principal objetivo apresentar a ele o trabalho que a companhia vem desenvolvendo nos últimos três anos, a partir da inauguração do Instituto do Ator”, explica Celina.

          A companhia apresentará “Dois Jogos: Sete Jogadores” (segunda, 23), “Moscou é uma jaula” (terça, 24) e o work in process do monólogo “Farnese de Saudade” (quarta, 25), dirigido por Celina Sodré com o ator Vandré Silveira, que estreará em março no Sergio Porto, contemplado pelo Prêmio Montagem Cênica, da Secretaria de Cultura do Estado. Bacci também assistirá ao ensaio de “Guerra e Paz”, adaptação livre do clássico de Leon Tolstoi, patrocinada pela Petrobras, que estreará em maio.

          As atividades abertas ao público acontecerão nos dias 26 e 28, no Instituto do Ator. Há dois anos, a companhia organiza encontros semanais para estudar textos de Jerzy Grotowski. Na quinta, dia 26, o Grupão Grotowski será coordenado por Roberto Bacci, que acompanhou de pertíssimo a pesquisa de Grotowski (1933-1999) de 1986 a 1999, período em que abrigou em Pontedera o Workcenter of Jerzy Grotowski. No sábado, dia 28, o diretor encerrará a programação com uma conferência, onde pretende falar sobre a sua experiência como diretor teatral na Itália e no Brasil, já que ele dirige a Casa Laboratório em São Paulo desde 2003.

O Studio Stanislavski é patrocinado pela Petrobras.

Sobre o diretor

          O italiano Roberto Bacci, nascido em Pisa, em 1949, formou-se em História do Teatro na Universidade de Pisa com a tese “Teatro e Alquimia”. Em Pontedera, comuna italiana da região da Toscana, fundou o Centro per la Sperimentazione e la Ricerca Teatrale em 1974. Como diretor artístico, teve contato com artistas como Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Peter Brook, Anatolij Vassil'ev, Raul Ruiz, Julian Beck e Judith Malina, Sanjukta Panigrahi e muitos outros. Dirigiu importantes festivais teatrais na Itália comoFestival Internazionale di Teatro di Santarcangelo di Romagna, Festival InternazionaleVolterraTeatro e Festival Passaggio a Pontedera que, a partir de 2000, passou a se chamar Generazioni. Desde 2002, é diretor artístico de teatro da do Festival Fabbrica Europa, em Florença. De 1976 a 2003 dirigiu, no início com o Piccolo Teatro di Pontedera, depois com a Compagnia Laboratorio di Pontedera espetáculos que foram apresentados na Itália, na Europa, no Brasil e no Oriente Médio. Entre estes, alguns receberam prêmios (como o Prêmio SHELL-SP como melhor diretor) e reconhecimento da crítica especializada. Desenvolve atividade pedagógica com diretores e atores dentro dos cursos de formação promovidos pela Fondazione Pontedera Teatro e junto a institutos italianos e estrangeiros. No Brasil, Roberto Bacci é diretor artístico da Casa Laboratório em São Paulo, desde 2003.

Sobre a companhia

          Patrocinado pela Petrobras e idealizado e dirigido por Celina Sodré, o Studio Stanislavski é um centro de pesquisa e formação teatral que vem desenvolvendo, há 20 anos, um trabalho de investigação centrado na arte do ator e que tem como mestres Constantin Stanislavski e Jerzy Grotowski, com quem Sodré estudou no final dos anos 80. Essa pesquisa gerou a criação e produção de mais de 30 espetáculos apresentados em temporadas e festivais no Brasil e na Europa. Em 1992, Celina foi indicada para o prêmio Shell na categoria especial, pela criação do Projeto Mizanceni, tendo sido indicada para o mesmo prêmio, em 1995, pela continuidade da pesquisa. Em 1996, São Hamlet foi indicado como melhor espetáculo e melhor cenografia (José Dias) para o Prêmio Cultura Inglesa. No ano seguinte, Luisa Pasello foi indicada para o prêmio UBU, na Itália, de melhor atriz pela atuação em Killing Maria. Ainda em 1997, o espetáculo Amor Consciente foi indicado para duas premiações: Cultura Inglesa, de melhor atriz para Beth Goulart e Shell, de iluminação, para Mauricio Cardoso. Celina também é professora de interpretação da CAL - Casa das Artes de Laranjeiras desde 1995. E atualmente é doutoranda da UNIRIO.

          Desde 2008 o Studio Stanislavski tem a sua sede no Instituto do Ator - Instituto de Pesquisa da Arte do Ator, um espaço de apresentações de trabalhos, ensaios e estudos teóricos e práticos, sempre voltados para a arte do ator, seu aprimoramento e especialização. A coordenação é desenvolvida por um grupo de atores e diretores que formam o coletivo de sócios do IA.

Informações ao público:

Instituto do Ator - (21) 2224-8878

Informações para imprensa:

Astrolábio Comunicação

Bianca Senna
bianca@astrolabiocom.com.br

(21) 3065- 1698
(21) 7928-0055

2012-01-19T08:27:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"A mecânica das borboletas"

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Amargo reencontro no CCBB

Lionel Fischer

Um belo texto de Walter Daguerre está inserido no programa distribuído ao público e nele o autor explicita as razões que o levaram a escrever "A mecânica das borboletas". Em resumo, expõe uma contradição: se por um lado deseja uma vida pacífica, isenta de tecnologias e dos turbilhões inerentes aos grandes centros urbanos, por outro lado também almeja uma existência eletrizante e sempre renovada, o que implicaria em sair pelo mundo e conhecer o maior número possível de países.

E esta dicotomia é o tema central do presente texto, que gira em torno de dois irmãos gêmeos. Rômulo abandona a casa paterna e sai pelo mundo, tornando-se escritor. Remo permanece e, após a morte do pai, assume a oficina mecânica da família. Rosália, a mãe, acaba enlouquecendo, enquanto Liza se une a Remo, ficando implícito que teve uma relação anterior com Rômulo. Passados 20 anos, este retorna, o que deflagra uma série de conflitos.

Eis, em resumo, o enredo de "A mecânica das borboletas", que acaba de entrar em cartaz no Teatro I do CCBB. Paulo de Moraes assina a direção, estando o elenco formado por Ana Kutner (Liza), Eriberto Leão (Rômulo), Otto Jr (Remo) e Suzana Faini (Rosália).

Como se vê, estamos diante de uma idéia com grande potencial dramático - todo retorno, sobretudo após um longo afastamento, é quase sempre problemático, pois dificilmente aquele que regressa se depara com um contexto semelhante ao que deixou. E é exatamente o que ocorre aqui. No entanto, e mesmo ressaltando a força dos diálogos e a pertinência dos temas abordados, ainda assim cabem algumas ressalvas. Vamos a elas.

O fato de Rosália, por exemplo, ter enlouquecido, não constitui problema algum, como também não constitui nenhum entrave o fato de confundir o filho que retorna com o marido falecido. Mas não encontrei nenhuma razão aceitável para, logo em seguida, a mãe reconhecer o filho - se estava realmente louca, o texto teria que construir uma seqüência mais elaborada para justificar sua súbita lucidez.

Outra questão diz respeito ao personagem Liza. O fato de ela ser veterinária é o de menos, embora tal profissão só ganhe uma mínima relevância quando, lançando mão de um exemplo que ocorre com bovinos, tenta explicar a Rômulo como se dá o processo de afastamento entre uma vaca e seu novilho, bem menos doloroso do que entre uma mãe e seu filho, posto que consumado aos poucos. O que me parece insatisfatório é a dubiedade da personagem.

Mesmo estando casada com Remo há 20 anos, basta Rômulo chegar que ela se entrega a ele sem a menor hesitação. O texto insinua que Liza e Remo não conseguem fazer amor. Mas isso sempre ocorreu ou passou a acontecer mais recentemente? Se foi sempre assim, aí ficaria mais crível a cena de amor entre Liza e Rômulo - ambos transam duas vezes, sendo que na última Remo observa o casal e aí decide se separar da mulher.

Mas esta abstinência não fica clara, como também não cheguei a perceber se havia ou não algum amor entre Liza e Remo. Deveria haver, ao menos em princípio, já que quando Remo expulsa Liza de casa ou ameaça ir embora se ela não partir, Liza argumenta que ele não pode destruir assim uma relação de 20 anos. Mas que relação, afinal?

Quanto aos dois irmãos, aí Walter Daguerre constrói dois ótimos personagens e seus embates, que a princípio sugerem diferenças abissais entre ambos, finalmente acabam revelando inegáveis semelhanças. E ambos, cada qual a seu modo, acabaram pagando um preço por suas escolhas, ainda que diametralmente opostas.

Quanto ao espetáculo, Paulo de Moraes dirige a cena com segurança e criatividade. Mas, ao menos na noite em que assisti ao espetáculo, muitos risos eclodiram em passagens que estava assimilando como dramáticas. Teria isto sido proposital ou fui eu que fiz uma leitura completamente equivocada? Realmente, não sei.

No tocante ao elenco, estão em cena profissionais de excelente qualidade, que valorizam ao máximo os personagens que interpretam, mesmo com as ressalvas que fiz a dois deles. Na equipe técnica, considero irretocável as participações de Carla Berri e Paulo de Moraes (cenografia), Maneco Quinderé (iluminação), Ricco Viana (trilha sonora original) e Rita Murtinho (figurinos).

A MECÂNICA DAS BORBOLETAS - Texto de Walter Daguerre. Direção de Paulo de Moraes. Com Ana Kutner, Eriberto Leão, Otto Jr e Suzana Faini. Teatro I do CCBB. Quarta a domingo, 19h.

2012-01-18T10:43:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Xanadu"

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Festa imperdível no Leblon

Lionel Fischer

Filme lançado nos anos 80, "Xanadu" foi um fracasso completo. Em 2007, porém, sua transposição para o teatro obteve êxito retumbante. E agora o público carioca tem o privilégio de assistir a uma versão do musical escrito por Douglas Carter Beane (músicas e letras de Jeff Lynne e John Farrar), que acaba de estrear no Teatro Oi Casa Grande.

Com direção de Miguel Falabella e versão de Artur Xexéu, "Xanadu" tem elenco formado por Danielle Winits, Thiago Fragoso, Sidney Magal, Sabrina Korgut, Gottsha, Maurício Xavier, Karin Hils, Fabrício Negri, Lucas Drumond, Giovanna Cursino, Carla Vazquez e Danilo Timm.

O numeroso elenco, que se desdobra em uma infinidade de papéis, conta com a preciosa parceria de Carlos Bauzyz (direção musical e vocal), Daniel Rocha (regência/guitarra/violão), Bernardo Ramos (guitarra/violão), Priscilla Azevedo e Herberth Rocha (teclado), Raul D'Oliveira (baixo) e Rafael Maia (bateria).

No tocante ao enredo, "Xanadu" resume-se ao seguinte - o trecho que se segue, levemente editado, foi extraído do release que me foi enviado: deuses da mitologia grega descem à terra para ajudar os humanos. Dentre eles está Clio, uma semideusa que adota o nome de Kira quando se disfarça como terrena, cuja missão acaba sendo a de ajudar Sonny Malone, um artista incompreendido que pretende abrir uma casa noturna diferente de tudo que havia feito até então. Para isso, ela conta com a ajuda de Danny Mc Guire.

Diante do exposto, um observador severo poderia concluir que se trata de uma bobagem. No entanto, e por mais paradoxal que possa parecer, estaria absolutamente certo em sua avaliação: trata-se efetivamente de uma bobagem, só que uma bobagem deliciosa, plena de humor, fantasia, escracho, lirismo e, sobretudo, de uma bobagem plenamente assumida, com inegáveis pitadas de besteirol.

A ótima versão de Artur Xexéu valoriza ao extremo a trama, ambientada no Olimpo e na Praça Paris (1980). E o faz através de personagens hilariantes, diálogos fluentes e cujo poder de sedução também reside no fato de que temos sempre a sensação de que tanto o texto, como o espetáculo, riem de si mesmos. Esta talvez seja a principal razão que leva o público a tornar-se cúmplice desde o início, pois percebe que a diversão não está restrita à platéia, mas também impera no palco. Mas tal fenômeno implica, naturalmente, na soma de diversos fatores, dentre eles a direção.

Como todos sabemos - exceção feita aos invejosos natos e hereditários, como dizia Nelson Rodrigues - Miguel Falabella possui um talento avassalador no tocante ao humor. E aqui o exibe de forma absolutamente despudorada, levando às últimas conseqüências uma proposta que consiste, basicamente, no proposital exagero dos gestos e entonações, na criação de marcas desajeitadas e canastronas, na inclusão de comentários que, teoricamente, nada teriam a ver com as cenas etc.

Em resumo: estamos diante de um espetáculo que prioriza o lúdico e que converte o fenômeno teatral em uma grande festa. Mas esta, evidentemente, só se materializa de forma tão brilhante em função de mais um quesito: a espetacular atuação de todo o elenco, desde os protagonistas até aqueles que têm participações menores.

Na pele de Kira, Danielle Winits exibe performance irretocável. Ouso supor que, durante algum tempo, os invejosos de sempre a consideraram apenas uma mulher linda, creditando seu sucesso a seus predicados físicos. Nada mais injusto, definitivamente. Danielle Winits é uma excelente atriz e, portanto, capaz de desempenhar com competência uma vasta gama de personagens, tanto dramáticos quanto cômicos. E em se tratando de comédia, ela demonstra, mais uma vez, sua notável aptidão para o gênero, o mesmo ocorrendo com Sabrina Korgut - a atriz também exibe desempenho irrepreensível e tão engraçado que, várias vezes, foi aplaudida em cena aberta.

Vivendo Sonny Malone, Thiago Fragoso materializa de forma exemplar um personagem que mescla ingenuidade, lirismo e, digamos, uma encantadora boçalidade. Sidney Magal encarna com humor e segurança tanto Danny Maguire quanto Zeus, a mesma eficiência presente nas performances de Gottsha, Maurício Xavier, Brenda Nadler, Karin Hils, Fabrício Negri, Lucas Drumond, Giovanna Cursino, Carla Vazquez e Danilo Timm - por questões de espaço, já que esta crítica será publicada no jornal Folha Zona Sul, me vejo obrigado a não detalhar as performances dos intérpretes citados, mas faço absoluta questão de declarar que, sem a preciosa colaboração de todos, o espetáculo não seria o mesmo.

Na equipe técnica, em função de sua excelência, não há como conferir um destaque especial a nenhum dos maravilhosos profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral. Assim, a todos parabenizo com o mesmo entusiasmo - Cininha de Paula (co-direção), Fernanda Chamma (coreografias), Marcelo Pies (figurinos), Nello Marrese (cenografia) e Paulo César Medeiros (iluminação).

XANADU - Texto de Douglas Carter Beane. Músicas e letras de Jeff Lynne e John Farrar. Versão de Artur Xexéu. Direção de Miguel Falabella. Com Danielle Winits, Thiago Fragoso, Sidney Magal e grande elenco. Teatro Oi Casa Grande. Quinta e sexta, 21h. Sábado às 19h e 21h. Domingo, 21h.

2012-01-17T10:44:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"O bom canário"

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Vigoroso libelo contra a hipocrisia

Lionel Fischer

"A peça conta a história do casal Jack - escritor, romancista de grande futuro - e Annie, dona de casa e viciada em anfetaminas desde a adolescência. Apesar dos supostos problemas, o casal vive bem, se ama e é feliz. Charlie é um editor que trabalha na indústria literária pornográfica, e vê no romance de Jack a chance de realizar um grande projeto e ganhar dinheiro. Transitando entre o mundo das artes, a escrita, as drogas, o amor, a ambição, o texto fala sobre padrões, loucura, individualidade e tudo que nos torna humanos e complexos".

Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza os elementos essenciais da trama de "O bom canário", do norte-americano Zacharias Helm, que acaba de entrar em cartaz no Teatro Poeira. Mauro Lima assina tradução e adaptação, Rafaela Amado e Leonardo Netto dividem a direção (concepção de Netto) e Camilla Amado responde pela direção geral da montagem. No elenco, Flávia Zillo, Joelson Medeiros, Érico Brás, Leandro Castilho, Marcos Ácher, Roberto Lobo e Sara Freitas.

Como dito no parágrafo inicial, o texto aborda muitos temas. Mas um deles me parece essencial: a preservação da individualidade, da singularidade de cada um, num mundo em que cada vez mais as pessoas se parecem, agem da mesma forma, valem-se das mesmas tecnologias para permanecerem "antenadas" etc.

Annie é, sem dúvida, uma mulher problemática - sua dependência das drogas a torna um tanto intempestiva, imprevisível em seus humores, em certa medida antisocial. Mas não deixa de ser amorosa e, sobretudo, absolutamente autêntica. Ou seja: não entra no jogo das conveniências e sempre diz exatamente o que pensa, pouco se importando com as conseqüências. E tal postura, totalmente avessa à hipocrisia, a converte numa espécie de bomba-relógio, que pode explodir a qualquer momento.

E as explosões se sucedem, tanto no âmbito familiar - Jack tenta desesperadamente convencer a mulher a abandonar o vício - quanto no profissional - numa festa na casa de um grande editor, disposto a adiantar vultosa soma para que Jack escreva um próximo romance, Annie não consegue se conter e trava um inapropriado embate com um renomado crítico, cujas opiniões despreza por completo.

Tal atitude, evidentemente, faz com que o evento termine de forma lamentável e o projeto editorial ameaça naufragar. No entanto, já perto do desfecho, a trama exibe uma inesperada revelação, que, obviamente, não posso aqui detalhar, pois isso privaria a platéia de uma surpresa totalmente imprevista.

Bem escrito, contendo ótimos personagens, diálogos fluentes e temas mais do que pertinentes, "O bom canário" recebeu excelente versão cênica - e aqui atribuo tal mérito a Rafaela Amado, Leonardo Netto e Camilla Amado, já que, em função dos créditos, não consegui aferir com exatidão a contribuição pessoal de cada um. Mas isso é o que menos importa. O que cumpre ressaltar é a irrepreensível dinâmica cênica, a precisão dos tempos rítmicos e a expressividade das marcas, afora a capacidade do trio de diretores de extrair impecáveis atuações de todo o elenco.

Na pele de Annie, Flávia Zillo exibe performance irretocável, conseguindo materializar na cena todas as muitas e diversificadas facetas de uma mulher atormentada pelo vício mas, ainda assim, amorosa e parceira incondicional de seu marido. Este é vivido de forma exemplar por Joelson Medeiros, tanto nas passagens em que o personagem vale-se de ironias quanto naquelas em que se vê tomado pelo mais profundo desespero. Sem dúvida, um performance que comove pela total capacidade de entrega do ator.

Encarnando o abjeto e, ao mesmo tempo, engraçado Charlie, Érico Brás também exibe atuação irretocável, o mesmo aplicando-se a Leandro Castilho, que dá vida ao traficante Jeff. Quanto aos demais, em papéis de menores possibilidades, ainda assim Roberto Lobo (Stuart, editor), Marcos Ácher (Mulholand, crítico) e Sara Freitas (Sylvia, esposa de Stuart) valorizam ao máximo o que lhes cabe executar em cena.

Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo a contribuição de todos os profissionais envolvidos nesta oportuna empreitada teatral - Mauro Lima (tradução), Luiz Paulo Nenen (iluminação), Ney Madeira, Dani Vidal e Pati Faedo (figurinos), Marcelo Lipiani e Lídia Kosovski (cenografia) e Leonardo Netto (trilha sonora).

O BOM CANÁRIO - Texto de Zacharias Helm. Tradução e adaptação de Mauro Lima. Direção de Rafaela Amado e Leonardo Netto. Direção geral de Camilla Amado. Com Flávia Zillo, Joelson Medeiros, Érico Brás, Leandro Castilho, Marcos Ácher, Roberto Lobo e Sara Freitas. Teatro Poeira. Quinta a sábado, 21h. Domingo, 19h.

2012-01-12T10:49:00.000-08:00

Breve e despretenciosa reflexão
sobre a difícil arte de se distinguir
o bom colega do coleguinha bom

Lionel Fischer

          O que se segue é destinado a jovens estudantes de teatro que, após um ano letivo em um curso livre, realizam uma prática de montagem. Esta tem, como principal finalidade, levar à cena um texto escolhido e dirigido pelo professor, cujo resultado deve traduzir a evolução dos alunos.

          Pois bem: estamos diante de duas fases distintas. A primeira, restrita às aulas, permite uma relativa flexibilidade no tocante a presença, pontualidade, disponibilidade para participar dos exercícios propostos etc. Já a segunda, a que se refere aos ensaios, implica em algo que, em geral, não se leva muito a sério neste magnífico balneário: compromisso.

          Ou seja: a partir do momento em que se escolhe o texto, os papéis são distribuídos e os horários de ensaio acordados, deveria ficar implícito que o sucesso da empreitada, por mais simples que seja, está atrelado ao comprometimento de todo o grupo. Se um aluno, por exemplo, concorda em fazer determinado papel e se prontifica a estar presente nos dias de ensaio combinados, é de se supor que chegue na hora, que tenha decorado seu papel e, além disso, o tenha trabalhado em casa na medida do seu possível.

          No entanto, muitas vezes isso não acontece, seja porque o aluno achou que poderia realmente se dedicar ao projeto (sem que possa fazê-lo efetivamente), seja porque acredita em milagres, como se um um imprevisto e misterioso sopro de inspiração pudesse ocorrer a qualquer momento, assim compensando sua preguiça e leviandade.

          Ambos os casos são graves. No primeiro, ao constatar, já no processo de ensaios, que não poderá cumprir o cronograma estabelecido, caberia ao aluno comunicar isso ao professor, ao invés de faltar aos ensaios valendo-se de desculpas bizarras, chegar sistematicamente atrasado utilizando o mesmo expediente etc.

           No segundo, caracteriza-se uma completa alienação. Como pode um ator imaginar, seja qual for seu grau de experiência, que poderá representar com um mínimo de dignidade sem dispender uma reles gota de seu precioso suor?

          E aqui chegamos ao título desta, como já dito, breve e despretenciosa reflexão. Se ao longo do ano os alunos, ou parte deles, estabeleceram afinidades, tornaram-se amigos, passaram a namorar ou a fazer programas juntos, isso nada tem a ver com a disciplina em aula e muito menos durante os ensaios. E é justamente durante os ensaios que os problemas começam a acontecer.

          Digamos que Roberto, por exemplo, seja um cara animado, festeiro, gentil, ótimo parceiro nas baladas, craque no facebook, super antenado com o que rola nas redes sociais e, dom supremo, bom de contracenar durante as aulas. Sem dúvida, um ser encantador. E tais atributos levam os demais a considerá-lo um bom colega.

          Nos ensaios, porém, revela-se preguiçoso, impontual, não decora direito seu texto etc. Mas como é uma pessoa do bem, todos evitam ao máximo lembrar-lhe as responsabilidades que assumiu perante o grupo e o projeto; fazem das tripas coração para não criar problema com ele, mesmo quando percebem que ele é um problema.

          Finalmente, quase sempre chega o momento - sobretudo quando a estreia se avizinha - em que ao menos um ator tem um insite e constata que Roberto, na realidade, não é um bom colega, mas um coleguinha bom. Ou seja: aquele que, encantos à parte, nada mais está fazendo do que boicotar seu próprio trabalho e o dos outros, na razão direta de sua irresponsabilidade. Mas aí, não raro, já é muito tarde...

          Concluindo: se você é um jovem estudante de teatro, se está fazendo um curso que implica numa prática de montagem e não é, evidentemente, um Roberto - nada contra aqueles que atendem por este belíssimo nome, já que o usei como poderia ter usado qualquer outro - fique muito atento caso esteja convivendo com um exemplar dessa espécie que, por mais encantador que seja, em última instância é aquele que, conscientemente ou não, contribuirá para o fracaso da sua performance e, inevitavelmente, de todo o projeto.

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2012-01-11T09:05:00.000-08:00

PERSONALIDADES - A

ADAMOV, Arthur (1908-1971).

Autor dramático francês de origem russa, viveu na Suíça, Alemanha e finalmente em Paris (1924), onde se uniu aos surrealistas. Em suas primeiras obras - A Invasão, A Grande e a Pequena Manobra, A Paródia, O Professor Taranne, Todos Contra Todos - aparecem os
temas-chave do Teatro do Absurdo: a incomunicabilidade, a ambigüidade, o vazio da linguagem, a solidão, a angústia, tratados sob a influência de Strindberg e Artaud, que também propunham uma ruptura com o teatro convencional. Com essas peças, Adamov mostra o homem irremediavelmente à mercê dos mecanismos sociais. Em sua fase seguinte, a partir de Ping-Pong e Paolo Paoli, mostra que essa sociedade pode ser transformada. Utilizando procedimentos descobertos pela vanguarda, mas dando a eles conteúdo diferente, Adamov supera o Teatro do Absurdo. Em suas últimas obras - A Política dos Restos, M. o Moderado e Fora dos Limites, Adamov volta ao clima de obsessões de sua primeira etapa, sem abandonar sua nova temática, unindo as duas vertentes de sua obra. Em 1971, Adamov se suicidou em Paris. Sua autobiografia, A Confissão, é de
grande interesse para a compreensão de sua pessoa e obra.

ALBEE, Edward (1928).

Autor dramático norteamericano. Começou com obras de caráter crítico: A História do Zoológico e A Morte de Bessie Smith. As influências do Teatro do Absurdo se refletem em Exorcismo, A Caixa de Areia e O Sonho Americano. Com Quem Tem Medo de Virginia Woolf (1962), grande êxito comercial, cria um melodrama psicológico, mesmo procedimento adotado em Um Equilíbrio Delicado (1966), que trata das relações pseudo-complexas entre
membros da classe alta novaiorquina. Sua produção nos anos 70 e 80 foi muito desigual, até escrever Três Mulheres Altas (1994), que obteve ótima repercussão.

ANOUILH, Jean (1910-1987).

Autor dramático francês. Mestre da peça bem feita, foi uma das personalidades mais brilhantes do teatro francês dos anos 30 e 40. Em suas comédias funde as inovações da vanguarda com elementos tradicionais. Iniciou sua carreira com O Arminho; em seguida,
vieram A Selvagem e O Viajante sem Bagagens, reunidas sob o título Peças Negras. À mesma época correspondem as Peças Rosas: O Encontro de Senlis, O Baile dos Ladrões e Leocádia. Um certo esquematismo melodramático caracteriza tanto as Peças Negras como as Peças Rosas, assim como um certo tom de rebeldia em alguns personagens, visível nas obras seguintes, Antígona e Romeu e Janete. Escreveu ainda Ardele ou a Margarida, Colombina, A Valsa dos Toureiros, Pobre Bitos, textos em que predomina o jogo intelectual da “comédia de salão”. A riqueza formal de seu teatro, que constitui seu principal atrativo, chega ao máximo em suas últimas obras: A Cotovia, Beckett e Caro Antonio.

APPIA, Adolphe (1862-1928).

Cenógrafo e teórico suíço. Juntamente com Gordon Craig, foi um dos representantes mais importantes da corrente simbolista no teatro. Grande admirador de Wagner e seu “teatro total”, propunha um teatro ilusionista, de atmosfera e sugestão. Mesmo que sua principal
preocupação tenha sido a ópera, suas idéias sobre montagem, cenografia e especialmente iluminação, foram revolucionárias para o teatro. Appia considerava o espaço cênico como uma unidade plástica ou escultórica, e o estruturava com plataformas e formas abstratas, sobre as quais a luz deveria atuar. Acreditava numa unidade plástica que fundisse todos os elementos: atores, objetos etc. A ilusão pintada (telão ao fundo) é substituída pela ilusão de espaço criado pela luz. Ao mesmo tempo, Appia aproveitava os valores emocionais da luz, sua capacidade de sugerir estados de ânimo e
atmosferas, e propõe sua utilização para acentuar os momentos mais dramáticos de uma montagem. Appia foi também o primeiro que teoricamente insistiu no papel dominante do diretor, a quem caberia criar a síntese artística.

ARISTÓFANES (448-380 a. de C.).

Autor dramático grego, máximo representante da Comédia Antiga ateniense. Escreveu em torno de 40 comédias, das quais se conservam 11: Os Acarienses, Os Cavaleiros, As Nuvens, As Vespas, A Paz, As Aves, Lisistrata, As Tesmosforias, As Rãs, A Assembléia de Mulheres e Plutão. Uma situação, geralmente relacionada com a política do momento ou com alguma questão social, é exposta rapidamente e logo desenvolvida em uma seqüência mais ou menos solta de cenas, que mesclam fantasia, sátira, paródia musical e literária, propaganda política, farsa etc. A intriga representa um papel secundário. As Rãs marca a transição para a Comédia Média, na qual o coro - dominante na Comédia Antiga - passa a um segundo plano.

ARRABAL, Fernando (1932).

Autor dramático espanhol, vive na França desde 1955. Admirador de Kafka, Breton, Beckett e Tzara, define seu teatro de raiz dadaísta como “teatro pânico”, com alguma sintonia com o Teatro do Absurdo. Suas obras dos anos 60, sucesso na França e em todo o mundo, incluem, entre outras, Piquenique no Front, Oração, Os Dois Carrascos, Fando e Lis, O Cemitério de Automóveis, O Labirinto, Cerimônia por um Negro Assassinado, O Arquiteto e o Imperador da Assíria. Celebrado internacionalmente, muitas de suas obras -
invariavelmente provocadoras - exibem temas polêmicos, como sadomasoquismo, perversão sexual, blasfêmia e necrofilia.

ARISTÓTELES (384-322 a. de C.)

Filósofo grego, discípulo de Platão em Atenas. Escreveu a primeira teoria dramática em sua Poética. Defende o valor positivo do teatro e da poesia em contraposição aos argumentos de Platão. Segundo Aristóteles, a tragédia provoca medo e compaixão, e através deles, a purificação (catarse) das paixões. Em sua breve história da tragédia analisa as obras trágicas de seu tempo, atribuindo a Sófocles o título de melhor autor trágico. Aristóteles foi o criador da regra das três unidades: lugar, tempo e ação.

ARTAUD, Antonin (1896-1948).

Escritor, poeta, ator e diretor francês. Pertenceu ao grupo surrealista de Breton, foi ator com Lugné-Poe e colaborou com Dullin. Ao lado de Vitrac, fundou o Teatro Alfred Jarry, onde dirigiu várias peças. Escreveu O Teatro e seu Duplo, que influenciou profundamente o
teatro moderno. Nele, combate o teatro narrativo e psicológico, e propõe a volta a um teatro de violência mítica e beleza mágica, que exponha os conflitos mais profundos do ser humano, não apenas com a palavra, mas também com a linguagem dos gestos e movimentos. Como Appia e Craig, Artaud visava um teatro de atmosfera e sugestão, dirigido mais aos sentidos do que à razão. Em 1953, fundou o Teatro da Crueldade, onde estreou Os Cenci,
baseado numa narrativa de Stendhal. A montagem foi um fracasso e gerou a ruína do autor, que passou a ter sucessivas crises de depressão e acabou internado num hospício.

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PERSONALIDADES - B

BARBA, Eugenio (1927.)

Diretor de origem italiana, formado em Letras e História das Religiões, Eugenio Barba fundou em 1964 o Teatro Odin, na Dinamarca. Colaborou com Grotowski no Teatro Laboratório de Opole (Polônia), de 1961 a 1964. Encenou, entre outros espetáculos, Os ornitófilos (1965), Kaspariana (1967), Ferai (1969), Min Fars Hurs (1972), O livro de danças (1974) e Anabásis (1977). O Teatro Odin foi muito importante sobretudo nos anos 60 e 70, não apenas em função de seus espetáculos, mas também graças aos seminários anuais ministrados. Neles, como nas montagens, sempre ficou evidente a preocupação do grupo com o treinamento físico do ator, a improvisação e a investigação de novas formas de expressão. Em 1979, Barba cria no Odin uma Escola Internacional de Antropologia Teatral, um verdadeiro centro de intercâmbio cultural.

BARRAULT, Jean Louis (1910-1994).

Ator e diretor francês, discípulo de Dullin - em cujo Théâtre de l’Atelier trabalhou de 1931 a 1935 - e do mímico Decroux. Criou seu próprio teatro, o Grenier des Augustins (1935), teve contato com os surrealistas e colaborou com Artaud em seu Teatro da Crueldade. Nessa época, dirigiu Numancia (1937), Hamlet (1938), A fome (1939). Em 1940, casou-se com a atriz Madeleine Renaud e entrou para a Comédie Française como ator e diretor, convidado por Copeau. Interpretou e dirigiu, entre outras, as peças O Cid (1941), Fedra (1942), O sapato de cetim (1943) e Antonio e Cleópatra (1946). A partir deste ano, constituiu sua própria companhia, a Renaud-Barrault, levando à cena um extenso repertório, aí incluíndo-se autores clássicos e modernos. Em 1955, assume a direção do Théâtre de l’Odeon, que passou a se chamar Théâtre de France, onde encena basicamente autores modernos, como Ionesco, Beckett e Genet. Em maio de 68 é destituído de seu cargo pelo então ministro da Cultura, André Malraux, passando a encenar peças inicialmente num ringue de boxe, adiante na estação d’Orsay e finalmente, em 1981, no Teatro Rond Point, atualmente rebatizado de Renaud Barrault. Adepto de um “teatro total”, Barrault realizou encenações memoráveis, como Rabelais (1969), Assim falava Zarathustra (1974), As noites de Paris (1976) e Zadig (1979). Trabalhou como ator em vários filmes, dentre eles Les enfants du paradis (1944) e La nuit de varennes (1981).

BATY, Gaston (1884-1952).

Cenógrado e diretor francês. Em 1922, funda sua companhia, a La Chimère. Suas montagens mais importantes são A ópera dos três vinténs (Brecht), Dibouk (Anski) e adaptações dos romances Madame Bovary (Flaubert) e Crime e castigo (Dostoievski). Trabalhou dez anos (1937-1947) na Comédie Française, tendo deixado algumas peças (A paixão, Dulcinea) e dois estudos teóricos, sendo o principal Via da arte teatral das origens a nossos dias.

BECKETT, Samuel (1906-1989).

Novelista e autor dramático irlandês, é considerado - ao lado de Adamov, Genet,e Ionesco - um dos grandes autores do Teatro do Absurdo. Radicou-se na França em 1937. Conquistou renome mundial com Esperando Godot, que estreou em Paris em 1953, em montagem assinada por Roger Blin. Com seus diálogos de frases curtas, cheias de humor seco e breves explosões líricas, que deixam entrever o abismo em que se movem os personagens, Esperando Godot é uma das obras-chave do teatro moderno. E alguns de seus principais temas - falta de comunicação entre os indivíduos, perda de identidade, a investigação obsessiva da linguagem - também aparecem em suas obras seguintes, sendo as mais importantes Fim de jogo e Dias felizes.

BERNHARDT, Sara (1844-1923).

Atriz francesa, uma das maiores de todos os tempos, famosa por sua voz e forma temperamental de atuar, em oposição a outra diva, a igualmente notável Duse, que seguia uma linha mais espiritual. Começou na Comédie Française, arrebatando o público em papéis como o de Cordélia, em Rei Lear; a Rainha, em Ruy Blas; Andrômaca, em Fedra, entre muitos outros. Seu espírito libertário acabou entrando em conflito com o conservadorismo da Comédie e então a atriz fundou seu próprio teatro (Théâtre Sarah Bernhardt, em Paris) e viajou por todo o mundo. Entre as obras eternamente associadas a seu nome destacam-se A dama das camélias, Lorenzaccio e melodramas de Sardou - Fédora, Théodora e A Tosca.

BRECHT, Bertolt (1898-1956).

Poeta, diretor, teórico e dramaturgo alemão, foi uma das personalidades que mais influenciaram o teatro no século XX. Entre 1920 e 1923, escreve suas primeiras peças: Tambores na noite, Na selva das cidades e A vida de Eduardo II. Em 1924, vai para Berlim e trabalha como assistente de Reinhardt no Deutsches Theater. A partir desta época, suas obras se afastam progressivamente do expressionismo (já em decadência) e Brecht começa a elaborar as fórmulas do teatro épico, assim como aumenta seu interesse pelo teatro popular, sobretudo em função das atuações do cômico Karl Valentin. A partir de 1933, Brecht vive no exílio (Dinamarca, Estados Unidos, Suíça), onde escreve peças antifascistas - Os fuzis da Senhora Carrar e Terror e Miséria do III Reich - e alguns de seus textos mais significativos, como A Vida de Galileu, Mãe Coragem, A Alma Boa de Setsuan, O Senhor Puntila e Seu Criado Matti, A Resistível Ascenção de Arturo Ui e O Círculo de Giz Caucasiano. Em 1948, volta à Alemanha e assume a direção do Berliner Ensemble, pondo em prática suas idéias teóricas sobre o teatro.

BROOK, Peter (1925.)

Diretor inglês, iniciou sua carreira teatral nos anos 40. Dirigiu de forma brilhante obras de Shakespeare, com atores como Paul Scofield, Laurence Olivier e Vivien Leigh. Em 1962, é nomeado co-diretor da Royal Shakespeare Company, onde encena, entre outras, Rei Lear, Sonho de Uma Noite de Verão, Marat/Sade e Os Biombos. Em 1970, vai para Paris, onde cria o Centro Internacional de Pesquisas Teatrais, a partir de 1974 instalado no teatro Bouffes du Nord. Reunindo atores e colaboradores de várias nacionalidades, Brook encena espetáculos de investigação coletiva, como Os Iks, A Conferência dosPpássaros, Carmen, O Mahabharata e A Tempestade.

BÜCHNER, Georg (1813-1837).

Autor dramático alemão, a personalidade de maior destaque da passagem do romantismo ao realismo. Estudou medicina e teve contado com grupos revolucionários alemães. Perseguido por participar dos levantes fracassados de Hessen e por ter escrito um panfleto político - O Emissário de Hessen - teve que refugiar-se primeiro em Estrasburgo e depois em Zurique, onde morreu aos 24 anos. Em seus dramas, rompe com a tradição clássica (Goethe e Schiller) e antecipa elementos naturalistas e expressionistas, valendo-se de uma linguagem extremamente poética. Suas obras mais conhecidas são A Morte de Danton, Woyseck e a comédia Leonce e Lena.

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PERSONALIDADES - C

CALDERÓN de la BARCA, Pedro (1600-1681)

Autor dramático espanhol, expoente do teatro barroco. Formado em teologia pela Universidade de Salamanca, foi o dramaturgo favorito da corte de Felipe IV. Tornou-se sacerdote e foi capelão do rei. Sucessor de Lope de Vega, aprofundou temas e técnicas do teatro lopista, criando um outro de técnica e enfoque novos, cujas principais características são a reflexão, a fusão de drama e poesia, a perfeição estrutural e uma cenografia espetacular. Calderón gozou de grande popularidade até o século XVIII, quando a crítica neoclássica começou a se opor ao seu teatro, o que determinou até mesmo a proibição de se montar seus Autos Sacramentais. Seus textos mais conhecidos - e até hoje muito representados - são A Vida é Sonho (sua melhor obra), O Mágico Prodigioso e O Grande Teatro do Mundo.

CAMUS, Albert (1913-1960)

Novelista, filósofo, autor e diretor francês. Nascido na Argélia, formou em 1935 o grupo Théâtre du Travail (mais tarde Théâtre de L’Equipe), com o qual excursionou por toda a Argélia. Morando em Paris a partir de 1940, colaborou no jornal Combat, orgão da Resistência. Assim como o de Sartre, seu teatro prioriza as idéias, tendo por base a filosofia do Absurdo, exposta no ensaio O Mito de Sísifo. Seus principais textos são O Equívoco, Calígula, O Estado de Sítio (inspirada em sua novela A Peste) e Os Justos.

CERVANTES, Miguel de (1547-1616)

Novelista e autor dramático espanhol. Em seus melhores momentos, o teatro de Cervantes prioriza o drama de caracteres e paixões, deixando em segundo plano a intriga e a ação, estas últimas primordiais no teatro de Lope de Vega. De sua primeira fase, sua obra mais significativa é Numancia, considerada a melhor tragédia espanhola do século XVI e uma das mais importantes do teatro espanhol. Da etapa posterior, as peças mais conhecidas são O Retábulo das Maravilhas e A Cova de Salamanca.

COCTEAU, Jean (1889-1963)

Poeta, novelista, cineasta, pintor e autor dramático francês. Personalidade brilhante, participou ativamente dos movimentos vanguardistas de sua época. Concebeu balés (Parade, O Trem Azul ), realizou filmes (O Sangue de um Poeta, A Bela e a Fera, Orfeu), escreveu dramas adaptando mitos clássicos (Édipo Rei, Antígona) e peças de bulevar (Os Monstros Sagrados, A Máquina de Escrever, Os Pais Terríveis). Seu maior êxito teatral foi A Voz Humana.

COPEAU, Jacques (1879-1949)

Homem de teatro francês, foi um dos piomeiros do teatro moderno, mestre de várias gerações de diretores teatrais (Dullin, Jouvet, Barrault e Villar, entre outros). Estudou letras, foi crítico de arte e co-fundador com André Gide da Nouvelle Revue Française. Em 1913 criou o Théâtre du Vieux Colombier, fechado em 1914 com o início da Primeira Guerra Mundial. Reaberto em 1920, o teatro abrigou a Escola Profissional do Vieux Colombier, de importância capital para o teatro francês moderno. A palavra e o ator a serviço da obra literária são os dois pilares do teatro de Copeau, que sempre rechaçou o naturalismo de Antoine e o simbolismo. Dentre suas principais montagens constam Os Caprichos de Mariana (Musset), O Misantropo (Molière), Tio Vânia (Tchecov) e Mirandolina (Goldoni).

CORNEILLE, Pierre (1606-1684)

Autor dramático francês, um dos grandes nomes do teatro clássico francês do século XVII - ao lado de Molière e Racine. Estudou leis e trabalhou como magistrado em Rouen. Suas primeiras comédias chamaram a atenção do cardel Richelieu, que o contratou para integrar uma equipe de vários autores - mas esta relação durou pouco, pois as idéias criativas do autor acabaram desagradando o cardeal. Suas principais obras são a tragicomédia O Cid - obra fundamental do teatro clássico francês - e as tragédias Horácio, Cinna e A morte de Pompeu, cabendo também destacar a comédia O Mentiroso.

CRAIG, Edward Gordon (1872-1966)

Diretor e cenógrafo inglês. Começou como ator e sua primeira direção, em 1900, foi Dido e Eneas, ópera de Purcell. Trabalhou relativamente pouco no teatro profissional, podendo ser citadas as montagens A Máscara do Amor, Muito Barulho Por Nada, Rosmersholm e Hamlet, mas suas idéias exerceram grande influência. Como Appia, era partidário de um teatro antinaturalista, simbólico e de atmosfera, combatendo a reprodução fotográfica da realidade. Deu grande importância à iluminação e à cor. Em seu livro teórico Sobre a Arte do Teatro (1911), expõe seu conceito de teatro como uma obra arte total, em que devem fundir-se “ação, palavras, línhas, cores e ritmos”. Para Craig, o elemento literário, a palavra escrita não é mais do que um dos elementos do teatro e não o elemento-chave. A essência do dramático residiria na ação e por isto suas montagens dão grande importância ao movimento, à dança e à mímica. Ainda como Appia, Craig ressalta o papel dominante do diretor, em sua opinião o único capaz de conferir unidade a todos os elementos que integram o fenômeno teatral. O diretor “perfeito”, segundo Craig, teria não só que interpretar a obra literária e dirigir os atores como também criar a iluminação e a cenografia.

COQUELIN, Constant Benoît (1841-1909)

Ator francês da Comédie Française (onde entrou aos 19 anos), ali brilhou em comédias clássicas como Fígaro e O Doente Imaginário, entre muitas outras. Abandonou a Comédie em 1892 e se instalou no Théâtre de la Porte Saint Martin, em cujo palco deu vida a seu mais famoso personagem: Cyrano de Bergerac, de Rostand. Suas teorias sobre interpretação podem ser conferidas no volume A Arte e o Comediante, escrito em 1880, e que influenciaram muito o teatro francês posterior.

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PERSONALIDADES - D

DE FILLIPPO, Eduardo (1900-1984)

Ator, diretor e autor dramático italiano, renovador do teatro popular napolitano em sua primeira etapa criativa, anterior a 1945. Com seus irmãos Titina e Peppino formou uma companhia baseada nos princípios da commedia dell’arte, apresentando obras a partir de problemas do cotidiano (Natal em Casa, Todos Unidos Cantaremos etc.) Depois da 2ª Guerra Mundial, De Fillippo aderiu à corrente neorealista e obteve grande êxito com Nápoles Milionária (1945) e Filumena Marturano (1946), entre outras. Sempre incorporando aos seus espetáculos aspectos do folclore napolitano (músicas e temas), a partir de 1964 De Fillippo se junta a Paolo Grassi na direção do Teatro São Ferdinando, em Nápoles, teatro popular que representa tanto autores locais como os clássicos.

DORST, Tankred (1925)

Autor dramático alemão. Estudou letras e fundou um teatro de marionetes em Munique. Suas peças, de forte cunho social, têm algum parentesco com o realismo irônico e algo grotesco de Dürrenmatt, especialmente em suas obras em um ato - A Curva (1960), Liberdade para Clemens (1960), Grande Discurso Difamatório Diante da Muralha (1961) etc. Em Toller (1969), sua melhor obra, utiliza os mecanismos do teatro-documento para analisar a criação e dissolução da república dos “soviets” de Munique, na qual desempenhou um papel preponderante o escritor expressionista Ernst Toller (1893-1939). Dentre suas peças mais conhecidas estão Merlin, O Jardim Proibido e Época Glacial.

DULLIN, Charles (1885-1949)

Ator e diretor francês, é considerado um dos fundadores da moderna escola de direção. Iniciou sua carreira como ator no Vieux Colombier, de Jacques Copeau, cujas idéias desenvolveu em seu próprio teatro, o Théâtre de l’Atelier (1922) e na sua escola de atores, fundada em parceria com Gémier. Do verdadeiro laboratório que era o l’Atelier sairam destacadas personalidades, como Barrault, Jean Marais, Villar, Marcel Marceau etc. Assim como Copeau, Dullin propunha um teatro puro, sem retórica e excessos cenográficos. Em suas montagens, mesclou os métodos de interiorização de Stanislavski, mímica e preocupações formais de Copeau. Além dos grandes autores clássicos de comédia franceses, Dullin encenou Aristófanes (As Aves, A Paz) e Shakespeare (Ricardo III, Julio Cesar), assim como apoiou o jovem Salacrou e introduziu Pirandello na França.

DUMAS, Alexandre, pai (1802-1870)

Novelista e autor dramático francês, um dos expoentes do romantismo francês. Filho de um general da Revolução e admirador de Walter Scott e Shakespeare, obteve êxito fulminante com o drama histórico Henrique III e sua Corte (1829), primeiro drama romântico francês. A este seguiram-se outros triunfos, como Antony (retrato do herói romântico em luta contra a sociedade), Kean (sobre o genial ator inglês) e numerosos dramas históricos e melodramas, que lhe facultaram uma legião de admiradores e uma grande fortuna, que dilapidou com a mesma euforia com que a conquistara. Lutou em 1860 pela independência da Itália e viveu quatro anos em Nápoles. Ficaram famosas as adaptações dramáticas de suas novelas O Conde de Montecristo (1848) e Os Três Mosqueteiros (1849). Morreu esquecido, desbancado pelas correntes realistas.

DUMAS, Alexandre, filho (1824-1895)

Autor dramático francês, filho do romancista Alexandre Dumas (pai). Obteve um dos maiores sucessos do teatro francês da segunda metade do século XIX com a dramatização de sua novela A Dama das Camélias (1852). A história romântica da cortesã arrependida foi sua única incursão no drama romântico. Abordou temas sociais (A Questão do Dinheiro e A Estrangeira), defendeu os direitos da mulher e dos filhos naturais (O Filho Natural e Um Pai Pródigo) e criticou o mundo boêmio-artístico em Le Demi-Monde.

DURAS, Marguerite (1914)

Novelista, roteirista e autora francesa, nascida na Indochina. Chegou ao teatro através do cinema, graças ao roteiro de Hiroshima, meu amor, célebre filme de Alain Resnais. Suas obras dramáticas se caracterizam por diálogos enganosamente superficiais e sem objetivo, mas na realidade carregados de profundo sentido, num estilo semelhante ao de Pinter, talvez com um pouco menos de dureza e crueldade. Suas obras mais conhecidas são A Praça, A Barreira Contra o Pacífico e Dias Inteiros nas Árvores, esta última levada à cena por Barrault no Théâtre Odeón, de Paris. Nos anos 70, dedicou-se sobretudo a escrever roteiros, sendo Cinema Éden e O Navio Noturno suas últimas peças, dirigidas por Claude Régy.

DÜRRENMATT, Friedrich (1921-1990)

Autor dramático suíço, de língua alemã. Filho de um pastor protestante, estudou filosofia e teologia, tendo começado sua carreira artística como ilustrador e crítico teatral. Como dramaturgo, assimilou as inovações vanguardistas dos anos 20 - expressionismo, Brecht - e sempre admitiu ter sido profundamente influenciado por Aristófanes e Wedekind. Já em suas primeiras peças - Está Escrito e Rômulo, o Grande - demonstrou ser um dos autores de maior talento do teatro moderno. Em sua peça mais famosa, A Visita da Velha Senhora, atinge o que poderíamos chamar de seu estilo, uma mescla de sátira macabra, humor cínico, sarcasmo com elementos surrealistas e um pano de fundo moralizador. Seus principais objetivos sempre foram os de demonstrar a riqueza e multiplicidade do mundo, a fragilidade dos ídolos burgueses e a duplicidade latente das relações do homem com o mundo. Outro texto de Dürrenmatt muito representado é Os Físicos.

DUSE, Eleonora (1858-1924)

Atriz italiana, foi uma das maiores intérpretes do teatro mundial, ao lado de Sarah Bernhardt (sua rival). Filha de atores, obteve seus primeiros êxitos na companhia do grande ator italiano Ernesto Rossi (1827-1896), triunfando nas obras sentimentais e românticas de Dumas, Sardou, Giacosa e Praga. Atriz extremamente sensível, ficou famosa por sua expressividade nervosa, a plasticidade de sua voz e intensidade de suas interpretações, que impressionaram a Tchecov quando a atriz representou em Moscou, em 1881. Seu encontro com D’Annunzio, cujas obras estreiou apesar de críticas adversas - A Gioconda, A Cidade Morta, Glória e Francesca de Rimini - foi decisivo para sua carreira. Foi a intérprete predileta de Ibsen, tendo atuado em Hedda Gabler, Casa de Bonecas, Rosmersholm (direção de Craig) e A dama do Mar.

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PERSONALIDADES - E

ÉSQUILO (525-456 a.C)

Autor dramático grego. Nasceu em Eleusis, perto de Atenas, e combateu os persas na batalha de Maratona. Escreveu 90 tragédias, das quais se conhecem 79 e se conservam sete, com destaque para As suplicantes, Os persas, Os sete contra Tebas, Prometeu Acorrentado e Agamenon. Foi um dos grandes autores trágicos da época clássica ateniense. Consolidou as formas dramáticas tradicionais e introduziu várias inovações importantes. A tragédia anterior, representada por um côro, bailarinos e um só ator, deveria ser fundamentalmente lírica. Ao introduzir um segundo ator, Esquilo conferiu à parte histriônica a mesma importância que à parte lírica ou coral. E converteu o oratório em drama. Em suas últimas obras adotou o terceiro ator introduzido por Sófocles. Outras de suas inovações foram a redução do côro e o uso sistemático da trilogia. Nas competições que ocorriam em festas em honra de Dionísio, cada poeta tinha que apresentar três tragédias e uma peça satírica. Esquilo unia com freqüência três tragédias numa trilogia, na qual cada obra formava uma unidade dentro de uma unidade maior. Desta forma, deu ao seu teatro a grandeza que exigia sua ampla concepção e seu poderoso sentido da estrutura dramática.

EURÍPEDES (484-406 a.C.)

Autor dramático grego. Nascido, ao que parece, na ilha ateniense de Salamis. Ao contrário de Ésquilo e Sófocles, seus precursores no terreno da tragédia, não participou muito da vida pública e política de Atenas. Escreveu 92 peças, das quais se conservam 17 tragédias, uma peça satírica (O Cíclope) e numerosos fragmentos. Suas obras se dividem em duas categorias: tragédias - Medéia, Hipólito, As bacantes, As troianas e Hécuba - e dramas, que podem ser definidos como tragicomédias, melodramas, comédias e dramas românticos: Electra, Orestes, Ifigênia em Táuride, As fenícias. Eurípedes foi o primeiro mestre neste tipo de drama não-trágico, do qual derivou a Nueva Comedia do século IV (Menandro). Comparada com os textos de Ésquilo e Sófocles, a tragédia de Eurípedes se interessa mais pelos indivíduos do que pela comunidade, mais pelas paixões - ódio, vingança, amor - do que por questões religiosas ou morais. Eurípedes foi um artista individualista, cético e crítico, precursor do pensamento e arte cosmopolita do Helenismo e de Roma (Sêneca). Utilizou as fórmulas trágicas estabelecidas por Sófocles (três atores, côro reduzido), introduzindo um resumo da história no momento em que se iniciava a ação. O côro era reduzido a ornamento lírico, com pouca conexão com a intriga.

ESPERT, Nuria (1936)

Atriz e diretora espanhola, começou sua carreira em Barcelona no Orfeó Gracienc e no Teatro Romea. Com sua própria companhia protagonizou Gigi e as tragédias de Eugene O’Neill Anna Christie, Desejo sob os olmos e O luto assenta bem em Electra. Participou ativamente no renascimento do teatro em língua catalã e estreou A alma boa de Set-Suan, de Brecht, uma de suas melhores interpretações nos anos 60, juntamente com Entre quatro paredes, de Sartre. Em colaboração com o encenador argentino Victor Garcia criou uma série de espetáculos inovadores, como As criadas (Jean Genet), Yerma (Garcia Lorca) e Divinas palavras (Valle Inclán), com os quais obteve êxito internacional. De 1979 a 1981 dirige - em parceria com José Luis Gómez - o Teatro Dramático Nacional, onde apresenta Dona Rosita, a solteira (Lorca), dirigida por Jorge Lavelli. Sob a direção deste último interpreta o papel de Próspero em A tempestade (Shakespeare), um de seus trabalhos mais marcantes. Com a montagem de A casa de Bernarda Alba, no Lyric Theatre de Londres, Nuria Espert passa à direção. Ultimamente tem dirigido óperas: Madame Butterfly (Puccini), Rigoletto (Verdi) e Carmen (Bizet).

EISENSTEIN, Serguei (1898-1948)

Diretor e cineasta russo. Começou sua carreira como cenógrafo e diretor. Discípulo de Meyerhold, dirigiu o Teatro Proletkult, onde levou ao extremo o teatro de agitação e propaganda - mescla de elementos circenses, de teatro, de feira, música, declamação e agitação política. Entre suas montagens, destacam-se O sábio e O mexicano. Começou a filmar em 1924, produzindo verdadeiras obras-primas, dentre elas O encouraçado Potemkin, Alexander Nevski e Ivan, o terrível.

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PERSONALIDADES - F

FASSBINDER, Rainer Werner (1946-1982)

Cineasta, ator, diretor e autor teatral alemão. Estudou interpretação em Munique, onde se une, em 1967, ao grupo Ação Teatral. Com alguns membros desse grupo - Hanna Schygulla, Peer Raben, Kurt Raab - criou o grupo AntiTeatro, com o qual fez seu primeiro filme - O Amor é Mais Frio do que a Morte - e estreiou suas primeiras peças, com destaque para Sangue na Garganta do Gato, Afinal, uma mulher de negócios e As Lágrimas Amargas de Petra von Kant. Em 1974 assume a direção do Theater an Turm de Franfurt, mas teve que se demitir em função do escândalo provocado por sua peça O Lixo, a Cidade e a Morte, tachada injustamente de antisemita. Através do cinema e em colaboração com um excelente grupo de atores e técnicos, Fassbinder continuou trabalhando seus temas preferidos, como a marginalidade, as relações de exploração (de trabalho, sexual) e o passado nazista. Seu conceito de cinema e, de certo modo, também de teatro culminou com a série televisiva Berlin Alexanderplatz, baseada na novela de Alfred Döblin, concluída pouco antes de sua morte.

FERNÁN GÓMEZ, Fernando (1921)

Ator, diretor e autor espanhol. Inicia sua carreira na companhia de Jardiel Poncela. Alterna teatro e cinema, logo convertendo-se em uma das estrelas mais badaladas dos anos 40-50. Retorna ao teatro como autor e diretor em Com Direito a Fantasma (De Filippo, 1958). Foi aclamado em Meu Querido Farsante (Shaw/Kilty, 1961), uma de suas mais brilhantes interpretações ao lado de Conchita Montes; Sonata Kreutzer (Tolstói, 1962) e O Pensamento (Andreiev, 1963) marcaram o teatro espanhol nos anos 60. Atuou em dezenas de peças, dentre elas em Um Inimigo do Povo (Ibsen) e O Mal Anda Solto (Audiberti). Também escreveu alguns textos de muito sucesso, como As Bicicletas são para o Verão e Olhos de Bosque.

FEYDEAU, George (1862-1921)

Autor francês, mestre do vaudeville, escreveu mais de 60 textos, a maioria obtendo enorme sucesso no teatro de bulevar do fim do século passado. Dentre suas peças encenadas no Brasil, ao menos duas fizeram brilhante carreira: A Dama do Maxim’s e O Marido vai à Caça.

FINNEY, Albert (1936)

Ator inglês. Começou sua carreira na Birmingham Repertory Company (1956) e obteve seus primeiros êxitos no Royal Court Theatre com Billy Liar (Willis Hall, 1960) e Luther (Osborne, 1961), convertendo-se com os filmes Saturday Night, Sunday Morning (Reisz, 1960) e Tom Jones (Richardson, 1963) num dos atores emblemáticos dos anos 60. Dentre seus muitos sucessos como ator teatral destacam-se Senhorita Júlia (Strindberg, 1966), Cromwell (David Storey, 1973), Hamlet e Macbeth (Shakespeare), O Jardim das Cerejeiras (Tchecov).

FO, Dario (1926)

Ator, diretor e autor italiano. Começa nos anos 50 com monólogos cômicos e satíricos, que interpreta no rádio e logo no teatro ao lado de sua mulher, a atriz Franca Rame. Juntos escrevem e interpretam farsas populares sobre temas importantes da atualidade, o que os converte em figuras muito populares não apenas em Milão, sua cidade natal, mas também em toda a Itália. Nos anos 60, Dario Fo exibe suas próprias comédias com sua companhia, mas em 1968, “farto de ser o bufão da burguesia” - como afirmou - cria o grupo Nova Cena, com o qual atua para um público popular e proletário. Mistério Bufo (1969), um mistério medieval sobre o domínio clerical e o imperialismo cultural, lhe dá fama internacional. Mas Fo deseja ir ainda mais longe com seu teatro de denúncia e ação política. Funda, então, o grupo La Comune, que intervém em lutas operárias locais com textos circunstanciais, sempre críticos e mobilizadores. Em 1978, em função de um atentado neofascista, La Comune é substituída por uma cooperativa.

FORD, John (1586-1640)

Autor dramático inglês do teatro elisabetano em sua última fase. Começou como colaborador de Dekker e Webster. Em suas tragédias se fundem a força sombria de Webster, o romantismo de Flechter e a mecânica dos primeiros dramaturgos elisabetanos. Seus temas centrais são a frustração amorosa, o sofrimento, as paixões violentas, adúlteras e incestuosas. Uma de suas peças, Tis Pity She’s a Whore, foi encenada com sucesso por Visconti, em Paris, em 1961.

FRISCH, Max (1911-1991)

Autor dramático e novelista suíço, de língua alemã. Estudou arquitetura e trabalhou como arquiteto antes de dedicar-se por completo às letras. Influenciado formalmente por Brecht, assimila as técnicas vanguardistas do teatro dos anos 20 (Piscator), sem no entanto seguir sua temática. Seus dramas se caracterizam por uma construção aberta, distanciadora e anti-ilusionista, com preferência pela farsa, a moralidade e o grotesco (A Muralha da China, 1946, e Biedermann e os Incendiários, 1958). Frisch coloca os problemas de um ponto de vista humanista, anti-ideológico, analisando a crise espiritual de seu tempo, as contradições e ambigüidades da existência humana. Um de seus temas centrais é a identidade do homem e sua revolta contra o mundo que o aliena, presentes nas obras Dom Juan ou o Amor à Geometria (1953) e Andorra (1961). A partir dos anos 70-80, o autor se dedica sobretudo a escrever contos e novelas.

FUENTES, Carlos (1928)

Novelista e autor dramático mexicano. Um dos mais destacados representantes da nova narrativa sul-americana (A Morte de Artemio Cruz, Troca de Pele, entre outras obras). Também escreveu para o teatro, podendo ser citadas as peças O Torto é Rei - protagonizada por Maria Cazares em 1971 -, Todos os Gatos são Pardos (sobre a conquista do México) e Orquídeas à Luz da Lua, levada à cena no Centro Dramático Nacional de Madrid, em 1988.

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2012-01-11T08:35:00.000-08:00

PERSONALIDADES - G

GARCÍA, Victor (1934-1982)

Diretor argentino. Estudou Belas Artes e Medicina em Buenos Aires, ao mesmo tempo em que fazia cursos de arte dramática. Depois de uma breve passagem pelo Brasil, instalou-se em Paris, onde encenou Ubu Rei (Alfred Jarry), O Cemitério de Automóveis e O Arquiteto e o Imperador da Assíria (Fernando Arrabal). Dentre suas montagens mais polêmicas constam As Criadas (Jean Genet), Yerma (Garcia Lorca) e Divinas Palavras (Valle Inclán), encenadas com a companhia da atriz espanhola Nuria Espert, com as quais contribuiu decisivamente para a renovação teatral espanhola. Seus últimos espetáculos foram Gilgamesh (1979) e Calderón (1981), no Théâtre National de Chaillot, em Paris. Victor Garcia faleceu em Paris, na mais absoluta miséria.

GARCÍA LORCA, Federico (1898-1936)

Poeta e autor dramático espanhol, foi uma das maiores personalidades da chamada Geração de 1927. Estudou Letras e Direito em Granada e em Madri, onde fixou residência em 1919. Desenhista, músico e excelente declamador, foi amigo de Alberti, Dalí, Buñel, Falla etc. Sua primeira experiência dramática - O Mal da Mariposa - reflete a influência em sua poesia de Juan Ramón Jimenez e Rubén Dario. O lirismo determina também o romance popular Mariana Pineda, levado à cena com cenografia de Dalí. A poesia popular andaluza e Valle Inclán se fazem notar nas farsas para bonecos e atores Tragicomédia de Don Cristóbal e Senhora Rosita, Retábulo de Don Cirstóbal, A Sapateira Prodigiosa e Amor de Don Perlimplín com Belisa em seu Jardim. Em 1929-1930, Lorca, que havia conquistado grande popularidade com seu livro de poemas Romanceiro Cigano, viaja a Nova York e Cuba. O Surrealismo, que domina seus poemas nessa época (Poeta em Nova York), se reflete em Assim que Passem Cinco Anos, drama sobre a passagem do tempo, e no fragmento dramático O Público. Novamente na Espanha, funda, juntamente com Eduardo Ugarte, A Barraca, grupo de teatro universitário que viaja pelas províncias com um repertório clássico. Seus textos mais famosos são: Bodas de Sangue, Yerma, Dona Rosita ou a Linguagem das Flores, e A Casa de Bernarda Alba. Garcia Lorca morreu assassinado pelos facistas em Granada, no início da Guerra Civil.

GASSMAN, Vittorio (1922-2000)

Ator e diretor italiano, um dos maiores intérpretes do século XX. Estudou na Academia de Arte Dramática de Roma e entrou, em 1945, na Companhia Stoppa-Morelli, dirigida por Luchino Visconti. Após protagonizar Como Gostais, de Shakespeare, e Um Bonde Chamado Desejo (Tennessee Williams), cria com Luigi Squarzina o Teatro de Arte Italiano. Juntos triunfam em Hamlet, os Persas, As Bacantes e Édipo, dentre outras montagens. Um de seus maiores êxitos foi Otelo, de Shakespeare, onde dividia a cena com Squarzina e os dois se revesavam na pele do protagonista e de Iago. Em 1960 cria o Teatro Popular Italiano, viajando por toda a Itália. Gassman foi também um dos mais populares atores do cinema italiano e dentre seus inúmeros sucessos constam O Incrível Exército Brancaleone e Perfume de Mulher.

GHELDERODE, Michel de (1898-1962)

Autor dramático belga de origem flamenga. Escreveu em francês. Estreou suas primeiras peças em Bruxelas e logo se mudou para Paris. Frequentador de circos e teatro de marionetes, fundiu em seu teatro o medievalismo apocalíptico e visonário de Brueghel e de Bosch, o expressionismo de Ensor e a agressividade da vanguarda francesa (Jarry, Apollinaire). O homem confinado entre forças irracionais do bem e do mal, sua ânsia de salvação, a negação de qualquer ortodoxia religiosa e a obsessão pela morte são temas centrais de seus principais textos: A Morte do Doutor Fausto, Escurial, Barrabás, Os Cegos e A Balada do Grande Macabro.

GOGOL, Nikolai (1809-1852)

Novelista e autor dramático russo. Iniciador do Realismo com suas sátiras sobre a Rússia do czar Nicolau I, sua corrupção e provincianismo. Sua peça teatral mais conhecida é O Inspetor Geral, sátira social da estrutura perfeita, que mescla observação implacável da realidade com certa compreensão irônica das fragilidades humanas. Gogol também escreveu uma novela notável, Almas Mortas, dramatizada pelo Teatro de Arte de Moscou e mais adiante por Adámov, que gerou a montagem de Roger Planchon, em Paris.

GOLDONI, Carlo (1707-1793)

Autor dramático italiano, expoente do teatro veneziano, escreveu mais de 150 peças. Iniciou sua carreira com dramas heróicos e melodramas, mas logo enveredou para a comédia. É considerado o grande renovador da commedia d'ell arte, pois foi o primeiro autor a fixar um texto - até então havia apenas um roteiro que servia de base para as improvisações características da commedia. Considerado um mestre na comédia de costumes, Goldoni tornou-se imortal com Mirandolina e Arlequim, Servidor de Dois Amos.

GROTOVSKI, Jersy (1933)

Diretor polonês. Fundador, em parceria com Ludwik Flaszen, do Teatro Laboratório, em Opole (1959) - transferido em 1965 para Wroclaw. Influenciado por Artaud e pelo teatro oriental, propôs um teatro ritual de retorno aos mitos e arquétipos, centrado no ator e na relação ator-espectador, numa manifestação que combinava cerimônia e liturgia. Desenvolveu uma técnica de representação que deve muito a Stanislavski, Meyerhold e Dullin, que conduz à liberação física e psíquica do ator. Sua insistência na expressão corporal e seu conceito de "teatro pobre" exerceram grande influência sobre os movimentos de vanguarda. Dentre seus espetáculos mais renomados podem ser citados O Príncipe Constante, Akropolis e Doutor Fausto. Em 1958 encerra as atividades do Teatro Laboratório e funda na Itália um centro dedicado à formação de atores. É autor de um livro fundamental: Em Busca de um teatro Pobre.

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2012-01-11T07:49:00.000-08:00

PERSONALIDADES - H

HALL, Peter (1930)

Diretor inglês. Começou a chamar a atenção em 1955, quando encenou uma discutida versão de Esperando Godot, de Beckett. Em Stratford dirigiu várias peças de Shakespeare, dentre elas Noite de reis e Sonho de uma noite de verão. Diretor artístico da Royal Shakespeare Company de 1961 a 1968, criou o centro londrino da companhia no Aldwych Theatre e deu uma linha atual ao seu repertório clássico e moderno. Com a Royal encenou, dentre outros espetáculos, A guerra das rosas (ciclo de dramas históricos shakespearianos), Hamlet (Shakespeare), O inspetor geral (Gogol). Em 1969, deixa Royal e, após breve período à frente da Ópera do Covent Garden, assume a direção do novo National Theatre, com sede no Old Vic. Para este grupo dirige, entre outros, Otelo e Macbeth (Shakespeare) e O jardim das cerejeiras (Tchecov). A partir de 1987, passa a dirigir sua própria companhia.

HANDKE, Peter (1942)

Autor dramático austríaco. Desde sua primeira obra, Afronta ao público, investiga várias modalidades de linguagem, fazendo delas o principal conteúdo de seu teatro. Dentre suas peças mais conhecidas constam Profecia, Kaspar, O pupilo que quer ser tutor, A cavalo sobre o lago de Constanza.

HAVEL, Vaclav (1936)

Dramaturgo tcheco. Estreou com A festa no jardim (1963), seguindo-se A notificação e Dificuldade crescente de concentração, ambas expressando sua própria visão do Teatro do Absurdo. Sua participação na Primavera de Praga e sua atividade dissidente o levam à prisão (1979-1982) e à proibição de publicação e montagem de suas obras. Suas comédias estréiam no estrangeiro - Audiência, Vernissage e Tentação. Em 1990, é eleito presidente da então República da Tchecoslováquia.

HELMAN, Lilian (1905-1984)

Autora dramática norte-americana. Escreveu dentro de uma linha de realismo psicológico e de crítica social. Dentre suas obras mais conhecidas destacam-se A hora das crianças - virulento ataque à hipocrisia e crueldade da sociedade puritana da província -, Pequenos zorros (encenada pelo Group Theatre) e sua continuação, A outra parte do bosque - crônica da ruína do Sul após a Guerra da Secessão.

HERNÁNDEZ, Miguel (1910-1942)

Poeta espanhol de origem camponesa, autodidata, uma das figuras mais significativas da moderna poesia espanhola. Escreveu quatro obras dramáticas: Quem te viu e quem te vê e a sombra do que eras, auto sacramental em verso, de qualidade desigual; Os filhos da pedra e O lavrador garboso, dramas sociais inspirados em Lope de Vega, que expressam de forma radical o antagonismo entre patrão e empregado; e Pastor da morte, texto que exalta os defensores de Madri. Preso pelos fascistas em 1939, morreu no cárcere de Alicante.

HUGO, Victor (1802-1885)

Poeta, novelista e autor dramático francês. Liderou o movimento romântico na França, cujos objetivos formulou no prefácio de Cromwell, seu primeiro drama, publicado em 1827. Partidário do drama em verso, da liberdade frente às regras clássicas, provocou um grande escândalo com a estréia do drama histórico Hernani (1830) na Comédie Française. Daí em diante, o drama romântico passou a seduzir os franceses, graças ao seu estilo grandioso, seus sentimentos desordenados e temas históricos. Outras obras muito conhecidas do autor: O rei se diverte, Lucrécia Bórgia, Marie Tudor e principalmente Ruy Blas, protótipo do herói romântico francês.

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2012-01-11T07:46:00.000-08:00

PERSONALIDADES - I

IBSEN, Henrik (1828-1906)

Autor dramático norueguês, maior representante do teatro naturalista, considerado o pai do teatro moderno. De 1851 a 1856 dirigiu o teatro de Bergen, onde testou a eficácia de algumas de suas obras. A primeira etapa de sua produção artística revela a influência do movimento romântico norueguês, com temas procedentes das lendas e da história de seu país - dentre outras, Catilina, A noite de São João, Os guerreiros em Helgoland. Logo em seguida, uma bolsa do Estado permitiu a Ibsen dedicar-se por completo a seu trabalho criador, levando-o a viajar para Roma, onde escreveu seus grandes dramas simbólico-filosóficos em versos - Brand e Peer Gynt - que não obtiveram maior repercussão, entre outras coisas pelas enormes dificuldades que impunham para serem encenados. Imperador e Galileu, drama histórico, marca a transição para o drama social burguês, característico de sua terceira etapa. Nela destacam-se Os pilares da sociedade, Casa de bonecas, Espectros, O pato selvagem, Romersholm, Hedda Gabler, Um inimigo do povo. Apoiado em uma sólida estrutura dramática (a peça bem feita), assimilada de alguns autores franceses (Sardou, Scribe), e no drama de idéias naturalistas, Ibsen descreve e faz uma crítica implacável da sociedade de sua época. Seus principais temas são o desmascaramento do ideal burguês, a relação entre casamento e amor, o conflito de gerações, a situação da mulher na sociedade burguesa etc. Em seus últimos dramas - A mulher do mar, O pequeno Eyolf, John Gabriel Borkman e Quando nós, os mortos, despertarmos - Ibsen retorna ao mundo simbólico e poético de Brand e Peer Gynt.

IONESCO, Eugène (1912-1994)

Autor dramático romeno-francês. Passou a infância em Paris e a juventude na Romênia. Dedicou-se ao teatro após uma etapa como escritor e ensaísta em Paris. Considerado um dos principais representantes do Teatro do Absurdo, converteu-se, depois de uma fase inicial de não-aceitação pelo público, em um dos autores mais representados em todo o mundo. Valendo-se de meios e experimentos do dadaismo e do surrealismo, iniciou sua carreira com uma série de peças em 1 ato - A cantora careca, A lição, As cadeiras, Vítimas do dever, Jacques ou a submissão -, que surpreenderam por sua irrealidade, obsessão e humor grotesco. A esta primeira fase mais experimental pertencem a peça em três atos Amadeu e os textos curtos O quadro, O novo inquilino, O improviso da alma. Com Assassino sem recompensa inicia uma segunda fase criadora, em que afirma sua posição antirealista e crítica, afora sua visão absurda da existência. Desse período constam, entre outras, O rei morre e uma de suas obras mais conhecidas, O rinoceronte.

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2012-01-11T07:42:00.000-08:00

PERSONALIDADES - J

JARRY, Alfred (1873-1907)

Poeta, novelista e dramaturgo francês, muito influenciado pelo simbolismo de Mallarmé, Verlaine e Rimbaud. Seu espírito lúdico, humor negro e gosto por extravagâncias idiomáticas o converteram em precursor dos surrealistas. O maior êxito de Jarry foi Ubu rei, caricatura cruel e grotesca do burguês, encenada pela primeira vez por Lugné-Poe no Théâtre de l’Ouvre. A cenografia levava a assinatura do próprio Jarry em parceria com Pier Bonnard, Toulouse-Lautrec e outros pintores. A crítica da sociedade burguesa, a liberdade rabelesiana da linguagem e o caráter inusitado da obra, concebida inicialmente para marionetes, gerou um escândalo tão grande que o espetáculo foi retirado de cartaz no segundo dia. Ubu rei influenciou profundamente todo o movimento teatral posterior. A visão grotesca e excêntrica da realidade também estão presentes nas novelas Le surmâle e Gestes et opinions du Dr. Faustroll, onde Jarry expõe suas teorias sobre a “Patafísica ou ciência das soluções imaginárias”, raiz do Teatro do Absurdo.

JONSON, Ben (1572-1637)

Autor dramático inglês, contemporâneo de Shakespeare , foi um dos mais significativos dramaturgos do teatro elisabetano. Admirador dos autores clássicos, especialmente latinos, escreveu comédias (Volpone, The staple of news, The alchemist, Bartholomew fair, The devil is an ass) e tragédias (Sejanus e Catiline). Nestas últimas, de forte veia moralista, o autor critica os aspectos negativos dos ideais individualistas do Renascimento: a ambição do poder, de riqueza etc. Seu conceito moralista e clássico da comédia está presente, sobretudo, em suas obras-primas Volpone e The alchemist, nas quais evidencia grande sensibilidade para perceber os problemas de sua época e os gostos do público, que se viam refletidos num tipo de teatro eminentemente popular.

JOUVET, Louis (1887-1951)

Ator e diretor francês, uma das personalidades mais importantes do teatro entre as duas grandes guerras. Discípulo de Copeau, o acompanhou aos Estados Unidos como ator e diretor. Em 1922 criou sua própria companhia - Comédie des Champs Elysées - e obteve grande êxito com Knock. A maior influência sobre sua concepção de teatro veio de sua colaboração com Giradoux, de quem dirigiu todas as obras. Seu estilo controlado, reduzido ao essencial, era sublinhado por uma cenografia estilizada. Também dirigiu, sempre com sucesso, inúmeros textos de Molière, como Don Juan e Tartufo.

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2012-01-11T07:40:00.000-08:00

PERSONALIDADES - K

KALIDASA (440 D.C)

Poeta indiano, autor de três dramas: Malavikagnimitra, Vikramorvasiya e Sakuntala, este último considerado a obra dramática mais importante da literatura da Índia. Seu tema central é o amor secreto do rei Dusyanta por Sakuntala, filha adotiva de um eremita. O poder de caracterização e a beleza da linguagem de Kalidasa levaram muitos estudiosos a compará-lo a Shakespeare.

KANTOR, Tadeuz (1915-1990)

Pintor, cenógrafo e diretor polonês. Fundou o teatro experimental Cricot 2, em Cracóvia, em 1955. Dentre seus espetáculos da fase inicial, destacam-se O Louco e a Monja, No armário e A galinha Aquática. Com este último - apresentado no festival de Nancy (1971) - e com Os Bonitos e os Feios (1974), realiza excursões por toda a Europa e conquista o público internacional, graças ao caráter surpreendente das montagens. Kantor utilizou técnicas do happening e valeu-se de colagens. Mas são seus quatro espetáculos seguintes que o convertem em uma das figuras emblemáticas do teatro do final do século XX: A Classe Morta (1975), Wielopole, Wirelopole (1980), Que Rebentem os Artistas! (1985) e Não Voltarei Jamais (1988). Nesta tetralogia, em que aborda a própria infância, a experiência da guerra e as vicissitudes da existência humana, Kantor materializa um personalíssimo estilo teatral, que sintetiza algumas das propostas mais marcantes do teatro nos anos 60/70: improvisação, expressão corporal, Teatro da Crueldade, Teatro do Absurdo, distanciamento, utilização de manequins e renúncia ao texto.

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2012-01-11T07:23:00.000-08:00

PERSONALIDADES - L

LANG, Jack (1939)

Diretor francês, fundou o Festival Mundial de Teatro de Nancy, que durante 20 anos (1963-1983) contribuiu decisivamente para divulgar trabalhos de pesquisa teatral, feitos por grupos como o Bread and Puppet Theater (americano) e o Arena, do Brasil. Desde 1972, Lang dirige o novo Teatro Nacional de Chaillot (antigo TNP), em Paris, em parceria com Antoine Vitez. Em 1981 assume o Ministério da Cultura, promovendo a descentralização teatral, criando centros dramáticos nacionais, renovando a Comédie Française e estimulando as companhias independentes.

LAUGTHON, Charles (1900-1963)

Ator inglês, estreou em 1926 em O Inspetor Geral, de Gogol. Foi membro do Old Vic nos anos 1933-34, onde obteve grande êxito interpretando Lopákin, personagem de O Jardim das Cerejeiras, de Tchecov. Atuou também em várias peças de Shakespeare, dentre elas Enrique VIII, A Tempestade e Macbeth. A partir de 1936 passou a atuar mais no cinema, ainda que retornasse aos palcos algumas vezes, tendo sido marcante sua participação em Galileu, Galilei, de Brecht, direção de Joseph Losey.

LAVELLI, Jorge (1932)

Diretor argentino radicado na França. Começou como ator em seu país e mais adiante fez cursos de interpretação na França com Jacques Lecoq. Encenador extremamente criativo e arrojado, encenou espetáculos de grande repercussão, como O Casamento (Gambrowicz, 1963) e Piquenique no Front (Arrabal, 1965), sendo que sua parceria com a atriz espanhola Nuria Espert rendeu montagens espetaculares, como Dona Rosita, a Solteira (Lorca) e A Tempestade (Shakespeare)

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2012-01-11T07:02:00.000-08:00

PERSONALIDADES - M

A letra “M” é pródiga no tocante a nomes expressivos da história do teatro. Selecionei os oito que se seguem, mas cumpre destacar a enorme contribuição de ilustres ausentes, como Marcel Marceau, Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux, Adolfo Marsillach, Somerset Maugham, François Mauriac, Ariane Mnouchkine, Slawomir Mrozek, Heiner Müller, Robert Musil, Alfred de Musset e Vladimir Mayakovski.

MENANDRO (342-291 a.de C.)

Autor dramático grego, principal representante da Nova Comédia. Muito famoso na Antigüidade, foi imitado por Plauto e Terêncio. Escreveu 98 comédias, das quais se conservam Dyskolos e fragmentos de Heros, Samia, Epitrepontes e Perikeiromene. A comédia de Menandro difere consideravelmente da Comédia Antiga de Aristófanes, graças à sua exuberância satírica e burlesca, e também ao seu conteúdo político. Suas obras exibem elegância de composição e estilo, dando preferência a temas individuais - problemas familiares e amorosos, reencontros românticos etc. - e tendo como pano de fundo a vida urbana burguesa. O coro ocupa um lugar bastante secundário na ação, já que praticamente se resume a unir os atos com música e danças.

MAQUIAVEL, Niccolo (1469-1527)

Escritor italiano, Maquiavel foi uma das personalidades mais marcantes do Renascimento. De formação humanista, escreveu obras político-históricas (O príncipe, 1532) e várias peças, entre elas A mandrágora (1513), considerada a comédia italiana mais importante do século XVI, tanto pela originalidade temática (que não segue nenhum modelo) como pela elegância dos diálogos, que possibilitam uma visão amarga e crítica dos costumes e vícios da época.

MARLOWE, Christopher (1564-1593)

Dramaturgo inglês do período elisabetano, é considerado o autor mais importante antes de Shakespeare. Filho de um sapateiro, foi bolsista em Cambridge e pertenceu ao círculo dos chamados “Talentos universitários”, que se impuseram no cenário teatral inglês a partir de 1590. Escreveu numa linguagem dinâmica, repleta de imagens, e suas tragégias são centradas em personagens titânicos e ambiciosos, que refletiam a sociedade em crise de sua época. Suas principais obras são: Tamburlaine the great, Tha tragical history of Dr. Faustus (primeira dramatização do tema), The jew of Malta (personagem que antecipa Shylock), Dido queen of Carthage e The massacre at Paris (ambas em colaboração com Nashe) e o drama histórico Edward II, sua peça mais madura, que recebeu nova versão de Brecht. Marlowe morreu assassinado numa briga, aos 29 anos.

MOLIÈRE, Jean-Baptiste (Poquelin) (1622-1673)

Expoente do teatro clássico francês do século XVII, ao lado de Corneille e Racine. Filho de um rico tapeceiro parisiense, freqüentou o colégio jesuíta de Clermont e começou a estudar Leis. Mas abandonou família e estudos ao se apaixonar pela atriz Madeleine Béjart, unindo-se à companhia dos Béjart, com a qual excursionou por várias províncias (1643-1658), adquirindo valiosa experiência como ator e autor. Já em Paris, e depois de amargar um fracasso como autor trágico, envereda para a comédia, produzindo inúmeras obras-primas, dentre elas O misantropo, O avarento, O doente imaginário, O burguês fidalgo, Tartufo, Dom Juan, A escola de mulheres e As artimanhas de Scapino. Ao longo de sua carreira, Molière sofreu muitos ataques, tendo sido acusado de imoralidade e irreligiosidade (A escola de mulheres) e perseguido por falsos devotos (Tartufo), sendo que muitos chegaram a sugerir que deveria ser queimado na fogueira como herege, o que não aconteceu graças à constante proteção do monarca Luís XIV, profundo admirador do autor.

MEYERHOLD, Vsevolod (1874-1942)

Diretor e ator russo, figura central do movimento Outubro teatral. Freqüentou a Escola de Arte Dramática de Nemirovich-Danchenko. Quando o Teatro de Arte de Moscou foi fundado, integrou-se à companhia, destacando-se como intérprete, especialmente como o Treplev de A gaivota. Em 1902, separou-se de Stanislavski e fundou sua própria companhia, quando começou a pôr em prática suas concepções antinaturalistas. Com o advento da Revolução de 1817, coloca-se à disposição do novo governo, realizando espetáculos para grandes platéias. Ao mesmo tempo, aprimorava a biomecânica, estilo por ele criado que combinava música e pantomima. Mais adiante, começou a se afastar do “teatro oficial”, introduzindo em seus espetáculos elementos psicológicos e de crítica social. Em 1939, foi preso em função de um discurso em que atacava o realismo socialista, tendo falecido em ciscunstância até hoje não esclarecidas.

MAETERLINCK, Maurice (1862-1948)

Poeta, filósofo e dramaturgo belga, de língua francesa, foi destacada figura dos movimento simbolista, ao qual se uniu em Paris, em 1876. Muito jovem se tornou famoso com seu primeiro drama, A princesa Maleine (1889) e por seus ensaios filosóficos. Colaborou com o Théâtre D’Art e em seguida com o Théâtre de L’Ouvre. A atmosfera, a poesia e o silêncio oculto nas palavras estão na essência de seus dramas líricos, nos quais a ação tem um papel secundário. Considerado precursor do surrealismo e do Teatro do Absurdo, Maeterlinck escreveu muitas peças, sendo as mais famosas e representadas Os cegos, A intrusa, Pélléas e Melisande (que Debussy converteu em ópera) e O pássaro azul, tendo esta última sido levada à cena pela primeira vez no Teatro de Arte de Moscou, em 1908, com direção de Stanislavski.

MILLER, Arthur (1915)

Autor dramático, é considerado o representante mais destacado do realismo psicológico norte-americano dos anos 40 e 50. Filho de um imigrante austríaco, escreveu suas primeiras peças ainda na universidade. Seu primeiro êxito, Todos os meus filhos (1947), um drama familiar, revela nítida influência de Ibsen. Escreveu obras memoráveis, dentre as quais se destacam A morte do caixeiro viajante, As bruxas de Salém, Panorama visto da ponte e Depois da queda.

MAMET, David (1947)

Dramaturgo e cineasta norte-americano. Suas primeiras peças - Lakeboat e Duck variations (1970) - revelam a influência de Albee e exibem bons diálogos em linguagem coloquial. Com Perversidade sexual em Chicago ganha o Jefferson Award em 1974 e três anos depois conquista a Broadway com American Buffalo. Esta última, protagonizada por Al Pacino em 1980 e apresentada no National Theatre de Londres, confere uma projeção internacional ao autor. Após o relativo fracasso de Edmond (1982) - um drama com atmosfera expressionista - obtém grande triunfo com Glengarry Glenn Ross (1983), uma implacável sátira da atividade imobiliária. Uma de suas obras mais recentes, Oleanna (1992), que tem como tema a luta entre gerações e sexos, é consagrada em todo o mundo. Como cineasta, Mamet fez sua estréia com uma obra-prima, A casa dos jogos (1985).

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2012-01-11T06:56:00.000-08:00

PERSONALIDADES - N

NEMIROVICH-DANCHENKO, Vladimir (1858-1943)

De nacionalidade russa, escreveu novelas e comédias ligeiras. Dirigiu a Escola Dramática da Sociedade Filarmônica de Moscou até conhecer Stanislavski, com quem fundou, em 1897, o Teatro de Arte de Moscou, baseado no naturalismo. Stanislavski era o responsável pelas montagens e a formação dos atores, cabendo a Danchenko selecionar as obras que seriam encenadas e a organização do centro, muitas vezes atuando como co-diretor. Após a Revolução de 1917, tentou adaptar os métodos do Teatro de Arte de Moscou ao teatro musical e criou um estúdio musical, que a partir de 1926 se chamaria Teatro Nemirovich-Danchenko. Seu principal objetivo era formar atores que não apenas conseguissem dizer bem um texto, mas também cantar, dançar, tocar instrumentos, fazer acrobacias etc. Com a morte de Stanislavski, em 1938, Danchenko assumiu sozinho a direção do Teatro de Arte de Moscou.

NEHER, Caspar (1897-1962)

Cenógrafo alemão, amigo de Brecht (estudaram juntos em Munique, de 1918 a 1922). Neher assinou algumas das cenografias mais expressivas de sua época, podendo ser destacadas as que fez para peças do maior dramaturgo alemão  Na selva das cidades, Baal, Um homem é um homem, A ópera dos três vinténs e O senhor Puntila e seu criado Matti. Também foram marcantes suas participações em A vida de Eduardo II (Marlowe), Coriolano e Hamlet (Shakespeare), e Lulu (Wedekind).

NUNN, Trevor (1940)

Diretor inglês. Estudou em Cambridge e entrou para Royal Shakespeare Company em 1965, dirigindo neste mesmo ano uma montagem memorável de Henrique V, de Shakespeare, com Ian Holm no papel principal. Contribuiu grandemente para definir o estilo da companhia, traduzido em muitos espetáculos de primeira grandeza, como Hedda Gabler (Ibsen), Romeu e Julieta e Macbeth (Shakespeare), O alquimista (Jonson), e Os miseráveis (Victor Hugo).

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2012-01-11T06:52:00.000-08:00

PERSONALIDADES - 0

OBALDIA, René de (1918)

Novelista e autor dramático francês, inserido no Teatro do Absurdo. Em todas as suas obras o humor e o surrealismo se mesclam, podendo ser destacadas as peças O sátiro do vilarejo, Vento nos ramos de Sassafrás, Pimenta de Cayena, O general desconhecido e O cosmonauta agrícola.

O’CASEY, Sean (1884-1964)

Dramaturgo irlandês. De origem proletária e formação autodidata, começou sua carreira escrevendo dramas realistas de crítica social. A sombra de um homem armado, Juno e o pavão (tragicomédia da guerra civil irlandesa e uma de suas obras mais famosas) e O arado e as estrelas têm como tema central as lutas políticas da época e a vida dos trabalhadores. A taça de prata, tragicomédia pacifista sobre a Primeira Guerra Mundial, marcou uma virada em sua produção ao introduzir elementos expressionistas. Nessa época, o autor foi para Londres, onde escreveu uma série de dramas experimentais com elementos simbólicos e expressionistas, que certamente influenciaram Strindberg. Dentre estes, podemos destacar Roas roxas para mim, Polvo púrpura e Os tambores do pai Ned. Mas em todas as fases de sua carreira, O’Casey escreveu textos mesclando o cômico e o trágico, repletos de fantasia, humor um tanto agressivo e exuberante vitalidade.

OLIVIER , Laurence (1907-1989)

Considerado o maior ator do século XX, o britânico Laurence Olivier protagonizou vários textos de Shakespeare, dentre eles Romeu e Julieta, Hamlet, Enrique V, Macbeth e Othelo. Mas também liderou elencos em montagens famosas de Tio Vânia (Tchecov) e Peer Gynt (Ibsen). Casado durante muitos anos com a atriz Vivien Leigh, com ela dividiu a cena em César e Cleópatra. Depois de trabalhar alguns anos como ator em Hollywwod (Rebecca, dirigido por Hitchock, é seu melhor filme), Olivier assume o posto de co-diretor no Old Vic, e mais adiante, em 1963, passa a dirigir o National Theatre. Olivier também brilhou em peças de autores contemporâneos, como Osborne, Ionesco e Becket, dentre muitos outros.

O’NEILL, Eugene (1888-1953)

É considerado o pioneiro do moderno teatro norte-americano, muito influenciado por Ibsen, Strindberg e pela tragédia grega. Seu primeiro grande sucesso na Broadway foi Além do horizonte, que lhe valeu o Prêmio Pullitzer. Em seguida vieram: Anna Christie, O imperador Jones, O macaco peludo, Estranho interlúdio, O luto não assenta bem em Electra. Estilisticamente, seus dramas, que contêm muitos dados autobiográficos, evoluíram do naturalismo ao expressionismo, e, em suas peças finais, revelou-se um mestre do teatro psicológico  a mais famosa de todas é a obra-prima Longa jornada noite adentro. Pouco antes de morrer, O’Neill destruiu vários textos e fragmentos dramáticos.

ORTON, Joe (1933-1967)

Autor dramático inglês, muito influenciado por Harold Pinter e pelo Teatro do Absurdo. Escreveu três farsas de humor negro e cruel: Entertaining Mr. Slone, Loot e Wath the butler saw, e três peças para a TV: The erpigham camp, The good and faithful servant e Funeral games.

OSBORNE, John (1929-1994)

Dramaturgo britânico, iniciou com Look back in Anger o movimento de renovação do teatro inglês. São também de sua autoria: The entertainer, Epitaph for George Dillon, Luther, Inadmissible evidence, A patriot for me e A bond hounered, dentre muitas outras. Osborne acabou sendo considerado um “clássico moderno”. Publicou, também, dois livros com suas memórias: A better kind of person e Almost a gentleman.

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2012-01-11T06:45:00.000-08:00

PERSONALIDADES - P

PLAUTO (254-184 a. de C)

Autor dramático romano. De sua obra são conhecidas 21 comédias, a maioria adaptações livres de originais gregos da Nova Comédia. Tais peças têm, como principais características, sua engenhosidade, linguagem vigorosa, variedade de temas e preferência por cenas silenciosas. A maior parte dos personagens é composta por tipos  escravos, jovens namorados, parasitas, velhos etc. Uma de suas obras mais conhecidas, Menaechmi, serviu de inspiração a Shakespeare para escrever A comédia dos erros.

PUSHKIN, Alexander (1799-1837)

Considerado o maior poeta russo, Pushkin foi também autor de novelas, romances, contos e peças teatrais. De antiga e aristocrática família, o autor passou quatro anos no exílio em função de seus poemas políticos. Sua obra teatral mais famosa é a tragédia romântica Boris Godunov, de tema essencialmente político  a relação entre um tirano e seu povo. Escrita em 1825, a peça foi proibida pela censura até 1870, tendo sido encenada magistralmente, em 1907, pelo Teatro de Arte de Moscou. Pouco antes de morrer em um duelo, Puschkin escreveu quatro pequenas tragédias: O avarento, Mozart e Salieri, O convidado de pedra e O banquete durante a peste. Muitas de suas obras líricas foram convertidas em balé (Ruslan e Ludmila, A fonte de Bakchisarai) ou ópera (Eugenio Oneguin, musicada por Tchaikovsky, e a já citada peça Boris Godunov, musicada por Mussorgski).

PAGNOL, Marcel (1895-1974)

Dramaturgo francês, Pagnol começou escrevendo dramas em verso, mas logo enveredou para o gênero que o consagraria, a sátira social. Dentre suas peças podem ser citadas Monsieur Topaze, Les marchands de gloire e Jazz, sendo sua principal obra a trilogia composta por Marius, Fanny e César.

PEDROLO, Manuel de (1918-1997)

Novelista e dramaturgo espanhol de língua catalã, Pedrolo se insere no Teatro do Absurdo. Sua peça de estréia, Cruma, causou grande impacto  o texto abordava a impossibilidade de comunicação entre os homens. Sua obra mais famosa é Homens e Não, onde são trabalhados temas como a transcendência, a morte e a problemática da existência, sempre abordados de forma simbólica.

PINTER, Harold (1930)

Um dos maiores dramaturgos ingleses do século XX. Escrevendo dentro de uma convenção próxima à do Teatro do Absurdo e valendo-se sempre de magistrais diálogos, Pinter cria um clima de angústia latente, pois sempre temos a sensação de que um perigo ronda a cena. Seus principais temas são a solidão, o medo, a incerteza existencial e a brutalidade das relações humanas. É autor de uma obra vasta e diversificada, com destaque para O quarto, O monta-carga, Festa de aniversário, Uma ligeira dor e O inoportuno.

PIRANDELLO, Luigi (1867-1936)

Autor dramático e novelista italiano, uma das grandes figuras do teatro moderno, herdeiro do teatro analítico de Ibsen, precursor do teatro existencialista e do Teatro do Absurdo. Filho de um siciliano proprietário de minas, Pirandello foi professor de literatura antes de se dedicar ao teatro. Foi diretor do Teatro de Arte de Roma e também de teatros estatais em Turim e Milão. Suas principais obras giram em torno dos mesmos temas, dentre eles a impossibilidade de se escapar ao próprio eu, o problema da identidade e da aparência. Deixou uma obra extraordinária, com títulos como Seis personagens à procura de um autor, Assim é, se lhe parece, Henrique IV, Esta noite se improvisa, Vestir os nus e Os gigantes da montanha, sua última peça, incompleta.

PISCATOR, Erwin (1893-1966)

Diretor alemão, expoente máximo do teatro de agitação política dos anos 20. Em parceria com Brecht, criou o Teatro Épico. Filho de um pastor protestante, estudou arte e filosofia, iniciando sua carreira teatral com a encenação de Fahnen (1924). Dentre as montagens mais famosas de sua mocidade destacam-se Rasputin, O bravo soldado Scheik e Tai Yan acorda, esta última sobre a revolução chinesa. Trabalhou na Rússia, na França e nos Estados Unidos, onde dirigiu, de 1939 a 1951, a New School for Social Research, de Nova Iorque. Ao regressar para a Alemanha, levou à cena Os bandidos (Schiller), Guerra e paz (Tolstoi), Dança macabra (Strindberg), Os seqüestrados de Altona (Sartre) e O balcão (Genet), dentre outras montagens memoráveis.

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2012-01-11T06:41:00.000-08:00

PERSONALIDADES - R

RACINE, Jean (1639-1699).

Poeta e autor dramático francês. Ao lado de Corneille e Molière, um dos grandes dramaturgos do teatro clássico francês do século XVII. Educado em Port Royal, foi um admirador entusiasta dos autores gregos. Sua primeira tragédia, La thébaîde, chegou à cena no teatro do Palais Royal, dirigida por seu amigo Molière. Seguiram-se Alexandre, le Grand e Andromaque, cuja estréia, no teatro rival do Hotel de Bourgogne, marcou a ruptura com Molière e lançou o autor como sucessor e rival de Corneille no terreno da tragéia. Sua única comédia, Les plaideurs, baseada em As moscas, de Aristófanes, o coloca também como um mestre neste terreno. Mas sua grande criação se dá no campo da tragédia amorosa de ação simples, concentrada nas paixões que os protagonistas enfrentam: Britanicus, Bérénice, Bajazet, Mithridate, Iphigénie e Phèdre. A ambientação histórica  romana, grega ou oriental  era apenas um pretexto para levar à cena, em consonância com as normas clássicas, o choque das paixões, sempre expressas através de sonoros versos alexandrinos. Nomeado historiador real e desiludido com a acolhida que recebeu Phèdre, sua obra-prima, Racine se afastou do teatro por 12 anos, a ele só retornando a pedido de Madame de Maintenon, para quem escreveu as tragédias bíblicas Esther e Athalie. Sua crescente preocupação religiosa se reflete também em sua reconciliação com o poderoso monastério de Port Royal, cuja história escreveu.

REINHARDT, Max (1873-1943)

Nascido na Áustria, Reinhardt foi, juntamente com Adolphe Appia e Gordon Graig, um dos grandes criadores do teatro antinaturalista. Eminente diretor e descobridor de atores, foi precursor, como Stanislávski, da revolução teatral dos anos 20. Já vivendo na Alemanha, começou como ator no Deutsches Theater, de Berlim, sob a direção de Otto Brahm, mas logo se distanciou de seus pressupostos naturalistas. Seu primeiro grande triunfo como encenador foi a montagem de Sonho de uma noite de verão, de Shakespeare, em 1904. No ano seguinte, assumiu a direção do Deutsches Theater, ali reunindo os melhores atores alemães e austríacos da ocasião em um memorável “ciclo Shakespeare”, repleto de poesia e riqueza cenográfica. Ao mesmo tempo, dirigia obras de câmera, como Os espectros (Ibsen) e O despertar da primavera (Wedekind). Depois da Primeira Guerra Mundial, transformou o Circo Schumann, onde já havia dirigido algumas montagens, como Édipo Rei, de Sófocles, em um anfiteatro para 5 mil pessoas, dando início ao seu “teatro de massas” (o novo espaço abrigou, dentre outras, uma histórica versão de Hamle)t. Contagiado pelo espírito da época, fundou o teatro experimental Das junge Deutschland (1917), onde estreiou várias peças-chaves do Expressionismo: O mendigo (Sorge), Batalha naval (Goering) e Uma estirpe. A partir de 1920 morando em Viena, organizou com Hoffmannsthal e R. Straus os festivais de Salzburgo, nos quais materializou sua idéia de “teatro total”. Em 1938 emigrou para os Estados Unidos.

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2012-01-11T06:38:00.000-08:00

PERSONALIDADES - S

SÓFOCLES (496-406 a. de C)

Autor dramático grego. Representante máximo da tragédia durante o governo de Péricles. Em sua Poética, Aristóteles afirmava que os dramas de Sófocles eram modelos irretocáveis da tragédia. Suas peças tinham, como principal característica, colocar o homem no centro da trama. Interessando pela relação dramática entre diferentes personalidades, ou entre diferentes aspectos de um mesmo caráter, Sófocles, criou um tipo de drama de extrema tensão, priorizando sempre o enredo, a caracterização dos personagens e detalhes naturalistas. Suas principais obras são: Antígona, Édipo Rei, Electra e Édipo em Colono.

SHAKESPEARE, William (1564-1616).

Poeta e dramaturgo inglês, figura máxima do teatro elisabetano, Shakespeare é considerado o maior autor teatral de todos os tempos. Sua primeira fase (1590-1599), na qual ainda se atém às convenções do drama da época, se caracteriza por uma grande diversidade temática e formal – Henrique VI, Ricardo III, A comédia dos erros, Os dois cavaleiros de Verona, Trabalhos de amor perdidos, Titus Andronicus, Romeu e Julieta, Sonho de uma noite de verão, O mercador de Veneza e Muito barulho por nada. Os dramas históricos Ricardo II, Rei João e Henrique IV servem como uma espécie de trampolim para a fase mais genial do autor. Entre 1599 e 1604, Shakespeare escreve as comédias Como gostais, Medida por medida, Noite de reis e Troilus e Cressida, e as tragédias Julio César, Hamlet e Othelo. Entre 1605 e 1608, produz Rei Lear, Macbeth, Antonio e Cleópatra, Coriolanus, Timon em Atenas e Péricles. Em sua fase final, escreve Cymbeline, Conto de inverno e A tempestade, que traduzem uma nova concepção simbólica do drama, na qual a música desempenha um papel importante.

SCHILLER, Friedrich (1759-1805)

Poeta e dramaturgo alemão. Ao lado de Goethe, foi o criador do teatro clássico germânico. Já em sua primeira peça, Os bandidos, o autor exibiu uma de suas principais características: o espírito revolucionário. Mais adiante escreveu Don Carlos e em seguida sua obra mais ambiciosa: a trilogia Wallenstein. A partir daí, produziu tragédias históricas: Maria Stuart, A donzela de Orleans, A noiva de Messina e Guilherme Tell.

STRINDBERG, August (1849-1912)

Autor dramático e escritor sueco, Strindberg foi o iniciador do naturalismo em seu país e precursor do expressionismo europeu. Inicialmente mais conhecido por sua novelas curtas, despertou polêmica com seus ensaios histórico-culturais, que provocaram seu primeiro exílio voluntário (1883-1889). Em contato com os naturalistas franceses e impregnado das idéias de Nietzche e Schopenhauer, escreveu os dramas naturalistas O pai, Senhorita Júlia e Os credores. Seus temas preferidos são a luta dos sexos, a mulher como ente maligno e a polivalência psicológica, abordados com grande senso dramático e técnica irrepreensível. Após grave crise psicológica, que se seguiu a seu segundo exílio voluntário (1892-1896), escreve seus grandes dramas simbólicos: A caminho de Damasco, O sonho, Dança macabra e Sonata dos espectros.

SCHNITZLER, Arthur (1862-1931)

Dramaturgo austríaco, típico representante do impressionismo vienense, que descreve a burguesia decadente do final do século com ironia e uma certa resignação melancólica. O erotismo, tratado com humor e cinismo, constitui a essência da maioria de suas obras. Suas principais peças são: Anatol, Amores e A ronda.

SHAW, George Bernard (1856-1950)

Autor dramático irlandês. Seguidor de Ibsen e de seu teatro, que visava fundamentalmente desmascarar a hipocrisia, os tabus e as injustiças da sociedade burguesa, Shaw propôs um teatro moralista e polêmico. Morando em Londres desde os 20 anos, iniciou sua vida profissional como crítico de música e de teatro. Suas principais obras são: A profissão da senhora Warren, Cândida, Homem e super-homem, Major Bárbara, Androcles e o leão, Pigmaleão, Retorno a Matsulém e Santa Joana.

STANISLAVSKI, Konstantin (1863-1938)

Ator, diretor e professor de atores, Stanislavski foi uma das personalidades mais importantes do teatro no século XX. Em 1897, juntamente com Nemirovich-Danchenko, fundou o Teatro de Arte de Moscou. Encarregado das montagens e da formação de atores, Stanislavski encenou diversas obras, destacando-se as realizadas a partir de textos de Tchecov (A gaivota, As três irmãs e O jardim das cerejeiras). Com elas criou um novo estilo, cujas principais características eram a naturalidade, a fidelidade histórica e a busca da verdade e da vida. A partir de 1905, consciente das limitações do naturalismo, começou a se deixar influenciar pelas correntes simbolistas. Escreveu livros determinantes para o desenvolvimento dos intérpretes – A preparação do ator e A construção do personagem.

SARTRE, Jean-Paul (1905-1980)

Filósofo, romancista e dramaturgo francês. Fundador da escola existencialista. Participou ativamente da Resistência e, ao término da Segunda Guerra Mundial, criou a revista Os tempos modernos. Suas peças, onde predominam as idéias, exibem uma construção perfeita, grande eficácia dramática e densidade ideológica. Suas principais obras são: As moscas, Entre quatro paredes, Mortos sem sepultura, A prostituta respeitosa, As mãos sujas, O Diabo e o bom Deus e Os seqüestrados de Altona.

STRASBERG, Lee (1901-1982)

Diretor norte-americano e professor de interpretação. Difundiu nos Estados Unidos o método de Stanislavski. Entre 1931 e 1937, foi a principal figura do Group Theatre, o mais renomado da época. Em 1947, Elia Kazan funda o Actor’s Studio, e logo Strasberg assume sua direção artística. Dentre seus alunos mais famosos podem ser citados Marlon Brando, Geraldine Page, Julie Harris e James Dean.

STREHLER, Giorgio (1921)

Diretor italiano, uma das personalidades mais influentes do teatro na segunda metade do século XX. Começou sua carreira artística como ator, encenador e crítico teatral. Em 1947 funda, com Paolo Grassi, o Piccolo Teatro de Milão, o primeiro teatro italiano “estável” e subvencionado pelo governo. Ao longo de toda a sua carreira, Strehler encarou o teatro como poderoso meio de comunicação e investigação de linguagens, tendo encenado mais de 200 peças. Dentre suas montagens mais célebres podem ser citadas: O mágico prodigioso, Os gigantes da montanha, Ricardo II, A morte de Danton, Macbeth, O jardim das cerejeiras, A ópera dos três vinténs e A alma boa de Setsuan. Strehler também dirigiu várias óperas, com especial destaque para Simon Boccanegra.

SHAFFER, Peter (1926)

Autor dramático inglês. Embora tenha começado sua carreira escrevendo comédias, suas principais obras são os dramas Equus e Amadeus, ambos escritos nos anos 70, e transformados em filmes de estrondoso sucesso.

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2012-01-11T06:31:00.000-08:00

PERSONALIDADES - S

TARDIEU, Jean (1903-1995)

Poeta e dramaturgo francês. Começou a escrever teatro experimental em 1947, e suas primeiras obras, peças curtas, foram reunidas em dois volumes (Teatro de câmera e Poemas para representar): Quem está aí?, A polidez inútil, O móvel e O balcão, entre outras. Estas peças investigam diversas possibilidades de expressão dramática. Mais adiante, Tardieu investe na questão da linguagem, praticamente abdicando do significado – A sonata e os três senhores, Conversação sinfonieta, Os amantes do metrô, O ABC de nossa vida e Uma voz sem ninguém. Jean Tardieu é considerado o mais genuíno representante do Teatro do Absurdo.

TERENCIO (190-159 a. de C.)

Autor dramático romano. Traduziu e adaptou comédias de Menandro e de outros autores da Nova Comédia grega. Suas comédias acontecem em ambientes refinados e cultos, podendo ser destacadas Andria, Hecyra, Eautontimorunemos, Eunuchus, Phormio e Adelphoe.

TESPIS (século VI a. de C.)

Autor dramático grego. Criador lendário da tragédia. Provavelmente se deve a ele a introdução de um ator como oponente do coro e do corifeu. O carro de Tespis, segundo a lenda, viajava pela Grécia exibindo representações dramáticas.

TIRSO DE MOLINA (1584-1648)

Autor dramático espanhol. Forma, juntamente com Lope de Veja e Calderón de la Barca, o trio de autores mais importante do teatro clássico espanhol. Cultivou todos os gêneros dramáticos criados por Vega e seguiu fielmente sua técnica e fórmulas dramáticas. Seu teatro tem como marcas a caracterização psicológica dos personagens, especialmente os femininos e por seu sentido realista, sendo particularmente bem-sucedido nas comédias de intriga amorosa. O teatro de Tirso de Molina também exibe riqueza e vivacidade de linguagem. Dentre suas principais obras podem ser citadas: A vingança de Tamar, A prudência na mulher, Dom Gil das calças verdes, Marta, a piedosa e O enganador de Sevilha.

TOLSTOI, Alexei (1883-1945)

Novelista e autor dramático russo. De família aristocrática, escreveu obras significativas, como O amor, A morte de Danton, Azev e O caminho da vitória. Mas certamente suas peças mais poderosas são Ivan, o terrível e o drama histórico Pedro I, baseado em sua novela homônima. Suas obras se caracterizam por uma mescla de elementos psicológicos com uma detalhada e crítica descrição dos sucessos históricos sociais.

TURGUENEV, Ivan (1818-1883)

Poeta, novelista e autor dramático russo, adepto do Realismo. Suas peças, nas quais o elemento propriamente dramático não é muito desenvolvido, antecipam alguns traços essenciais do drama de Tchecov: o impressionismo, o matiz psicológico, a melancolia e o tom lírico. Suas principais obras são: Um mês no campo, Insolvência e A provinciana.

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2012-01-11T06:27:00.000-08:00

PERSONALIDADES - V

VALLE-INCLÁN, RAMON MARÍA DEL (1866-1936)

Poeta, escritor e dramaturgo espanhol. Começou a escrever sob forte influência do Simbolismo francês. Em 1907 produz uma coletânea chamada Comédias bárbaras, na qual se incluem Áquila de blasón, Romance de lobos e Cara de plata. Tais obras têm como pano de fundo paixões primitivas e violentas, ambientadas em uma Galícia mítica, impregnada de uma visão de mundo dominada pela morte e pelo mal. Valle-Inclán também produziu um conjunto de farsas grotescas em verso – Farsa infantil de la cabeza del dragón, La Marquesa Rosalinda, Cuento de Abril e Farsa y licencia de la reina castiza. O autor acreditava que o sentido trágico da vida espanhola só poderia se materializar através de uma estética sistematicamente deformada, que ficou conhecida como “esperpento”. Além das obras já citadas, também podem ser destacadas Luces de Bohemia, Los cuervos de don Friolera, Las galas del difunto, La hija del capitán e La cabeza del Bautista.

VEGA, FÉLIX LOPE DE (1562-1635)

Poeta e autor dramático espanhol. Estudou na Universidade de Salamanca e participou da expedição da Armada Invencível (1588). Em 1614, se ordenou sacerdote. É considerado o criador do teatro nacional espanhol e estabeleceu definitivamente as fórmulas da Comédia Nova, que perduraram por mais de um século: redução do número de atos a três, liberdade métrica com predomínio do octasílabo, mescla de elementos cômicos e trágicos, recusa das três unidades, especialmente as de tempo e lugar. Suas comédias, que se caracterizam por seu lirismo, improvisação, predileção por elementos populares e pluraridade temática, dão mais importância à dinâmica da ação e à intriga do que à profundidade psicológica dos personagens. De sua extensa obra podem ser destacadas as peças El caballero de Olmedo, Peribáñez, El mejor alcalde el rey, Fuenteovejuna, El acero de Madrid, La dama boba e Los melindres de Belisa.

VICENTE, GIL (1465-1536)

Autor dramático português. Foi também músico, poeta e ator. Em suas obras dramáticas, algumas escritas em castelhano, fundiu harmonicamente o medieval e o renascentista. Em sua primeira fase produziu obras marcadas pela simplicidade e lirismo (Auto da visitação, Auto pastoril castelhano, Auto dos Reis Magos). Mais adiante, mesclou temas da tradição cristã com elementos bíblicos, pagãos e populares (Auto de Mofina Mendes, Auto dos quatro tempos, Auto de Sibila Cassandra). A complexidade dramática e temática caracteriza esta segunda fase, à qual pertence a magistral Trilogia das Barcas, inspirada nas antigas Danças da Morte. A barca do inferno é certamente sua obra mais interessante, especialmente por seus personagens – tipos populares estruturados com sentido realista. O teatro de Gil Vicente tem, como principal característica, um profundo lirismo de raiz popular.

VOLTAIRE (François-Marie Arouet), (1694-1778)

Escritor francês, foi o precursor da tragédia burguesa e do melodrama romântico do final do século XVIII e começo do XIX. Sua primeira obra, a tragédia Édipo, obteve grande êxito. Em 1726 vai para a Inglaterra e impressionado com as representações da obra de Shakespeare, escreve Brutus e Zaire. Ao regressar a Paris, produz mais algumas peças, dentre elas Adelaide du Guesclin, La mort de César e L’enfant prodige.

VIAN, BORIS (1920-1959)

Escritor, poeta e dramaturgo francês. Expoente e ídolo da juventude de Saint Germain no pós-guerra, renovou a tradição surrealista, da qual aproveitou o humor negro, o gosto pelo jogo e o espírito literário. Seus dramas se encaixam no chamado teatro do Absurdo, cabendo destacar L’équarrrisage pour tous, Le goûter des générales e sobretudo Les bâtisseurs d’Empire.

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2012-01-11T06:23:00.000-08:00

PERSONALIDADES - W

WEBSTER, John (1580-1625)

Autor dramático inglês do teatro elisabetano, um dos dramaturgos pós-shakespearianos mais interessantes. Escreveu obras em colaboração com Dekker, Marston e Middleton. Suas peças próprias são típicos dramas de horror, repletas de sangue e crueldades. “The white devil”, The duchess of malfi” e “The devil’s law case” são tragédias sombrias, com um gosto mórbido pelo macabro e pelo decadente. Webster continua sendo um autor muito representado na cena inglesa.

WEDEKIND, Frank (1964-1918)

Autor dramático alemão. Foi colaborador da revista satírica Simplizissimus, membro do famoso Kabarett, de Munique e ator de grande destaque. Comoçou sua carreira com dramas naturalistas sobre os problemas da juventude e seu choque com a moral burguesa. Deste período constam O mundo jovem e O despertar da primavera, esta última uma de suas obras mais importantes, na qual a temática antiburguesa e o simbolismo expressionista se acentuaram em suas obras seguintes – O espírito da terra e a segunda parte de A caixa de Pandora – em que criou o protótipo da mulher fatal. Sua postura cínica de boêmio e moralista antiburguês, sua exaltação do erotismo e sua predileção por personagens marginais (aventureiros, criminosos, prostitutas) impuseram ao dramaturgo constantes problemas com a censura.

WEILL, Kurt (1900-1950)

Compositor alemão, pianista nos cafés de Berlim nos anos 20, Weill foi assíduo colaborador de Brecht em Mahagonny (mais tarde convertida em ópera), Grandeza e decadência da cidade de Mahagonny e principalmente em Ópera dos três vinténs, que se tornou um êxito em todo o mundo. Weill também fez a música para várias peças didáticas de Brecht, como O vôo de Lindbergh, Aque que diz sim, aquele que diz não e Os sete pecados capitais. Em 1933 emigrou para os Estados Unidos, onde trabalho como compositor de musicais e também para o cinema.

WEISS, Peter (1916-1982)

Autor dramático e novelista alemão, um dos maiores representantes do chamado Teatro Documento. Emigrou em 1934 para Praga, depois para Estocolmo. Naturalizado sueco, surge no mundo teatral de forma arrebatadora com a obra histórico-política Marat/Sade, exemplo de teatro total com reminiscências de Büchner e Brecht. Nesta peça, Weiss põe em cena as contradições sociais e políticas de uma época, como indicadores de contradições existentes na época atual. A progressiva politização de seu teatro se manifesta em A indagação, oratório em prosa rítmica, sobre os campos de extermínio nazistas. Após um período afastado do teatro, retorna com O novo processo, baseado na novela de Kafka.

WESKER, Arnold (1932)

Autor dramático inglês. Junto a Arden, Pinter e Bond, dentre outros, é considerado um dos autores-chave do novo teatro inglês. A forma realista e a temática político-social determinam seu teatro. Escreveu, dentre outras, as peças Chicken soup with Barley, Roots, I’m talking about Jerusalém e The kitchen, sendo esta última uma de suas obras mais representadas em todo o mundo.

WILDE, Oscar (1856-1900)

Poeta, novelista e autor dramático irlandês. Filho de um médico, estudou em Dublin e em Oxford, onde, sob a influência do Simbolismo francês, desenvolveu suas idéias estéticas “decadentistas”. Defensor da arte pela arte, amoral e antiburguês, encabeçou o movimento “fim de século” inglês. Dentre suas peças mais famosas destacam-se “Salomé”, “Uma mulher sem importância”, “O marido ideal” e “A importância de ser honesto”. Acusado de perversão, Wilde passou dois anos na cadeia e não escreveu mais para o teatro.

WILDER, Thornton (1897- 1975)

Dramaturgo e novelista norte-americano. Estudou em Yale, Princeton e Roma. Foi professor nas universidades de Chicago e Harvard. Em suas primeiras peças, escritas para o teatro universitário, dá grande importância à improvisação e ao antinaturalismo. Mais adiante, já inserido no teatro profissional, produz algumas obras de grande sucesso, como Nossa cidade e A casamenteira – convertida no musical Hello Dolly.

WILLIAMS, Tennessee (1911-1983)

Dramaturgo norte-americano. Um dos maiores representantes do drama psicológico-realista dos Estados Unidos dos anos 40 e 50, claramente influenciado por O’Neill, Ibsen e Strindberg. Filho de um caixeiro-viajante, exerceu muitas profissões, enquanto cursava a universidade. Após escrever algumas peças que não obtiveram maior repercussão, estreou o grande sucesso O zoológico de cristal, considerada uma de suas melhores obras, na qual aparecem seus temas prediletos: o choque entre a realidade e a ilusão, a frustração, a solidão e a fragilidade psíquica. Mais adiante, produziu outras peças notáveis, como Um bonde chamado desejo, A rosa tatuada, Gata em teto de zinco quente, O doce pássaro da juventude e a Noite do iguana.

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2012-01-04T18:00:00.000-08:00

Deixar o texto falar

oficina com ANA KFOURI

          A proposta dessa oficina é trabalhar a palavra liberta do peso do sentido já dado, ou seja, do significado estabelecido a priori. O ator precisa se libertar da necessidade que muitas vezes se tem de explicitar as palavras, de querer comunicar, de querer ser compreendido.

          Essa oficina visa orientar os atores a deixarem de lado um eu que fala, estimulando-os a se aventurarem na experiência da linguagem entendida como criação e não como comunicação. A idéia é orientá-los a permitir o texto falar por si só, sem a busca de um fechamento de sentido do mesmo. Para tal, o ator precisa se libertar de uma construção psicológica em sua atuação, e experimentar, então, a potência da fala, uma fala falada e brincada pelo vigor do corpo, por sua respiração, por sua potencialidade poética. Uma fala desprovida de sentimentalismos.

          Textos de autores como Samuel Beckett, Valère Novarina, Antonin Artaud, Nelson Rodrigues e Hilda Hilst, entre outros, estimulam a se acreditar na fala como uma protagonista da cena, pois são autores que estão longe de pensar o teatro como representação do mundo ou da realidade. São textos que apresentam uma independência em relação ao sujeito. E o artista é artista exatamente quando não é sujeito, e sim quando se torna uma abertura para a arte. São textos que estilhaçam nosso lado racional, lógico, ordenador. E oferecem um grande desafio para o ator: deixar o texto falar!

Valor: 550,00 a vista

Ou 2X de $300,00

Informações e inscrições:

THIAGO CHAGAS

21-8229-9889

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2012-01-03T17:43:00.001-08:00

Caros amigos

Está dada a largada para o grande rally 2012. Os motores dos jipes rugem como leões na selva. Mas, e quanto ao caminho a seguir? Faltou algo no meio disso tudo? Uma velha vontade escondida, adiada, de entre um e outro trecho desse grande rally, poder sentar embaixo de uma árvore e num caderno empoeirado de estrada, contar uma história? Uma história vinda de um sonho intrigante, de um personagem que não sai da sua cabeça ou de surpresas e reviravoltas incríveis? Ou quem sabe somente uma singela história vivida no pequeno mundo de dois amantes ou de um velho solitário? Ou uma revolução silenciosa que está acontecendo debaixo dos nossos narizes?

Não importa. O importante é a sua vontade de contar essa história.

E se ela for grande, for irresistível e você sentir que precisa de cúmplices, estamos aqui:

O Núcleo de Roteiro e Dramaturgia da CAL traz dois cursos especial e carinhosamente elaborados para aqueles que desejam ser autores de teatro, cinema e tv.

Eu abro as portas para meu curso de noções básicas de roteiro e dramaturgia e o talentoso Pedro Freire dará continuidade aos trabalhos de dramaturgos falando sobre sua principal matéria prima: o ator.

Abaixo um pouco mais de informações. Se te interessar, venha. Se interessar àquele seu amigo querido, por favor, repasse.

Aproveito para recomendar aos amigos de Brasília a peça "Filha, mãe, avó e puta", adaptação minha, direção de Guilherme Leme, com Alexia Dechamps e Louri Nelson. Uma história real que não se pode deixar de conhecer!

E bom rally para todos, com paz, saúde e amor!

Marcia Z.

ROTEIRO E DRAMATURGIA - Marcia Zanelatto

Programa especial de introdução:

Um pouco de Aristóteles não faz mal a ninguém: ação dramática, ordem e extensão, unidades de ação, tempo e espaço - desde os gregos.

Você pode até não querer usar, mas quando viu já está lá: a dimensão mítica dos personagens e a trajetória do herói.

As quatro estações do dramaturgo: story line, sinopse, argumento e (SÓ ENTÃO) diálogos.

Escaleta: muito mais que um resumo, a hora das elipses.

Estrutura: agora que você já conhece a sua história, é que o trabalho começa.

Especialmente voltado para aqueles que não conseguem terminar de escrever suas obras, ou que estão morrendo de medo de começar.

Um workshop para quebrar o mito da escrita e torná-la um exercício diário. Coragem.

Não é necessária experiência anterior. Relaxa.

PERÍODO: de 16/01 a 25/01 (4 encontros)

HORÁRIO: 2ª e 4ª, das 19:30 às 22:00

VALOR: Inscrição de R$ 90,00 + R$ 305,00 (taxa do curso)

Até o dia 16/12, R$ 90,00 + R$ 285,00

Ou no ato de inscrição: R$ 90,00 (taxa de Inscrição) + R$ 155,00 +

R$ 140,00 (cheque pré-datado para o dia 09/01)

MARCIA ZANELATTO

é dramaturga, roteirista e diretora. Atualmente está em cartaz sua adaptação para o teatro de “Filha, mãe, avó e puta”, com direção de Guilherme Leme, no CCBB Brasília. Vencedora da edição de 2009 do concurso nacional de dramaturgia do CCBB, com a peça “Tempo de Solidão”, sucesso de crítica e público, com direção de Ivan Sugahara. Espetáculo premiado pelo Circuito das Artes da Secretaria de Cultura do Estado.

Foi co-roteirista de Domingos Oliveira no filme “Juventude”, com Paulo José e Aderbal Freire-Filho, ganhador do Kikito de Melhor Roteiro em Gramado. Foi assistente de direção em “Juventude” e em “Todo mundo tem problemas sexuais”, com Pedro Cardoso, Claudia Abreu e grande elenco. Dirigiu a peça “Apocalipse segundo Domingos Oliveira”, com Gregório Duvivier e Grupo Fúria em temporada de sucesso no Teatro dos 4, Canecão, Teatro dos Grandes Atores e Teatro da UFF.

Sua peça “Eles não usam tênis naique” foi premiada no concurso Sexualidade, Violência e Justiça nos Espaços Populares, do Cesec, Fundação Ford e Ceasm. Com Luiz Eduardo Soares e Domingos Oliveira, escreveu a versão teatral para o livro Tropa de Elite, a peça “Confronto”.

Também é autora do romance “Revolução Guanabara” e poeta premiada pela Academia Petropolitana de Letras.

Escreveu roteiros para o sitcom “Anjos do Sexo”, da BAND. É autora e co-diretora do filme “Depois do Medo”.

DIREÇÃO DE ATORES PARA AUTORES

com

PEDRO FREIRE

Este curso tem por objetivo apresentar aos autores, roteiristas e dramaturgos o trabalho de direção de atores, possibilitando uma relação de criação conjunta onde o ator passa a ser um efetivo colaborador artístico na dramaturgia de um filme, de um programa de TV ou de uma peça teatral. As necessidades do ator, o trabalho sobre os personagens, os diferentes métodos de direção de atores são temas que serão aprofundados, rompendo a barreira entre autor e ator.

As aulas serão teóricas e práticas, e os alunos contarão com a presença de atores profissionais em classe.

PERÍODO: de 12/01 a 16/02 (6 encontros)

HORÁRIO: 5ª, das 19:30 às 22:00

VALOR: Inscrição de R$ 90,00 + R$ 350,00 (taxa do curso)

Até o dia 23/12, R$ 90,00 + R$ 330,00

Ou

No ato de inscrição: R$ 90,00 (taxa de Inscrição) + R$ 180,00 + R$ 160,00 (cheque pré-datado para o dia 09/01)

PEDRO FREIRE

Diretor e roteirista de cinema, teatro e televisão. Graduado em Direção na Escola de Cinema de San Antonio de los Baños, em Cuba. Estudou também direção de teatro e roteiro em Madrid, onde viveu por 2 anos, e no Rio de Janeiro, onde mora atualmente. Seus curtas foram exibidos em diversos festivais importantes pelo mundo, como Festival de Veneza, Cinéma du Réel (Centre Georges Pompidou), Oberhausen, Turim, Festival do Rio e Gramado, onde ganhou três prêmios com o curta “O Teu Sorriso”, com Paulo José e Juliana Carneiro da Cunha. Dirigiu também a peça teatral “Outros Tempos”, de Harold Pinter, e diversos programas para a TV a cabo. Trabalhou como Assistente de Direção ou Preparador de Elenco para diretores como Karim Aïnouz, Bia Lessa, Sérgio Machado, Enrique Diaz, Marcelo Gomes, Paulo Morelli, Eduardo Valente, Jonathan Nossiter, Lúcia Murat. Deu aulas de direção e roteiro em instituições diversas como Escola Darcy Ribeiro, ONG Nós do Morro e Estação Botafogo. Tradutor de 4 peças teatrais.

Inscrições e maiores informações:

CAL: Rua Rumânia, 44 – Laranjeiras – RJ – www.cal.com.br – (21) 2225-2384 / 2556-3063 / 2225-7270

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procurando marcia zanelatto - um inventário de 20 anos de carreira:

http://procurandomarciazanelatto.blogspot.com/

2012-01-03T17:40:00.001-08:00

2012-01-01T12:32:00.000-08:00

"Si nada nos salva de la muerte,
al menos que el amor nos salve
de la vida".

Pablo Neruda

2011-12-28T09:55:00.000-08:00

TEMPORADA TEATRAL 2011

DESTAQUES

AUTOR

Eduardo Wotzik - "Estilhaços"

Felipe Rocha - "Ninguém falou que seria fácil"

Cristovão Tezza - "O filho eterno"

Pedro Kosovski - "Outside"

Beatriz Sayad/Dani Barros - "Estamira - beira do mundo"

DIRETOR

João Fonseca - "R & J de Shakespeare: juventude interrompida"

Cibele Forjaz - "O idiota"

José Wilker - "Palácio do fim"

Daniel Lobo - "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Christiane Jatay - "Julia"

ATOR

Gilberto Gawronski - "Ato de comunhão"

José Mayer - "Um violinista no telhado"

Charles Fricks - "O filho eterno"

Tiago Abravanel - "Tim Maia - vale tudo, o musical"

Isaac Bernat - "Mão na luva"

ATRIZ

Barbara Paz - "Hell"

Dani Barros - "Estamira - beira do mundo"

Vera Holtz - "Palácio do fim"

Ana Terra - "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Patrícia Niedermeier - "Orlando"

CENOGRAFIA

Laura Vinci - "O idiota"

Marcos Flaksman - "Palácio do fim"

Flávio Graff - "Outside"

Marcelo Lipiani - "Julia"

Rogério Falcão - "Um violinista no telhado"

FIGURINOS

Joana Porto - "O idiota"

Juliana Nicolay - "Estamira - beira do mundo"

Flávio Graff - "Outside"

Emilia Duncan - "A escola do escândalo"

Marcelo Pies - "Um violinista no telhado"

ILUMINAÇÃO

Renato Machado - "Outside"

Alessandra Domingues - "O idiota"

Maneco Quinderé - "Palácio do fim"

Djalma Amaral - "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Luiz Paulo Nenem - "R & J de Shakespeare: juventude interrompida"

TRILHA SONORA/ ARRANJOS/ MÚSICA/ DIREÇÃO MUSICAL

João Carlos Assis Brasil - trilha sonora e direção musical de "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Marcos Ribas de Faria - trilha sonora de "A esposa e a noiva"

Otávio Ortega - trilha sonora e direção musical de "O idiota"

Tato Taborda - música original de "Retorno ao deserto"

Alexandre Elias - arranjos e direção musical de "Tim Maia - vale tudo, o musical"

CATEGORIA ESPECIAL

Teatro Tablado - 60 anos de atividade

Aury Porto - adaptação teatral de "O idiota"

Sergio Fonta - lançamento do livro "Rubens Corrêa: um salto para dentro da luz"

Paulo Reis - revitalização do Parque Lage como espaço teatral e formação de platéia com o evento "Shakesparque"

Marieta Severo e Andréa Beltrão - criação do Teatro Poeirinha

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2011-12-22T08:51:00.000-08:00

Erasmo de Rotterdam

          Erasmo Desidério, ou Erasmo de Rotterdam, como ficou conhecido devido ao seu local de nascimento, ou, ainda, Voltaire Latino, apelido que lhe foi dado em virtude de suas críticas à Igreja católica, é uma figura central para se entender as transformações pelas quais passou a fé religiosa e o pensamento ocidental, da Idade Média à época moderna.

          Nasceu em meados do século XV, como fruto da ligação ilícita entre um padre e uma moça, e recebeu uma forte educação religiosa e latinista. Com o objetivo de estudar e subsistir, abraçou o sacerdócio por volta de 1492 (para abandoná-lo logo depois) e em Paris, na Sorbonne, aprimorou-se no pensamento clássico. Viajou e lecionou em vários países, como Inglaterra (Cambridge), Bélgica e Espanha, sendo recebido por outros estudiosos e por nobres.

          Ao longo desta carreira teológica e acadêmica, a natureza pacifista de Erasmo foi imersa nos manuscritos escolásticos e nos detalhes dos dogmas católicos, de modo que, desta imersão, o que veio à tona foi a percepção - vista de dentro - das contradições e do pensamento obsoleto da Igreja católica. Erasmo, como humanista que era, acreditava que a razão tinha de ser de utilidade ao homem (e não o contrário), e, assim, criticava com ferocidade teólogos e filósofos que, através de uma retórica vazia e hermética, perpetuavam o pensamento das trevas e defendiam uma fé católica artificial e incoerente.

          Se opôs à violência do reformista Lutero, pois acreditava que o catolicismo devia ser reformado internamente, sem cismas nem sangue. Diferentemente do pastor alemão, que pregava em meio ao povo, Erasmo pertencia à República dos letrados, casta nascente que começava a reivindicar suas prerrogativas, acreditando no futuro de uma humanidade guiada pelas luzes da razão. É o apóstolo de uma mudança suave, dotado de uma visão evolucionista.

           A sua obra mais importante do ponto de vista teólógico é Colóquios. Mas é em Elogio da Loucura, escrita em 1501, que Erasmo chega às raias com sua veia satírica, recheando de humor os absurdos da filosofia, da fé e, mais universalmente, do comportamento humano - sendo, deste modo, totalmente acessível ao leitor leigo. O texto foi escrito na Inglaterra, na casa do pensador Thomas Moore (que, não por acaso, verteu seu pacifismo na obra Utopia, na qual esboçava uma sociedade na qual todas as nações e todos os homens viveriam em paz).

          Quem fala, em Elogio da Loucura, é a própria Loucura. A insanidade demonstra como está presente na vida dos homens e tudo que estes a ela devem, pois é ela, a Loucura, e ninguém mais, que move o mundo. O que, na verdade, o humanista Erasmo faz é nos convidar a observar - com humor e compaixão, além de identificação - a natureza humana e suas fraquezas, de modo a nos adaptarmos racionalmente a ela.

          Nas suas inúmeras referências a divindades antigas, o que se vê é uma estocada ao pensamento ortodoxo católico; quando escreve "A verdadeira prudência consiste, já que somos humanos, em não querer ser mais sábios do que nossa natureza o permite", Erasmo fala aos seus pares filósofos e teólogos que deixavam que a obsessão pela verdade única e incontestável cegase-lhes os olhos frente à realidade complexa.

          Em 1542, seis anos após sua morte, aquele que era um dos intelectuais mais célebres e respeitados da sua época, o astro em torno do qual gravitava tudo o que a Europa contava de melhor, é decretado pelos teólogos da Sorbonne como "louco, insensato, injurioso a Deus, a Jesus Cristo, à Virgem, aos Santos, às prescrições da Igreja, às cerimônias eclesiásticas, aos teólogos, às ordens mendicantes".

          Erasmo acabou por ser visto como a ave que incubou o ovo do qual saiu a Reforma. E o próprio Elogio não era, certamente, desprovido de vontade reformadora. Mas como o que ele apresentava era uma purgação que devia ocorrer no seio da Igreja católica (ao passo que Lutero procedeu à amputação), Erasmo - intelectual que tinha horror a toda idéia cismática - anunciava, antes, o espírito da Contra-Reforma.

           Outras de suas obras são: Adágios, Desprezo do Mundo e De libero arbitrio.
________________
Extraído de Elogio da Loucura, L&PM POCKET, tradução de Paulo Neves.

2011-12-22T06:10:00.000-08:00

Prêmio Shell de Teatro 2011

INDICAÇÕES

A Homenagem Especial desta edição é dedicada a Barbara Heliodora pelo exercício da crítica teatral ao longo dos últimos 54 anos.

Nesta edição, o júri do Rio de Janeiro foi formado por Fabiana Valor (atriz e bailarina), Helena Varvaki (atriz e professora), João Madeira (diretor do grupo AfroReggae), Macksen Luiz (crítico teatral) e Sérgio Fonta (dramaturgo, diretor e ator).

AUTOR:

· Eduardo Bakr - “4 Faces do Amor”

· Rodrigo Nogueira - “Obituário Ideal”

· Felipe Rocha - “Ninguém Falou Que Seria Fácil”

· Pedro Brício - “Me Salve, Musical”

DIREÇÃO:

· Christiane Jatahy - “Julia”

· Inez Viana - “Amor Confesso”

· José Wilker - “Palácio do Fim”

· Daniel Herz - “Adultério”

· Gabriel Villela - “Crônica da Casa Assassinada”

ATOR:

· Gracindo Junior - “Judy Garland – O fim do arco-íris”

· Rafael Primot - “Inverno da Luz Vermelha”

· Charles Fricks - “O Filho Eterno”

· Gilberto Gawronski - “Ato de Comunhão”

· José Mayer - “Um Violinista no Telhado”

ATRIZ:

Claudia Netto - “Judy Garland – O fim do arco-íris”

Dani Barros - “Estamira – Beira do Mundo”

Vera Holtz - “Palácio do Fim”

· Debora Olivieri - “Rosa”

· Letícia Isnard - “A estupidez”

CENÁRIO:

· Daniela Thomas - “Inverno da Luz Vermelha”

· Marcelo Lipiani - “Julia”

· Fernando Mello da Costa - “Um Coração: Fraco”

· Marcelo Lipiani e Lídia Kosovski - “Cozinha e Dependências – Um dia como os outros”

· Márcio Vinícius - “Crônica da Casa Assassinada”

FIGURINO:

· Beth Filipecki e Renaldo Machado - “Palácio do Fim”

· Marcelo Pies - “Judy Garland – O fim do arco-íris”

· Flavio Graff - “Outside: um musical noir”

· Gabriel Villela - “Crônica da Casa Assassinada”

ILUMINAÇÃO:

· Fernanda Mantovani - “Breve Encontro”

· Maneco Quinderé - “Palácio do Fim”

· Aurélio de Simoni - “O Filho Eterno”

· Domingos Quintiliano - “Crônica da Casa Assassinada”

MÚSICA:

· Liliane Secco - “4 Faces do Amor”

· Warley Goulart - “Não Me Diga Adeus”

· André Aquino e João Bittencourt - “R&J de Shakespeare, juventude interrompida”

· Marcelo Castro - “Um Violinista no Telhado”

CATEGORIA ESPECIAL:

· Christiane Jatahy - adaptação do clássico “Senhorita Julia”, de Strindberg, para o espetáculo “Julia”

· Teatro Tablado - 60 anos de atividade

· Marcia Rubin - direção de movimento dos espetáculos “Escola do Escândalo”, “O Filho Eterno”, “A Lua Vem da Ásia” e “Outside: um musical noir”.

· Teatro do Pequeno Gesto - publicação da revista Folhetim dedicada a Nelson Rodrigues e sua manutenção ao longo de 13 anos.

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2011-12-21T09:41:00.000-08:00

FELIZ NATAL

Quisera Senhor, neste Natal, armar uma árvore e nela pendurar, ao invés de bolas, os nomes de todos os meus amigos.

Os amigos de longe, os amigos de perto. Os antigos e os mais recentes. Os que vejo a cada dia e os que raramente encontro.

Os sempre lembrados e os que às vezes ficam esquecidos. Os constantes e os intermitentes.

Aqueles a quem conheço profundamente e aqueles de quem conheço só a aparência.

Os que me devem e aqueles a quem muito devo.

Meus amigos humildes e meus amigos importantes.

Os nomes de todos os que já passaram pela minha vida.

Uma árvore de raízes muito profundas para que seus nomes nunca sejam arrancados do meu coração.

De ramos muito extensos para que novos nomes, vindos de todas as partes, venham juntar-se aos já existentes.

Uma árvore de sombras muito agradáveis, para que nossa amizade seja um momento de repouso nas lutas da vida...

A todos os queridos parceiros deste modesto blog desejo que tenham um super Natal e que 2012 seja o ano mais feliz de nossas vidas!!!

2011-12-20T10:10:00.000-08:00

Sobre a leitura e os livros

Arthur Schopenhauer

10.

          Seria bom comprar livros se fosse possível comprar, junto com eles, o tempo para lê-los, mas é comum confundir a compra dos livros com a assimilação de seu conteúdo.

          Exigir que alguém tivesse guardado tudo aquilo que já leu é o mesmo que exigir que ele ainda carregasse tudo aquilo que já comeu. Ele viveu do alimento corporalmente e do que leu, espiritualmente, e foi assim que se tornou o que é. Mas, da mesma maneira que o corpo assimila o que lhe é homogêneo, o espírito guarda o que lhe interessa, ou seja, o que diz respeito a seu sistema de pensamentos ou o que se adpata a suas finalidades.

          Certamente todos têm as suas finalidades, mas poucas são as pessoas que possuem algo semelhante a um sistema de pensamentos, de modo que não é um interesse objetivo o que os move, e é esse o motivo pelo qual nada do que lêem é assimilado e eles não conservam coisa alguma.

          A repetição é a mãe do estudo. Cada livro importante deve ser lido, de imediato, duas vezes, em parte porque as coisas são melhor compreendidas na segunda vez, em seu contexto, e o início é entendido corretamente quando se conhece o final; em parte porque, na segunda vez, cada passagem é acompanhada com outra disposição e com outro humor, diferentes dos da primeira, de modo que a impressão se altera, como quando um objeto é observado sob uma luz diversa.

          As obras são a quintessência de um espírito: em conseqüência disso, por maior que seja o espírito, elas terão sempre uma riqueza de conteúdo maior do que a possibilitada pelo contato com o autor e substituirão sua companhia no que é essencial, aliás, na verdade a superam de longe e a deixam para trás.

          Até os escritos de uma cabeça mediana podem ser instrutivos, divertidos e dignos de leitura, exatamente porque são a quintessência, o resultado, o fruto de todo o seu pensamento e estudo, enquanto sua companhia não nos poderia satisfazer. Isso explica porque é possível ler livros de pessoas em cuja companhia não encontraríamos nenhuma satisfação, e também é por esse motivo que a cultura espiritual elevada nos leva gradativamente a encontrar prazer apenas nos livros, não mais nos homens.

          Não há nenhum conforto maior para o espírito do que a leitura dos clássicos antigos: logo que uma pessoa tem em mãos qualquer um deles, mesmo que seja por meia hora, sente-se imediatamente renovado, aliviado, purificado, elevado e fortalecido; é como se tivesse bebido de uma fonte de água fresca em meio aos rochedos. Será que essa impressão se deve às línguas antigas e à sua perfeição? Ou à grandeza dos espíritos cujas obras sobreviveram aos milênios, intactas, sem perder seu vigor?

          Talvez aos dois fatores ao mesmo tempo. Mas de uma coisa eu sei: se o ensino das línguas antigas um dia chegar ao fim, como há o risco de acontecer agora, surgirá uma nova literatura, constituída de escritos tão bárbaros, rasos e sem valor como nunca se viu. Ainda mais quando a língua alemã, que de fato possui algumas das perfeições das antigas, é dilapidada e maltratada de modo apressado e metódico pelos escribas sem valor da "atualidade", de tal maneira que ela se transforma gradativamente, empobrecida e aleijada, num miserável jargão.

          Há duas histórias: a política e a da literatura e da arte. A primeira é a história da vontade, a segunda, a do intelecto. É por isso que a primeira geralmente é angustiante, mesmo terrível: medo, necessidade, engano e assassinatos horríveis, em massa. A outra, em contrapartida, é agradável e jovial, assim como o intelecto isolado, mesmo quando descreve erros e descaminhos. Seu ramo principal é a história da filosofia.

          Na verdade, esta constitui seu baixo fundamento, que ressoa até mesmo na outra história e conduz a opinião a partir de seu fundamento, mas é a opinião que governa o mundo. Assim, a filosofia também é, entendida em seu sentido próprio, o mais poderoso material, embora seu efeito seja muito lento.
__________________
Extraído de A arte de escrever (L&PM POCKET)

2011-12-20T06:06:00.000-08:00

TEMPORADA TEATRAL 2011

Destaques do 2º Semestre

A relação que se segue contempla, no máximo, cinco profissionais por categoria, cabendo a ressalva de que o critério foi adotado em função de excessos e/ou carências em algumas categorias. Na categoria ATRIZ, por exemplo, minha lista seria enorme, e assim aproveito para me desculpar com as excelentes profissionais que tanto elogiei mas que, dado o exposto, não constam da presente seleção.

AUTOR:

Nelson Motta - "Tim Maia - vale tudo, o musical"

Daniela Pereira de Carvalho - "Nem um dia se passa sem notícias suas"

Daniel Lobo - "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Beatriz Sayad/ Dani Barros - "Estamira - beira do mundo"

DIRETOR:

Cibele Forjaz - "O idiota"

Daniel Lobo - "Nise da Silveira - senhora das imagens"

José Wilker - "Palácio do fim"

Beatriz Sayad - "Estamira - beira do mundo"

Christiane Jatahy - "Julia"

ATOR:

Daniel Dantas - "Na selva das cidades"

Marcelo Olinto - "Na selva das cidades"

Tiago Abravanel - "Tim Maia - vale tudo, o musical"

Isaac Bernat - "Mão na luva"

Antonio Petrin - "Palácio do fim"

ATRIZ:

Patrícia Niedermeier - "Orlando"

Debora Olivieri - "Rosa"

Ana Terra - "Nise da Silveira - senhora dos afogados"

Vera Holtz - "Palácio do fim"

Dani Barros - "Estamira - beira do mundo"

CENOGRAFIA:

Marcelo Lipiani - "Julia"

Laura Vinci - "O idiota"

Flávio Graff - "Orlando"

Bia Junqueira - "Cartas de Maria Julieta & Carlos Drummond de Andrade"

Marcos Flaksman - "Palácio do fim"

FIGURINOS:

Joana Porto - "O idiota"

Ruy Cortez - "Tim Maia - vale tudo, o musical"

Bruno Cesário - "Orlando"

Juliana Nicolay - "Estamira - beira do mundo"

ILUMINAÇÃO:

Tomás Ribas - "Estamira - beira do mundo"

Alessandra Domingues - "O idiota"

Djalma Amaral - "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Paulo César Medeiros - "Cartas de Maria Julieta & Carlos Drummond de Andrade" e "Mulheres sonharam cavalos"

Maneco Quinderé - Palácio do fim"

TRILHA SONORA/ ARRANJOS/ MÚSICA/ DIREÇÃO MUSICAL:

Rodrigo Marçal - direção musical de "Julia"

Otávio Ortega - trilha sonora e direção musical de "O idiota"

Alexandre Elias - arranjos e direção musical de "Tim Maia - vale tudo, o musical"

João Carlos Assis Brasil - trilha sonora e direção musical de "Nise da Silveira - senhora das imagens"

Marcelo Alonso Neves - música de "Palácio do fim"

CATEGORIA ESPECIAL:

Teatro Tablado - 60 anos de atividade

Aury Porto - adaptação teatral de "O idiota"

Alexandre Rudáh - vídeos de "Orlando"

Sergio Fonta - lançamento do livro "Rubens Corrêa: um salto para dentro da luz"

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2011-12-14T08:57:00.000-08:00

Teatro Grego

Atendendo a muitos pedidos, transcrevo a seguir um resumo da obra dos quatro mais importantes dramaturgos da Grécia Antiga, berço do teatro: Ésquilo, Sófocles, Eurípedes e Aristófanes - os três primeiros autores trágicos e o último, o maior comediógrafo da Antigüidade. O presente material foi extraído de 501 Grandes Escritores, que pode ser adquirido em qualquer banca de jornal pela módica quantia de R$ 19,99 (Editor Geral: Julian Patrick. Prefácio de John Sutherland. Editora Sextante)

ÉSQUILO

NASCIMENTO: 525 a.C (Elêusis, próximo a Atenas, Grécia)

MORTE: 455 a.C (Gela, Sicília)

ESTILO e GÊNERO: com uma linguagem repleta de riqueza descritiva e imagens complexas, Ésquilo fez inovações ousadas na forma dramática e deu destaque a temas políticos e religiosos.

PRINCIPAIS OBRAS:

Os persas
Os sete contra Tebas
As suplicantes
Prometeu acorrentado
Oréstia

          O epitáfio de Ésquilo dizia simplesmente que ela havia lutado contra os persas em Maratona, em defesa de sua Atenas natal. Omitia, porém, o vigor de seus feitos literários: sua inovações formais tiveram um papel decisivo nos primórdios da tragédia grega, e sua poesia é notável pela força contínua e pela beleza das imagens.

          Nascido quando Atenas ainda era governada por um tirano, Ésquilo testemunhou a fundação da democracia ateniense e a aurora da era clássica. Durante uma carreira que durou quase meio século, ele produziu cerca de 80 peças, das quais apenas sete sobreviveram. Cada uma dessas peças demonstra a influência da era de transição em que foram escritas, caracterizadas por preocupações políticas com a democracia que ainda dava seus primeiros passos.

           Acompanhando essa consciência política está arraigada uma sensibilidade religiosa que, ao reconhecer a responsabilidade individual, considera que as ações humanas estão inextricavelmente vinculadas à vontade divina. O progresso humano é possível, mas apenas por meio do sofrimento imposto pelos deuses (tema que é magistralmente exemplificado na obra-prima de Ésquilo, a trilogia Oréstia)

          A seriedade dos temas enfrentados pelo autor combina com a majestade de seu estilo. Delicia-se em enfileirar uma sequência de adjetivos compostos e misturar imagens, e valoriza mais a grandeza misteriosa do que a clareza. Além de ser um poeta de primeira linha, Ésquilo foi o mais inovador dos antigos autores de tragédias e responsável pela introdução do segundo ator (a tragédia anteriormente envolvia apenas um ator e o coro).

          Com essa combinação de estilo refinado e inovação ousada, Ésquilo abriu caminho para a era de ouro do teatro clássico e preparou o palco para a entrada de seus sucessores, Sófocles e Eurípedes.

SÓFOCLES

NASCIMENTO: 496 a.C (Hippelos Colonus, Grécia)

MORTE: 406 a.C (Atenas, Grécia)

ESTILO E GÊNERO: Sófocles foi um dramaturgo de escritos ousados, compactos e contidos (se comparados com os de Ésquilo). Usava o contraste de personagens, temas e climas e empregava a ironia com grande habilidade.

PRINCIPAIS OBRAS:

Aias
Antígona
As traquínias
Édipo rei
Édipo em Colono
Electra
Filoctetes

          Durante sua longa vida, Sófocles de Atenas escreveu 123 peças e competiu tanto com Ésquilo quanto com Eurípedes. As sete tragédias remanescentes exploram a grandeza e o sofrimentro de seres humanos exepcionais, com habilidades quase divinas, que precisam escolher entre um desastre certeiro ou um compromisso que trairia a natureza heroica que os separa dos mais comuns dos mortais. A habilidade dramatúrgica de Sófocles foi reconhecida desde Aristóteles, que elogiava seu domínio do ritmo narrativo e da tensão dramática, até então sem paralelos.

          Quando a loucura enviada pelos deuses faz com que Ajax traga a desgraça para si em Troia, em Aias, um feroz senso de honra e de vergonha não permite que reste ao mais poderoso guerreiro grego outra opção além do suicídio. Édipo rei dramatiza como a própria inteligência que outorga poder ao monarca conduz sua implacável busca pela verdade, levando em seguida à loucura, à cegueira autoprovocada e ao exílio.

          Esses dilemas trágicos podem ser compreendidos em termos políticos mais amplos como confronto entre valores de um passado homérico, que privilegiava o indivíduo, e os contemporâneos, da democracia ateniense do século V, que servia aos interesses da comunidade e desencorajava comportamentos extremos.

          A intransigência heroica leva a um isolamento total e assustador, até mesmo dos deuses, em um mundo governado por um destino misterioso e cruel. As traquínias nos mostra que Zeus não salvará nem mesmo seu filho Héracles (Hércules, na versão latina), modelo do heroísmo grego, de uma morte torturante que o despe tanto de sua carne quanto da sua celebrada masculinidade.

          Porém, a opção livre e autônoma do sofrimento no lugar da aceitação das limitações humanas dota os heróis de Sófocles de assombro e poder num mundo onde o passado não lega qualquer conhecimento, o futuro não reserva esperanças e o presente traz apenas padecimento.

EURÍPEDES

NASCIMENTO: 480 a.C (Salamis, Grécia)

MORTE: 406 a.C (Macedônia)

ESTILO E GÊNERO: Eurípedes foi o enfant terrible da tragédia grega do século V a.C. Seus protagonistas desfigurados pela guerra exibem um ceticismo sofista e sofisticado em relação aos mitos e heróis.

PRINCIPAIS OBRAS:

Medeia
Hipólito
Hécuba
Electra
As troianas
Helena
Ifigênia em Áulis
As bacantes

          Fascinado por deuses e monstros, Eurípedes poderia ser chamado de o primeiro dramaturgo moderno. Embora evitasse a política - ao contrário de seus contemporâneos mais velhos e de Sófocles, seu rival -, Eurípedes deixava clara sua desilusão pela cultura ateniense, vestindo seus heróis com farrapos. Em As troianas, chegou a criticar abertamente a política de relações exteriores da cidade-estado ao comparar o massacre de Melos com a destruição de Troia - vista, de forma incomum, pelo ponto de vista dos troianos.

          Para protestar contra a Guerra do Vienã, em 1971, Michael Cocoyannis filmou As troianas valendo-se de uma tradução feita por Edith Hamilton em 1937, que via Eurípedes como um pacifista vivendo em uma era beligerante. Certamente, suas outras peças sobre os mitos heroicos fundadores da Grécia - Helena, Ifigênia em Áulis e Hécuba - perguntam "Guerra? Para que serve?". Peças como As bacantes, que satirizam os fundadores da Grécia, revelam o autor como um iconoclasta. Seus deuses, como o Baco selvagem e carismático, são monstros. Mais do que isso, são políticos.

          Enquanto as peças de Ésquilo sugerem um temor ritual pela incompreensão das ações dos deuses, e os dramas de Sófocles exploram sua lógica de longo prazo, Eurípedes vê os deuses e os seres humanos envolvidos em uma dança do poder volúvel, egoísta, profunda e dolorosamente constrangedora.

          Embora considerado um poeta menor em comparação a seus predecessores, Eurípedes demonstra sua sagacidade selvagem ao olhar o lado oculto das palavras e dos personagens. Em Medeia, várias vezes atribui-se à heroína a qualidade de sophronsyne, o mais alto nível de sabedoria masculina para os gregos. Eurípedes quer demonstrar, em parte, que sophronsyne é diferente para as mulheres e também que o pensamento, como todos os dons dos deuses, é uma faca de dois gumes. Suas peças ainda são afiadas o bastante para lacerar.

ARISTÓFANES

NASCIMENTO: 448 a.C (Provavelmente Atenas, Grécia)

MORTE: 388-385 a.C (local desconhecido)

ESTILO E GÊNERO: considerado o mais representativo da comédia grega por seu estilo, que une deboche e invenções pessoais à sátira política e paródia sutil da literatura.

PRINCIPAIS OBRAS:

Os acarnenses
Os cavaleiros
As nuvens
As vespas
A paz
As aves
Lisístrata
As tesmoforiantes
As rãs
A revolução das mulheres
Um deus chamado dinheiro

          O primeiro perfil de Aristófanes encontra-se em Simpósio, de Platão, um retrato amistoso de um homem que apreciava os prazeres da vida e era, como suas comédias, ao mesmo tempo divertido e sério. A maior parte do material biográfico sobre Aristófanes, porém, não é comprovada e provavelmente baseia-se em suas peças.

          Os acarnenses, sua obra mais antiga a sobreviver, incorpora preocupações altamente atuais e enredos fantásticos característicos das peças "políticas" da velha comédia de Atenas do século V antes da era cristã: um herói simpático, frustrado com a situação, emprega toda a sua sagacidade maliciosa para superar seus inimigos com meios sobrenaturais. O pobre fazendeiro Dicaeopolis passa a perna nos demagogos linha-dura de Atenas ao obter, em particular, a paz com os espartanos, garantindo para si, dessa forma, todos os prazeres impedidos pela Guerra do Peloponeso - comida, vinho e sexo.

          Acompanhando a obscenidade onipresente e o humor grosseiro, tais interesses genéricos da antiga comédia colocavam a ação no mundo cotidiano, no aqui e agora, em contraste extremo com o passado mitológico, altivo, austero e distante empregado pelo gênero rival, a tragédia grega. Os acarnenses também prima por conter o trecho indiscutivelmente mais picante da literatura antiga, no qual o herói negocia as filhas de um comerciante recorrendo a uma série de trocadilhos muito explícitos sobre a vagina.

          Aristófanes estilhaçou a ilusão dramática preservada a todo custo pela tragédia graças ao abuso do ad hominem, recurso adotado pela mais antiga tradição da poesia iâmbica. Para provocar riso, o poeta cômico desfazia dos políticos, de cidadãos, de outros poetas e da própria plateia com deboche disperso e persistente. O implacável retrato de Sócrates em As nuvens, onde aparece como um charlatão excêntrico e representativo do crescente movimento sofista, levou fama de ter contribuído para a execução do filósofo.

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2011-12-12T08:41:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Judy Garland - o fim do arco-íris"

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Humor, beleza e tragicidade

Lionel Fischer

"A vida de Judy Garland (1922-1969) foi certamente mais dramática e acidentada que as inúmeras personagens e canções imortalizadas por ela em filmes, shows e discos. A intensidade sempre deu o tom de sua trajetória, desde o precoce início de carreira, ainda criança, à decadência dos últimos anos de vida, passando pelo avassalador sucesso juvenil em 'O mágico de Oz', uma série de casamentos fracassados e a dependência química. O espetáculo não é uma biografia musical nem tem a intenção de contar a história da estrela, mas flagra os bastidores de sua última turnê, em Londres, entre momentos no palco e em um quarto no Hotel Ritz, onde se hospedava com Mickey Deans, que viria a ser seu quinto marido"

Extraído do ótimo release que me foi enviado pela assessora de imprensa Vanessa Cardoso, o trecho acima sintetiza o contexto em que se dá a ação de "Judy Garland - o fim do arco-íris", em cartaz no Teatro Fashion Mall. De autoria de Peter Quilter, o texto gira em torno da relação de três personagens: Judy Garland (Claudia Netto), Mickey Deans (Igor Rickli) e o pianista gay Anthony (Gracindo Jr), este último o único personagem fictício. Claudio Botelho assina a versão brasileira, estando a direção a cargo de Charles Möeller.

A a vida de Judy Garland foi marcada por inúmeras tragédias, que, no entanto, e ao menos por um bom tempo, não a impediram de manter-se no topo, no seleto rol das estrelas de primeiríssima grandeza. Mas aqui o foco recai sobre o período final de sua vida e trajetória artística, que Peter Quilter retrata de forma irretocável.

Possuidora de humor corrosivo, desconcertante arrogância e quase sempre lançando mão de um vocabulário chulo, ao mesmo tempo o autor nos mostra uma mulher extremamente frágil, dependente em igual medida de afeto e drogas. E nisto consiste o principal mérito do autor: escrever sobre Judy não de uma forma idealizada, mas retratando-a em toda a sua miséria e grandeza. Cabe também registar sua habilidade na construção dos dois outros personagens e suas também conflitadas relações - me permito apenas achar que o texto, se um pouco reduzido, teria ainda maior impacto.

Quanto ao espetáculo, mais uma vez estamos diante da grife Botelho/Möeller, o que significa uma montagem impecável em todos os seus aspectos - marcações expressivas, total domínio dos tempos rítimicos, absoluta elegância e capacidade de materializar na cena todos os conteúdos propostos pelo autor.

Com relação ao elenco, Claudia Netto exibe perfomance deslumbrante, tanto no que diz respeito aos números musicais como nos momentos em que interpreta a personagem. Quanto aos primeiros, achei particularmente notável a passagem em que a atriz vem caminhando pela lateral do teatro ao som do Prelúdio nº 4 em Mi Menor, de Chopin, e, já no palco, canta "How Insensitive", versão em inglês de "Insensatez", de Tom Jobim e Vinicius de Moraes. Sem dúvida, um momento inesquecível.

Na pele do pianista gay Anthony, Gracindo Jr também consegue extrair todo o humor e humanidade do personagem, cabendo ressaltar a passagem em que, já quase no final da montagem, propõe a Judy que ela permita que ele cuide dela para o resto da vida. Momento extremamente tocante, sob todos os aspectos. Quanto a Igor Rickli, o ator exibe desempenho correto, mas tal correção pode ser transcendida se o ator conseguir diminuir um pouco o volume de sua voz, ao menos em algumas passagens.

Na equipe técnica, a excelência é a tônica dos trabalhos de todos os profissionais envolvidos nesta poderosa empreitada teatral - Marcelo Pies (figurinos), Rogério Falcão (cenografia), Paulo César Medeiros (iluminação), Beto Carramanhos (visagismo) e Marcelo Castro, maestro que assina a direção musical e comanda uma excelente banda de seis músicos.

JUDY GARLAND - O FIM DO ARCO-ÍRIS - Texto de Peter Quilter. Versão brasileira de Claudio Botelho. Direção de Charles Möeller. Com Claudia Netto, Gracindo Jr e Igor Rickli. Teatro Fashion Mall. Quinta, 18h. Sexta, 21h30. Sábado, 21h. Domingo, 20h.

2011-12-08T10:38:00.000-08:00

SIMBOLISMO

David Lodge

"Que imbecil!", gritou Ursula. "Por que ele não se afasta até o trem passar?"

Gudrun o encarava com olhos negros, atentos, enfeitiçados. Mas o homem continuava reluzindo, obstinado, dominando a égua, que rodopiava e fazia curvas súbitas como o vento, sem conseguir livrar-se da vontade que a subjugava nem escapar aos terrores ribombantes que lhe varavam o corpo, enquanto os vagões estrondeavam devagar, pesados, temíveis, um atrás do outro, perseguindo uns aos outros, pelos trilhos da intersecção.

A locomotiva, como se curiosa para ver o que aconteceria, freou, e com o impacto da parada súbita os vagões bateram os para-choques metálicos, que ressoaram como címbalos temíveis, estrugindo cada vez mais perto em terríveis concussões estridentes. A égua abriu a boca e ergueu-se devagar, como se alçada por um sopro de terror. De repente as duas patas da frente ergueram-se enquanto ela fugia em pânico daquele horror. O animal recuou, e as duas garotas se abraçaram, sentindo que ela cairia para trás em cima do homem. Mas o cavaleiro se inclinou para a frente, o rosto radiando júbilo, e por fim dominou a montaria, fez com que ela se abaixasse e a conduziu de volta ao local. Mas forte como o impulso de sua compulsão era a repulsa do terror da égua, que se afastou da ferrovia e começou a correr em círculos sobre apenas duas patas, como se estivesse no olho de um furacão. A cena fez Gudrun esmorecer com a vertigem pungente, que aparentou penetrar fundo em seu coração.

D. H. Lawrence, Mulheres apaixonadas (1921)

De maneira simplificada, tudo o que remete a outra coisa é um símbolo, mas esse processo opera de várias formas diferentes. Num dado contexto, uma cruz pode simbolizar o cristianismo, por remeter à crucificação, e em outro pode simbolizar um cruzamento na estrada, por semelhança. O simbolismo literário é menos decodificável do que esses exemplos, pois tenta ser original e tende a uma pluralidade fecunda e até mesmo à ambigüidade do significado (características indesejáveis nos ícones religiosos e especialmente nos sinais de trânsito).

Se as metáforas e os símiles consistem em estabelecer semelhanças entre A e B, um símbolo literário é um B que sugere um A, ou um certo número de As. O estilo poético conhecido como simbolismo, que surgiu no fim do século XIX na França com as obras de Baudelaire, Verlaine e Mallarmé e exerceu influência considerável sobre a literatura inglesa do século XX, caracterizava-se por uma superfície luzente de significados sugeridos sem qualquer núcleo denotativo.

No entanto, alguém já disse que a tarefa do romancista é chamar as coisas pelos seus devidos nomes antes de transformá-las em símbolos, o que parece um ótimo conselho a escritores interessados em criar algo como "a ilusão da realidade". Um objeto que surge na história de maneira óbvia demais, apenas em virtude de seu valor simbólico, tende a minar a credibilidade da história enquanto ação humana. D. H. Lawrence muitas vezes assumia esse risco para dar vasão a seus insigts visionários - quando, em um outro episódio de Mulheres apaixonadas, por exemplo, o autor põe seu herói a rolar nu pela grama e atirar pedras no reflexo da lua. Mas, na passagem citada, o equilíbrio entre a descrição realista e a sugestão simbólica foi mantido.

Aqui não se trata de um simples objeto, mas de uma ação complexa: um homem que tenta controlar uma égua assustada pelo trem carvoeiro que atravessa uma passagem de nível, ao mesmo tempo em que duas mulheres o observam. O homem é Gerald Grich, filho do dono da mina, além de seu atual gerente e futuro herdeiro. A ação se passa no cenário de Nottinghamshire, onde Lawrence, filho de um mineiro, passou a infância: uma paisagem rural agradável, mas com cicatrizes negras das minas e das ferrovias em alguns pontos.

Poder-se-ia dizer que o trem simboliza a indústria mineira, um produto cultural no sentido antropológico da palavra, enquanto a égua, como criatura da natureza, simboliza o campo. A indústria foi imposta ao campo mediante o poder masculino e a determinação do capitalismo - um processo encenado em nível simbólico no modo como Gerald domina a sua montaria, forçando o animal a aceitar o terrível fragor mecânico do trem.

As duas mulheres na cena são as irmãs Ursula e Gudrun Brangwen, professora e artista, respectivamente. Elas estão passeando pelo campo quando presenciam a cena junto à passagem de nível. Ambas indentificam-se com a situação do animal aterrorizado. Ursula fica revoltada com o comportamento de Gerald e fala o que lhe vem à cabeça. Mas a cena é descrita segundo a perspectiva de Gudrun, e a reação dela é mais complexa e ambivalente.

Existe um simbolismo sexual no modo como Gerald controla a égua - "por fim dominou a montaria, fez com que ela se abaixasse e a conduziu de volta ao local" - e sem dúvida um elemento de exibcionismo viril na demonstração de força frente às duas mulheres. Ao passo que Ursula sente apenas repulsa diante do espetáculo, Gudrun experimenta uma excitação sexual, quase contra a sua vontade. A égua "começou a correr em círculos sobre apenas duas patas, como se estivesse no olho de um furacão. A cena fez Gudrun esmorecer com a vertigem pungente, que aparentou penetrar fundo no seu coração".

"Pungente" é um epíteto deslocado, que em termos lógicos refere-se ao sofrimento da égua; sua aplicação, um tanto inusitada em referência a "vertigem", expressa a turbulência emocional de Gudrun e chama a atenção para o significado original de pungente - perfurante, pontiagudo - que, ao lado de "penetrante" na frase seguinte, confere uma forte ênfase fálica a toda a descrição.

Algumas páginas adiante, Gudrun aparece "com os pensamentos embotados pela sensação do cavaleiro de peso suave montando o corpo vivo do animal: as coxas fortes e indômitas do homem de cabelos loiros agarrando o corpo palpitante da égua e impondo-lhe o mais absoluto controle". A cena funciona como um presságio do relacionamento sexual ardente e destrutivo que mais tarde se desenvolve entre Gudrun e Gerald.

A sugestão simbólica, no entanto, seria bem menos eficaz se Lawrence não nos permitisse imaginar a cena com todos os detalhes vívidos e sensuais. O terrível fragor e o movimento dos vagões quando a locomotiva freia são representados em sintaxe e dicção onomatopaicas ("estrugindo cada vez mais perto em terríveis concussões estridentes"), seguidas de uma imagem eloquente da égua, graciosa até mesmo em uma situação de pânico: "A égua abriu a boca e ergueu-se devagar, como se alçada por um sopro de terror". Independente do que você pense sobre os homens e as mulheres de Lawrence, ele sempre foi brilhante ao descrever animais.

Vale ressaltar que o simbolismo é gerado de duas formas diferentes na passagem. O simbolismo da natureza e da cultura aparece nas figuras de linguagem conhecidas como metomínia e sinédoque. A metomínia substituui uma causa por seu efeito e vice-versa (a locomotiva simboliza a indústria porque é um efeito da Revolução Industrial), e a sinédoque substitui o todo por uma parte e vice-versa (a égua simboliza a natureza porque pertence à natureza).

O simbolismo sexual, por outro lado, aparece na metáfora e no símile, figuras de linguagem em que uma coisa é igualada a outra em virtude de alguma semelhança entre as duas formas: a forma como Gerald domina sua montaria sugere uma relação sexual humana. A distinção, formulada pelo estruturalista russo Roman Jakobson, opera em todos os níveis do texto literário e, na verdade, fora da literatura também, conforme minha heroína Robyn Penrose demonstrou a um Vic Wilcox um tanto cético em Um almoço nunca é de graça ao analisar anúncios de cigarro.
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Extraído de A arte da ficção, L&PM POCKET

2011-12-06T07:59:00.000-08:00

El Derecho al Delirio

Eduardo Galeano

Que tal si deliramos por um ratito?
Que tal si clareamos los ojos, más allá de la infamia para adivinar otro mundo possible?

El aire estará limpio de todo veneno que nos provenga de los miedos humanos y de las humanas pasiones.

En las calles, los automóviles serán aplastados por los perros, la gente no será manejada por el automóvil, ni será programada por la computadora, ni será comprada por el supermercado, ni será tampoco, mirada por ele televisor.

El televisor dejará de ser el miembro más importante de la familia, y será tratado como la plancha o el lavarrropas.

Se incorporará a los códigos penales el delito de la estupidez, que cometen quienes viven por tener o por ganar, en vez de vivir nomás, como canta el pájaro sin saber que canta, y como juega el niño sin saber que juega.

En ningún país irón presos los muchachos que se nieguen a cumplir el servicio militar, sino los que quieran cumplirlo.

Nadie viverá para trabajar, pero todos trabajaremos para vivir.

Los economistas no llamarán nivel de vida al nivel de consumo, no llamarán calidad de vida a la cantidad de cozas.

Los cosineros no creerán que a las langostas les encanta que las hiervan vivas.

Los historiadores no creerán que a los países les encanta ser invadidos.

Los políticos no creerán que a los pobres les encanta comer promessas.

La solemnidad se dejará de creer que es una virtud y nadie, nadie tomara en sério a nadie que no sea capaz de tomarse el pelo.

La muerte e el dinero perderán sus mágicos poderes, y ni por defunción ni por fortuna se convertirá el canalla en virtuoso cavallero.

La comida no será una mercancía, ni la comunicación um negocio, porque la comida y la comunicación son derechos humanos.

Nadie morirá de hambre, porque nadie morirá de indijestión.

Los niños de la calle no serán tratados como si fueran basura, porque no habrá niños de la calle.

Los niños ricos no serán tratados como si fueran dinero, porque no habrá niños ricos.

La educación no será el privilegio de quienes pueden pagarla y la policía no será la maldición de quienes pueden comprarla.

La justicia y la libertad, hermanas siamesas, condenadas a vivir separadas, volveriam a juntarse, bien pegaditas, espalda contra espalda.

En Argentina, las locas de Plaza de Mayo serán un exemplo de salud mental, porque ellas se negaron a olvidar el los tiempos de la amnesia obligatoria.

La Santa Madre Iglesia corregirá algunas erratas de las tablas de Moisés, y el sexto mandamiento ordenará festejar el cuerpo.

La iglesia también dictara otro mandamiento, que se le había olvidado a Dios: "Amarás a la naturaleza, de la que formas parte".

Serán reforestados los desiertos del mundo y los desiertos del alma.

Los desesperados serán esperados y los perdidos serán encontrados, porque ellos se desesperaron de tanto esperar y ellos se perdieron por tanto buscar.

Seremos compatriotas y contemporáneos de todos los que tengan voluntad de belleza y voluntad de justicia, hajan nacido cuando hajan nacido y hajan vivido donde hajan vivido, sin que importen ni un poquito las fronteras del mapa ni del tiempo.

Seremos imperfectos, porque la perfección seguirá siendo el aburrido privilegio de los dioses, pero en este mundo, en este mundo chambón y jodido, seremos capaces de vivir cada día como si fuera el primero y cada noche como si fuera la última.
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2011-12-05T11:22:00.000-08:00

Tennessee Williams
(1911-1983)

Harold Bloom

Embora Willians tenha aprendido muito do seu ofício com Tchecov, seus principais predecessores foram Hart Crane e D. H. Lawrence. Crane matou-se em 1932; Lawrence morrera de tuberculose em 1930. Williams, jovem quando os dois faleceram, apaixonou-se pela poesia de Crane, em 1936, e pelos escritos de Lawrence pouco tempo depois.

A influência de Crane e Lawrence em Williams foi mais do que textual, com efeito, mais do que literária. Foi pessoal e, no caso de Lawrence, aproximava-se de uma identificação total. Na qualidade de poeta, Williams foi anulado por Crane; na qualidade de ficcionista, foi sufocado por Lawrence. Felizmente, Williams era um dramaturgo lírico, livre para encontrar a própria voz em suas melhores peças: À margem da vida (1945), Um bonde chamado desejo (1947), Verão e fumaça (1948) e De repente, no último verão (1958).

As peças escritas por Williams nos últimos 25 anos de vida denotam um declínio e, embora não se possa dizer que o seu gênio tenha perecido, o autor parece um tanto ou quanto alienado com relação a ele. Contudo, ainda na última fase da carreira, Williams escreve de modo mais memorável e eloqüente do que qualquer outro dramaturgo norte-americano. A arte retórica de Crane produziu efeito positivo e revigorante na linguagem de Williams. A absorção da identidade de Crane, por parte de Williams, foi tão abrangente que não me ocorre nenhum paralelo em toda a história literária. O próprio Hart Crane, quando intoxicado, identificava-se com Christopher Marlowe e com Rimbaud. Talvez nessa vertente perigosa ele fosse também um paradigma para Tennessee Williams.

É plausível aventar que um escritor, um indivíduo, seja dotado do gênio da identificação? Ainda criança, apaixonei-me pela poesia de Hart Crane, assim como fui arrebatado pela obra de William Blake. A identificação se deu com a poesia, não com os poetas. Escrevemos livros sobre Shelley, ou Wallace Stevens, ou Yeats, identificando-nos com aquilo que mais se apodera de nossa alma, enquanto leitores.

No caso de Shakespeare, a situação é diferente; nenhum ser humano, sozinho, pode identificar-se com todo aquele cosmo de poesia, portanto, identificamo-nos com um determinado personagem, ou personagens. Certos dias, tenho a satisfação de murmurar falas mais ousadas de Falstaff, e já tive a ousadia de representar o papel em leituras dramáticas. Mas, no meu caso, trata-se da identificação de um crítico, não de um poeta, de um dramaturgo ou de um contista.

Williams tornou-se um grande dramaturgo, em ao menos quatro peças, identificando-se tanto (ou mais) com um poeta quanto com a poesia por ele escrita. Essa fusão com Hart Crane foi tão abrangente que as duas mães, Grace Hart Crane e Edwina Estelle Dakin Williams, também se fundiram, propiciando modelos para Amanda Wingfield, em À margem da vida, e Violet Venable, em De repente, no último verão.

Nas últimas peças experimentais, Williams aproximou-se do teatro de Pirandello, mas, sendo um dramaturgo imensamente retórico, sempre demonstrou afinidade com o mestre siciliano, a quem Eric Bentley destaca como o melhor dramaturgo desde Ibsen, superior até mesmo a Beckett e Brecht. Pirandello estava ciente da tradição retórica siciliana, iniciada por Empédocles e desenvolvida por Górgias, o Sofista, opositor de Sócrates e Platão.

Essa retórica de kairos, a palavra oportuna, a palavra que é ação, no momento oportuno, baseia-se no impulso de identificação, daí a sua utilidade na política e no Direito, opondo-se ao impulso de distinguuir o sapiente do sabido, segundo Sócrates. A arte de Williams depende do impulso de identificação, por parte do público, sendo por essa razão que ele trata com igual simpatia o "realista" Kowalski e Blanche DuBois, apóstola do desejo. Em Pirandello, Blanche triunfaria, por mais equivocada que estivesse, mas Williams, malgrado o próprio coração, identifica-se também com o mundo que destrói a graça e a melancolia. Nesse caso, o gênio da identificação foi bastante útil a Williams.
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Extraído de Gênio - os 100 autores mais criativos da História da Literatura ((Editora Objetiva)

2011-12-02T05:54:00.000-08:00

Artaud e Pirandello

Alain Virmaux

          Entre os dramaturgos cuja evocação propicia esclarecer melhor a imagem de Artaud, há lugar para uma citação de Pirandello. Não que se possa apontar afinidades importantes entre eles, mas a referência a Pirandello ilustra muito bem a principal evolução de Artaud: a que se detecta no jovem ator dos anos 20 e do profeta do Teatro da Crueldade dos anos 30. Esquematicamente, poder-se-ia dizer que representou Pirandello nos palcos antes de representá-lo mais tarde na vida; ator pirandelliano em sua estréia, acaba por tornar-se, na vida cotidiana, um personagem pirandelliano.

          A estréia de Artaud, com efeito, coincide mais ou menos com a revelação parisiense de Pirandello: revelação devida precisamente a Dullin e a Pitoëff, com quem Artaud trabalha sucessivamente. Chegou mesmo a representar dois pequenos papéis nas duas primeiras peças de Pirandello apresentadas na França: A volúpia da honra, montada por Dullin em 1922, e Seis personagens à procura de um autor, encenada pelos Pitoëff, em 1923. Esses detalhes biográficos e profissionais apresentariam por si só pouco interesse - afinal, Artaud representou também na companhia de Dullin, em uma peça de Molière, e isso não significa nada - se o jovem ator não houvesse paralelamente testemunhado seu entusiasmo por Pirandello.

          Ele redige para uma revista marselhesa uma resenha apaixonada da representação de Seis personagens. Através dela percebe-se muito bem aquilo que o seduziu: foi evidentemente o "jogo de espelhos" - ele próprio empregou a expressão - mas sobretudo o contraste chocante entre os atores reais - cabotinos nojentos, diz ele - e os personagens com rostos de espectros e como que mal saídos de um sonho.

          Artaud insiste com ardor nessa idéia de que a verdadeira realidade não está seguramente ao lado dos vivos. O vaivém pirandelliano entre a vida e o teatro, o rosto e a máscara, a personagem e o autor não podiam deixar insensível um homem que iria logo mais mostrar a importância que o teatro devia dispensar, segundo ele, ao jogo dos doubles. Basta relembrar sua predileção pelos manequins.

          Só que a noção do Duplo suscitou de fato em Artaud uma visão bem mais complexa do jogo pirandelliano dos espelhos. Desde 1923, seu futuro companheiro do Teatro Jarry, Roger Vitrac, tinha expressado sobre Seis personagens uma opinião diametralmente oposta à sua, zombando da pseudo-originalidade de uma peça na qual ele não via mais do que um belo "sucesso de teatro". Seja como for, tudo ocorre como se os olhos de Artaud se abrissem e ele vai, ainda uma vez, queimar o que havia adorado.

          Por que se afasta ele de Pirandello? Artaud dá uma explicação em 1931, num rascunho de carta a René Daumal: com Pirandello, ficamos no fim com uma concepção psicológica do teatro, ou melhor, uma concepção psicanalítica, que é apenas um passo a mais na mesma direção e não uma verdadeira mudança de orientação; atemo-nos assim a esta concepção do homem mergulhado no êxtase diante de seus monstros pessoais.

          O verdadeiro teatro está em outra parte. É a época em que Artaud começa a clarificar sua visão de um Teatro da Crueldade. Logo sua própria existência tornar-se-á teatro e se transformará em um exemplo vivo e dilacerado daquilo que Pirandello havia somente pressentido.

           Tomemos o Henrique IV de Pirandello: é impossível reler ou rever essa peça sem imaginar que Artaud tivesse, sem a menor dúvida, sido seu intérprete ideal. É a peça do delírio ao mesmo tempo simulado e vivido; a vida e a simulação se entrelaçam inextrincavelmente, e nela reconhecemos a própria tragédia de Artaud. Ele conheceu talvez essa obra, pois foi encenada em Paris por Pitoëff em 1925. É uma peça na qual poderia encontrar-se.

           Nela, a locura do herói era uma escolha; ela lhe permitia realizar-se plenamente, derrubar o muro das aparências e submeter os homens à sua vontade ("Diante dos loucos, todo mundo deve ficar de joelhos" - 2º ato). Ela lhe confere magicamente uma espécie de grandeza sagrada e de pureza que o leva a rejeitar qualquer idéia humana de cura: "Quando os outros se apõem à realização dessa pureza, é preciso ver neles as forças do mal", escreve Guy Dumur. Como não pensar que os psiquiatras simbolizavam para Artaud o mal absoluto? Ele também escolheu o delírio e nele se manteve.

          O que é um alienado autêntico? É o homem que preferiu se tornar louco, no sentido em que o fato é socialmente conceituado, a transigir com uma certa idéia superior da honra humana.

          É possível ter uma idéia do que poderia ser a interpretação do personagem de Henrique IV por Artaud (que jamais se impôs no palco ou no cineam a não ser em papéis alucinados), através da interpretação de Alain Cuny em Não se sabe como, de Pirandello (Paris, 1961). Cuny, que conheceu e admirou Artaud, propôs uma interpretação desconcertante de seu personagem, empregando "uma linguagem salmodiada em tons graves e repentinamente agudos, que atingia uma espécie de paroxismo litúrgico".

           É lícito considerar que esse estilo de representação devia parcialmente inspirar-se nas lições de Artaud. Depois disso é mister convir que Pirandello não é das pessoas com quem Artaud tenha contraído uma dívida. Certas obras do autor italiano, em compensação, se beneficiariam de um confronto com as visões introduzidas por O Teatro se seu Duplo.
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Extraído de Artaud e o Teatro (Editora Perspectiva)

2011-11-30T10:08:00.000-08:00

Que saudade, amigo...

          Hoje acordei com uma saudade quase física daquele que foi o grande amigo de minha vida - quando o conheci, tinha 21 anos; ele, dezoito. Já prestei aqui, neste blog, um breve tributo a esta pessoa maravilhosa que nos deixou recentemente: Bernardo Jablonski. Portanto, não voltarei a fazê-lo, ao menos de forma semelhante.

          Assim, decidi colocar aqui um breve trecho do livro de humor sobre o teatro que escrevemos juntos e lançamos em 2004 (Editora Caravansarai): "O Teatro por Dentro ou por Dentro do Teatro - tudo que você sempre quis saber sobre o teatro e nunca lhe ocorreu" - nunca é demais ressaltar que a publicação contou com uma pertinente e divertida orelha escrita por Domingos Oliveira.

Então, transcrevo aqui o prólogo que dá início à publicação e a seguir uma das questões levantadas - 50, no total.

Advertência

          Antes que o leitor inicie séria e atentamente a leitura do que se segue - e este livro só cumprirá sua finalidade se for lido séria e atentamente - os autores gostariam de esclarecer não as motivações que os levaram a produzir o presente volume, mas seu formato final. Por serem amigos de longa data e tendo sempre cultivado o hábito de refletirem juntos sobre o teatro, chegou o momento em que julgaram conveniente partilhar suas reflexões com o maior número possível de seres humanos.

          No entanto, e para constrangimento de ambos, já no início dos trabalhos começaram a divergir. E foram divergindo tanto, e a tal ponto, que, antes de cortarem relações para sempre, mas ainda desejando que o presente livro chegasse até o público, concluíram que ele só poderia ser finalizado se, a cada questão levantada, duas alternativas fossem apresentadas, ao contrário do que haviam previsto - como até então concordavam em praticamente tudo, imaginaram que bastaria uma resposta, que sintetizaria o pensamento da dupla.

          Portanto, cada pergunta terá como resposta um SIM e um NÃO. Mas o leitor jamais ficará sabendo a quem atribuir o SIM e o NÃO, pois nem quanto a isto Bernardo Jablonski e Lionel Fischer chegaram a um acordo. De fato, uma lástima, já que o teatro, sendo a arte do encontro, curiosamente separou dois amantes desta sublime atividade, cuja amizade perecia fadada a se perpetuar através dos tempos.

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Questão 16

Poeta, autor, diretor e teórico, o alemão Bertolt Brecht ingressou na imortalidade não apenas em função das obras-primas que escreveu, mas também - e, quem sabe, sobretudo - por sua famosa teoria, conhecida como "distanciamento brechtiano". Pois bem: como ninguém jamais chegou a um acordo sobre o que isto significa, seria lícito supor que, em última instância, o que Brecht desejava mesmo era que a platéia se sentasse o mais longe possível do palco?

SIM - De acordo com os principais biógrafos do gênio alemão, Brecht nutria verdadeira ojeriza no que concerne à proximidade física, tanto em nível pessoal como artístico - não são poucos, por sinal, os que sustentam que até quando se relacionava sexualmente, sempre sob implacável coação, Brecht o fazia a uma certa distância, beneficiado pelo colossal membro que possuía. A mera hipótese de ter sua pele roçada por uma outra o colocava em estado de pânico total, sendo também avesso a cheiros - estes, segundo seus biógrafos, produziam reações alérgicas no artista, tanto internas (asma histérica) quanto externas (brotoejas coçativas).

          Assim sendo, e levando-se em conta que considerava seus atores como projeções de si mesmo, nada mais natural que Brecht estendesse a eles as precauções que adotava para salvaguardar sua integridade, o que o levou a afastar cada vez mais a platéia da cena, só interrompendo tal processo quando alguém o advertiu que muitos espectadores já estavam tendo que se valer de lunetas para apreciar as obras-primas que materializava com metódica constância.

NÃO - Na realidade, tal pergunta não mereceria sequer resposta, tamanha a sua carga de leviandade e ignorância. Em todo caso, e em respeito ao eventual despreparo teórico do leitor, cumpre registar o que se segue.

          O "distanciamento brechtiano" se deve, em primeiro lugar, à consciência que Brecht possuía da grande emotividade do povo alemão, que, em sua opinião, já derramara lágrimas em excesso com a perda da Primeira Guerra Mundial. Em segunda instância, havia a tentativa de não deixar a platéia se envolver "burguesa e acriticamente" com o que estava sendo dito no palco, o que atrapalharia o processo de conscientização que levaria à revolução socialista!

          Brecht, um sonhador, considerava como platéia ideal a formada por camponeses esclarecidos e conscientes, que assistiriam às suas peças com comentários irônicos, jocosos e altamente cônscio-revolucionários. Mais tarde, os roteiristas do programa de TV "Muppet Show" se aproveitaram desta dica colocando dois velhinhos ranzinzas e engraçados que sacaneavam o próprio programa - isso sim é que é distanciamento!

           Agora, esta história de membro colossal...sei não...só pode ser um guloso desvario de meu colega de escrita. Até onde se sabe, colossal é apenas a rica obra deixada por mestre Brecht. Mas como a comunidade gay costuma andar muito bem informada...pode ser, né?

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2011-11-30T09:16:00.000-08:00

Contato

Como não sei responder aos comentários postados neste blog - tarefa que qualquer criança de três anos (com sono) faria sem o menor problema -, aí segue meu e-mail:

lionelfischer54@hotmail.com

Beijos,

Eu

2011-11-28T09:02:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Aquela outra"

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Curioso encontro de mulheres

Lionel Fischer

"Dália é uma dona-de-casa exemplar, devotada aos três filhos e ao marido. Júlia é uma executiva bem sucedida, tentando equilibrar a vida profissional e familiar - ela é mãe de uma filha ainda pequena. Dália e Júlia não se conhecem: a primeira vive em 1959 e a segunda em 2011. Num palco dividido, acompanhamos simultaneamente a vida dessas mulheres. A primeira sonha com um futuro em que poderá dispor de autonomia afetiva e financeira; a segunda almeja o contrário: tempo para os os filhos, o amor e a vida em família".

Extraído do ótimo release que me foi enviado pelos assessores de imprensa João Pontes e Stella Stephany, o trecho acima sintetiza o enredo de "Aquela outra", de autoria de Lícia Manzo. Em cartaz na Sala Tônia Carrero do Teatro do Leblon, a peça chega à cena com direção de Clarice Niskier e elenco formado por Tânia Costa (Dália) e Cristina Flores (Júlia).

A estrutura narrativa proposta pela autora é bastante interessante. Inicialmente, as personagens se relacionam diretamente com a plateia, ignorando-se mutuamente. Mas ainda assim seus pensamentos e confissões se mesclam a todo momento, como se as questões que levantam, ainda que aparentemente díspares, no fundo fossem as mesmas - e mesmo que não fossem as mesmas, curiosamente se encaixam em contextos tão diversos.

A partir de um certo ponto, as personagens passam a se relacionar diretamente. Tal recurso, ainda que em princípio válido do ponto de vista dramatúrgico, no presente caso me soou um tanto forçado. Realmente não consegui entender as razões que levaram a autora a lançar mão deste expediente, já que até então estava achando, como já dito, muito interessante a estrutura narrativa que adotara.

Ou seja: o fato de as duas personagens se encontrarem nada acrescenta ao que já sabíamos - o que Dália almeja Júlia o possui, e vice-versa. Pelo contrário: este encontro, ainda que não deixe de ser saboroso, contribui para minimizar o clima onírico obtido até então. Mas trata-se apenas de uma opinião e, como tal, sujeita a todos os enganos.

Ressalva feita, cumpre registrar a pertinência das questões levantadas por Lícia Manzo e sua capacidade de estruturar de forma irretocável as personalidades em questão. Estas, por sinal, interpretadas de forma irrepreensível por Tânia Costa e Cristina Flores que, além de excelentes atrizes, contaram com a direção de Clarice Niskier, uma das melhores intérpretes deste país.

Atenta ao fato de que um texto desta natureza dispensa maiores arroubos e inócuas mirabolâncias formais, Clarice Niskier criou uma dinâmica cênica simples e eficiente, priorizando o que fato importa: a performance das atrizes e as relações que estabelecem. E tanto Tânia Costa como Cristina Flores extraem o máximo das ótimas personagens, convencendo tanto nas passagens em que fazem confissões à plateia como naquelas em que contracenam.

Com relação à equipe técnica, Luis Martins assina impecável cenografia, o mesmo aplicando-se aos figurinos de Kika Lopes, à criação musical de Marcelo Alonso Neves e à sutil e delicada iluminação de Jorginho de Carvalho.

AQUELA OUTRA - Texto de Lícia Manzo. Direção de Clarice Niskier. Com Tânia Costa e Cristina Flores. Teatro do Leblon. Quinta a sábado, 21h30. Domingo, 20h.

2011-11-25T05:12:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Mão na luva"

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Montagem imperdível na Lapa

Lionel Fischer

"Silvia é uma artista plástica frustrada. Lúcio Paulo é jornalista. Eles estão prestes a encerrar uma relação de nove anos. Nesta conversa derradeira, a ação é fragmentada em flashbacks, o homem e a mulher viajam entre o passado e o presente, tentando encontrar uma razão específica para o término da união. Neste momento também são feitas revelações. Traições veladas são descobertas. Mágoas expostas, feridas abertas".

Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza o enredo de "Mão na luva", de Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha), peça escrita em 1966 e que já recebeu inúmeras versões. A atual leva a assinatura de Rubens Camelo e está em cartaz no Atelier 52 - o espaço foi cedido pelo artista plástico Daniel Senise e fica na Rua Silvio Romero nº 52, na Lapa. Marta Paret e Isaac Bernat dão vida aos dois únicos personagens.

Embora tenha como pano de fundo uma série de questões políticas inerentes à época, o principal foco do texto é realmente a desesperada tentativa de um casal de encontrar uma razão concreta para o iminente rompimento. Como já dito, traições são reveladas, fazendo aflorar inevitáveis ressentimentos. No entanto, o que me parece mais relevante no texto é que o autor não condena ou absolve seus personagens, mas procura detectar o que estaria na essência das tais traições, desprezando o que poderia haver de superficial nas mesmas.

Tal postura o leva a empreender uma pertinente reflexão sobre algo que julgo fundamental: nossa costumeira teimosia em querer que o outro atenda às nossas expectativas, correndo assim o risco de perder a pessoa amada por idealizá-la, fazendo dela alvo de nossas projeções. No entanto, chega sempre o momento em que o real da vida se sobrepõe a todas as máscaras inventadas, e as faces descobertas geram profundo e injustificado espanto.

Felizmente, no presente caso, o brilhante Vianinha teve a sabedoria de perceber que é perfeitamente possível conviver com divergências, fragilidades, frustrações etc., desde que as mesmas sejam reveladas em toda a sua amplitude e complexidade. Quando isto é feito, e havendo amor, naturalmente, qualquer casal pode reiniciar sua trajetória. E certamente numa relação muito mais fortalecida, posto que despida de todas as máscaras.

Quanto ao espetáculo, Rubens Camelo impõe à cena uma dinâmica em total sintonia com o material dramatúrgico - suas marcas traduzem sempre os principais conteúdos em jogo, tanto aquelas em que o casal recorda momentos felizes como nas que o embate assume proporções de extrema violência. Afora isto, o diretor conseguiu extrair atuações absolutamente irretocáveis dos intérpretes, que exibem aqui as melhores performances de suas carreiras.

Um dos mais brilhantes atores deste país, Isaac Bernat ainda não ocupa o lugar de destaque que há muito merece. Ótima voz, excelente preparo corporal, incontestável inteligência cênica, Bernat confere ao personagem toda a sua carga de paixão, desespero e humanidade. Sem dúvida, um dos mais significativos desemprenhos da atual temporada.

Quanto à Marta Paret, antes de tudo cabe ressaltar seu lado guerreiro. Num momento em que está cada vez mais difícil se conseguir patrocínios e pautas em teatros, Marta levou recentemente à cena "Navalha na carne" num quarto do Hotel Paris, na Praça Tiradentes, local destinado à prostituição. E agora produz uma montagem num atelier na Lapa - espaço charmosíssimo, diga-se de passagem, mas ainda assim alternativo. Ou seja: ao invés de ficar se lamuriando pelos cantos como uma viúva machadiana, Marta vai à luta, num trabalho de resistência que merece todos os aplausos.

No que se refere à sua atuação, a mesma está no mesmo nível da de Isaac Bernat. Como este, Marta se entrega visceralmente à tarefa de materializar uma mulher que, esmagada pela inteligência e brilho do marido, busca compensar sua aparente desimportância entregando-se aos mais próximos amigos de Lúcio Paulo. Sua interpretação, como a de Isaac, também se insere entre as melhores do ano.

Na equipe técnica, Jorge De Tharso responde por impecável direção de arte, valendo-se de poucos e funcionais elementos. O mesmo se aplica à iluminação de Paulo Denizot, que acompanha e reforça os múltiplos climas emocionais deste maravilhoso texto.

MÃO NA LUVA - Texto de Oduvaldo Viana Filho. Direção de Rubens Cabelo. Com Marta Paret e Isaac Bernat. Attelier 52. Quinta às 21h. Sexta, 19h.

2011-11-22T10:37:00.000-08:00

Prêmio FITA 2011

Em cerimônia realizada ontem no Hotel Sheraton, foram conhecidos os ganhadores da 8ª edição do Prêmio FITA (Festa Internacional de Teatro de Angras dos Reis), evento que tem curadoria de João Carlos Rabello e teve como jurados Sérgio Fonta, Ana Kutner, Daniele Ávila, João Coelho e eu. A Festa, apresentada por Marcos Veras e Julia Rabello, também premiou um espetáculo escolhido por um júri popular e outro dedicado ao teatro infantil, sendo este escolhido por um júri mirim e entregue por Giovana Rabello, filha do curador e de Cristina Rabello.

Menções Especiais do Júri:

Joseph Chasilew - visagismo de Outside

Marisa Bentivegna - iluminação de Música para cortar os pulsos

Melhor Figurino : Flávio Graff (Outside)

Melhor Cenário : Nello Marrese (Cyrano de Bergerac)

Revelação: Eduardo Bakr (autor de As quatro faces do amor)

Melhor Ator Coadjuvante : Jorge Caetano (Outside)

Melhor Atriz Coadjuvante: Thaís Tedesco (A agonia do rei)

Melhor Ator - Rodrigo Pandolfo (R & J de Shajespeare)

Melhor Atriz : Françoise Fourton (Chopin & Sand)

Melhor Autor : Pedro Kosovski (Outside)

Melhor Diretor : Rafael Gomes (Música para cortar os pulsos)

Melhor Espetáculo : Música para cortar os pulsos

Prêmio Especial/Conjunto da Obra : Ednei Giovenazzi

Júri popular : Chopin & Sand

Melhor Espetáculo Infantil : Joaquim e as estrelas

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2011-11-22T09:10:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Estamira - beira do mundo"

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Comoção profunda no Porão

Lionel Fischer

Maior encenador vivo, o inglês Peter Brook define o teatro como "A arte do encontro". Ou seja: se não se estabelece um forte elo entre quem faz e quem assiste, o fenômeno teatral inexiste. E aqui estamos diante de um encontro que, sem nenhuma hesitação, afirmo que nenhum espectador jamais esquecerá - as razões detalharei mais adiante.

Inspirado no filme "Estamira", de Marcos Prado, "Estamira - beira do mundo" chega à cena (Porão da Laura Alvim) com direção e dramaturgia assinadas por Beatriz Sayad, e atuação, dramaturgia e idealização do projeto a cargo de Dani Barros.

Bertolt Brecht costumava dizer: "Ha pessoas que lutam durante um ano e são importantes; outras lutam durante 10 anos e são muito importantes; mas há aquelas que lutam durante uma vida inteira: essas são as pessoas imprescindíveis". E Dani Barros, sob todos os aspectos, é uma pessoa imprescindível.

Conheci Dani Barros quando ela tinhas uns nove anos de idade - desde então é amiga íntima de minha filha mais velha, a atriz Rita Fischer. E esse precoce conhecimento, ao longo do tempo, só fez ratificar minha certeza de que estava diante de uma pessoa que jamais se deixaria abater pelos reveses da vida - no caso de Dani Barros, tais reveses foram muitos, em especial o fato de ter um pai desconhecido (até recentemente) e uma mãe portadora de doença mental.

No entanto, cumpre ressaltar que, embora acossada por um distúrbio incurável e que terminaria levando-a a cometer suicídio, Maria Helena Coelho Barros jamais deixou de transmitir à filha preciosos ensinamentos, dentre eles jamais deixar de ser forte e, sobretudo, jamais deixar de ser ela mesma. Neste sentido, foi plenamente bem-sucedida, muito mais, por sinal, do que muitas mães supostamente sensatas e equilibradas. Em nome do teatro, portanto, agradeço a Maria Helena sua determinante contribuição para que Dani Barros se tornasse a incansável guerreira que sempre foi, é e continuará sendo. Isto posto, vamos ao espetáculo.

É óbvio que a catadora de lixo Estamira Gomes de Souza ganhou notoriedade graças ao maravilhoso filme de Marcos Prado. E este nos mostra uma mulher de espantosa sabedoria, capaz de empreender notáveis reflexões sobre múltiplos temas e, acima de tudo, um ser humano que encarou a vida de frente, sem jamais se colocar numa postura de vítima, muito pelo contrário: extraía sua sobrevivência do lixo e nem por isso se considerava uma pessoa inferior. Dizem que era louca. Talvez o fosse. Mas será que nós, os supostamente sãos, encaramos a vida com a mesma garra e dignidade? Será que somos capazes de refletir sobre a vida com a mesma lucidez? Particularmente, acredito que não.

Estamira vivia do lixo. Dani Barros, desde a primeira infância, adorava catar caquinhos, daí seu apelido: Maria Caquinho. Como já dito, Estamira era considerada louca. A mãe de Dani Barros, também. Assim, nada mais emocionante e corajoso do que juntar, no mesmo espetáculo, a trajetória dessas três mulheres, o que resulta numa das mais impactantes montagens que já assisti.

Mesclando ficção e realidade, o deslumbrante texto escrito por Beatriz Sayad e Dani Barros possui, dentre seus muitos méritos, o de exibir uma narrativa impregnada de dor e humanidade, mas também capaz de nos fazer rir em determinadas passagens. Ainda assim, o que prevalece é uma dilacerante tentativa de conscientizar o público sobre a questão da loucura, propondo uma mais do que pertinente reflexão sobre o tema. Daí resulta um impacto que, ao menos na sessão que assisti, levou todos os espectadores presentes a um estado de profunda emoção.

Esta, sem dúvida, também se deve à direção e à atuação. A primeira exibe soluções criativas e imprevistas, cabendo ressaltar as passagens em que, impulsionados por dois ventiladores, dezenas de sacos de lixo alçam voo, vagando pelo espaço como pássaros encantados que, ao menos circunstancialmente, conseguem transcender a suposta miséria de que estariam constituídos.

Mas o céu é amplo e generoso, e acolhe com a mesma ternura tanto as garças como os urubús. Bom seria que, metáforas à parte, conseguíssemos abrigar, em nossos corações, todas as diferenças. E que um dia cheguemos a compreender que, na condição de homens, contemos tudo que é inerente ao humano. Aí, talvez, consigamos ser menos intolerantes e mais fraternos uns com os outros. Desejo utópico? Talvez. Mas são as utopias que fazem girar a roda da vida. Ou estarei completamente equivocado?

Quanto à interpretação, Dani Barros ratifica, mais uma vez, sua condição de melhor atriz de sua geração. Extraordinária comediante, Dani é também capaz de convencer plenamente em contextos dramáticos, como no presente caso. Exibindo presença, carisma, impecável trabalho vocal e corporal e, mais do que tudo, impressionante capacidade de entrega, a atriz promove, como dito no parágrafo inicial, um encontro que o público jamais esquecerá. Assim, nada mais me resta a não ser implorar aos sempre caprichosos deuses do teatro que continuem abençoando a trajetória desta atriz imprescindível. E, no que me diz respeito, gostaria de agradecer a Dani Barros o privilégio de tê-la visto mais uma vez em cena.

Com relação à equipe técnica, considero absolutamente irretocáveis as contribuições de todos os profissionais envolvidos nesta montagem que, sob todos os pontos de vista, se insere entre as melhores da atual temporada - Tomás Ribas (iluminação), Aurora dos Campos (cenografia, em colaboração com Beatriz Sayad e Dani Barros), Juliana Nicolay (figurino), Fabiano Krieger e Lucas Marcier (direção musical), Georgette Fadel (preparação de ator), Luciana Oliveira (preparação vocal), Marina Considera (canto) e Cristiana Wenzen (condicionamento corporal).

ESTAMIRA: BEIRA DO MUNDO - Direção e dramaturgia de Beatriz Sayad. Atuação, dramaturgia e idealização de Dani Barros. Porão da Laura Alvim. Quinta a sábado, 21h. Domingo, 20h.

2011-11-22T07:34:00.000-08:00

Teatro/CRÍTICA

"Obituário ideal"

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Em busca de perdidas emoções

Lionel Fischer

"Um jovem casal, anestesiado pela banalização da violência, não consegue mais entrar em contato com seus sentimentos. Por isso passa a ir a enterros de desconhecidos para chorar. Através do choro, os dois conseguem entrar em contato com suas emoções perdidas, e começam a se redescobrir como casal. Mas, querendo mergulhar cada vez mais nesta descoberta, o casal sai em busca do 'choro grave' - o choro supostamente mais dolorido. Assim, procuram enterros cada vez mais chocantes para se emocionar. E se perguntam: até onde podem ir na tentativa de viver uma sensação de plenitude? Qual seria o obituário ideal?"

Extraído do release que me foi enviado, o fragmento acima sintetiza o enredo de "Obituário ideal", de autoria de Rodrigo Nogueira. Em cartaz no Espaço Sesc, a montagem tem direção assinada por Nogueira e Thiare Maia (com orientação de Bel Garcia e João Fonseca), estando o elenco formado por Rodrigo Nogueira e Maria Maya.

Como se vê, estamos diante de um tema de grande relevância e atualidade, posto que, supostamente incapazes de fazer frente à violência generalizada, tendemos a banalizá-a, tornando-nos cada vez mais anestesiados. Trata-se, naturalmente, de uma postura cômoda e alienada, já que todos somos responsáveis tanto pelo que fazemos como por tudo aquilo que deixamos de fazer - ao nos calarmos diante de múltiplas atrocidades, estamos contribuindo para que elas se perpetuem. Ou não?

Assim, o presente texto nos coloca diante de um casal alienado. Mas como o autor não pretendeu escrever um texto sobre a alienação contemporânea, vou me ater ao que objetivou: um casal que procura resgatar sua relação isenta de emoções através da desgraça alheia. É uma idéia curiosa e original, e me permito apenas a ressalva de achar que, em algum momento, mesmo que através de uma breve cena, pudéssemos saber as razões que levaram o casal ao estado em que se encontra.

Seja como for, "Obituário ideal" é muito bem escrito, impregnado de um humor ácido e contundente, diálogos fluentes e situações impactantes e inesperadas. E sua transposição cênica está em perfeita sintonia com seus principais conteúdos, cabendo ressaltar a originalidade das marcações e o esmerado trabalho no tocante aos tempos rítmicos.

Com relação ao elenco, Rodrigo Nogueira exibe presença, carisma e escolhas que evidenciam sua inteligência cênica. O mesmo se aplica a Maria Maya, possuidora de ótima voz, grande domínio corporal e, não custa nada enfatizar, uma beleza sempre e cada vez mais impregnada de mistérios. E ambos constróem uma contracena plena de entendimento e cumplicidade, deixando claro o enorme prazer que sentem com a presente parceria.

Na equipe técnica, são corretos os trabalhos de todos os envolvidos nesta oportuna empreitada teatral - Aurora dos Campos (cenário), Gabriela Campos (figurinos), Renato Machado (iluminação), Rodrigo Marçal (trilha sonora), Breno Guimarães (preparação corporal) e Juliano Gomes (vídeos).

OBITUÁRIO IDEAL - Texto de Rodrigo Nogueira. Direção de Nogueira e Thiare Maia. Com Maria Maya e Rodrigo Nogueira. Espaço Sesc. Sexta e sábado, 21h. Domingo, 20h.