Programação Rota Gamboa
As peças "Ninguém falou que seria fácil", ganhadora do prêmio Shell, e "2Histórias" do grupo Foguetes Maravilha são o destaque da programação deste fim de semana do projeto Rota Gamboa, a nova temporada artística do Galpão Gamboa.
O grupo Foguetes Maravilha apresentará duas peças: "2Histórias" e "Ninguém falou que seria fácil", que acaba de ganhar o prêmio Shell de melhor autor (Felipe Rocha).
Abaixo seguem as informações e serviços das peças.
2 Histórias:
16 e 17 de março às 21h
O espetáculo 2 histórias, reúne dois monólogos criados para um projeto do coletivo português Mundo Perfeito e apresentados em Lisboa. São dois pontos de vista sobre personagens limítrofes, deslocados e inadaptados. Em "Uma história nefanda?" Felipe Rocha atua e dirige um conto do escritor Sérgio Sant’anna, conhecido por suas obras de caráter experimental e transgressivo. Em cena, vemos mãe e filho em um embate avassalador, onde o conflito de gerações leva a um desenlace radical.
Em "Alcubierre", Alex Cassal atua em seu próprio texto, com direção de Clara Kutner. Mistura de autobiografia e ficção científica, o monólogo traça um retrato do momento em que nos apaixonamos pela primeira vez, e os caminhos que nossa vida pode seguir a partir daí. Juntas, as histórias vividas por Alex e Felipe se transformam e fundem, fazendo uma radiografia dos momentos cruciais de nossa vida, aqueles que vão nos marcar de forma inexorável.
Ficha Técnica:
Textos: Alex Cassal e Sérgio Sant’anna
Concepção e interpretação: Alex Cassal e Felipe Rocha
Direção: Clara Kutner e Felipe Rocha
Direção de movimento: Alice Ripoll
Co-produção: Teatro Maria Matos - Lisboa
Realização: Foguetes Maravilha
Serviço:
Dias 16 e 17 de março às 21h
Local: Galpão Gamboa
Endereço: Rua da Gamboa, 279 - Centro - RJ
Telefone: (21) 2516-5929
Ingressos: R$10 (inteira) / R$5 (meia) para estudantes, idosos e moradores dos bairros da Zona Portuária apresentando comprovante de residência.
Vendas de Ingressos:
- No Galpão: Terça a quinta: de 14h as 19h (Nos dias de espetáculo a bilheteria funciona das 14h até a abertura da sala ou até esgotarem os ingressos)
- Na Pequena Central (Rua Conde de Irajá, n° - Botafogo): Terça a Quinta: de 10h as 16h
Capacidade do teatro: 80 lugares
Classificação etária: 14 anos
Duração: 50 minutos
"Ninguém falou que seria fácil":
Dias 18 de março às 20h
A comédia "Ninguém falou que seria fácil", com texto e co-direção de Felipe Rocha e com direção de Alex Cassal, tem no elenco, além de Felipe Rocha, Renato Linhares e Stella Rabello. O espetáculo mescla referências a filmes franceses dos anos 70 com jogos de linguagem e brincadeiras de desconstrução e reconstrução das convenções teatrais.
O espetáculo estreou em abril de 2011, recebendo elogios de críticos como Bárbara Heliodora: "É mais do que gratificante assistir a uma peça original, inteligente, com conteúdo e divertida, de um jovem autor nacional; Ninguém falou que seria fácil, de Felipe Rocha, é tudo isso. (...) É um momento privilegiado de teatro e razão para comemorações quando se fala da nova dramaturgia brasileira".
Em cena, uma discussão de casal inicia um vertiginoso jogo de troca de papéis. Um homem se torna pai, mas não quer deixar o colo da mãe, uma filha argumenta racionalmente sobre as razões para não largar a chupeta, irmãos disputam comida, espaço e carinho. O espetáculo foi um dos destaques da programação carioca de 2011 com uma dramaturgia criativa (o texto de Felipe Rocha está concorrendo a uma série de prêmios), um humor anárquico e um elenco afinado, que vem trabalhando com diretores como Enrique Diaz, Cristiane Jatahy e Cristina Moura.
Ficha Técnica:
Texto e co-direção: Felipe Rocha.
Direção: Alex Cassal
Elenco: Felipe Rocha, Renato Linhares e Stella Rabello
Assistência de direção: Ignacio Aldunate
Direção de movimento: Alice Ripoll
Iluminação: Tomás Ribas
Cenário: Aurora dos Campos
Direção musical: Rodrigo Marçal
Figurinos: Antônio Medeiros
Direção de produção: Tatiana Garcias
Serviço:
Dias 18 de março às 20h
Local: Galpão Gamboa
Endereço: Rua da Gamboa, 279 - Centro - RJ
Telefone: (21) 2516-5929
Ingressos: R$10 (inteira) / R$5 (meia) para estudantes, idosos e moradores dos bairros da Zona Portuária apresentando comprovante de residência.
Vendas de Ingressos:
- No Galpão: Terça a quinta: de 14h as 19h (Nos dias de espetáculo a bilheteria funciona das 14h até a abertura da sala ou até esgotarem os ingressos)
- Na Pequena Central (Rua Conde de Irajá, n° - Botafogo): Terça a Quinta: de 10h as 16h
Capacidade do teatro: 80 lugares
Classificação etária: 16 anos
Duração: 90 minutos
Sobre Foquetes Maravilha:
Alex Cassal e Felipe Rocha, fundadores do grupo Foguetes Maravilha, são artistas que trabalham no cruzamento entre teatro, dança, performance, música e artes visuais. Nos três espetáculos apresentados, eles ocupam um território híbrido, encenando narrativas que atravessam os limites entre palco e plateia, ficção e realidade. Um teatro que se baseia na comunicação com os espectadores e na revelação dos mecanismos cênicos, desafiando o público a questionar seu próprio papel no mundo.
Sobre o Rota Gamboa:
Entre os meses de março e julho, o Galpão Gamboa, dirigido por Marco Nanini e Fernando Libonati, recebe o projeto artístico Rota Gamboa. A programação conta com espetáculos de teatro adulto, infantil e dança que apresentados a preços populares. A ideia da curadoria de César Augusto é selecionar espetáculos de companhias de repertório com a finalidade de promover uma visão mais ampla das escolhas artísticas de cada grupo. O Rota Gamboa faz parte do Prêmio PRO-CULTURA de fomento as Artes Cênicas promovido pelo Ministério da Cultura e a FUNARTE. Marco Nanini recebeu o Prêmio Faz Diferença, do Jornal O Globo, na categoria Especial, por seu trabalho como ator e criação do Galpão Gamboa, enquanto o projeto que antecedeu o Rota Gamboa, o Gamboavista, está concorrendo ao Prêmio APTR de Teatro, também na categoria Especial.
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quinta-feira, 15 de março de 2012
quarta-feira, 14 de março de 2012
LANÇAMENTO DE LIVRO –
ENSAIO ABERTO
Companhia de Teatro Ensaio Aberto comemora 20 anos de atividades.
Após comemorar 18 anos de atividades com a abertura do espaço Armazém da Utopia, no Cais do Porto, é a vez de celebrar os 20 anos da Companhia Ensaio Aberto. O presente é o lançamento do livro “Ensaio Aberto”, com cerca de 300 páginas. A obra reúne textos inéditos, ensaios fotográficos sobre as peças que vão desde “Cemitérios dos Vivos” (1993) até a última montagem da “Missa dos Quilombos”, em dezembro de 2011. O lançamento será nesta sexta-feira, dia 16, às 19 horas, na Livraria da Travessa, do Shopping Leblon.
Com fotos de praticamente todos os espetáculos da Ensaio Aberto, a publicação traz artigos de artistas e colaboradores que, de alguma forma, acompanharam a trajetória da Companhia.
A filósofa Iná Camargo Costa revela a “Experimentação permanente na Ensaio Aberto”. “Desde que surgiu, no início dos anos 90, a Companhia Ensaio Aberto, como o próprio nome já indica, explora a ideia do ensaio como experimento e por ela pauta a sua intervenção na cena brasileira”, afirma a filósofa, Iná Camargo Costa.
Antonio Augusto Fontes, que fotografou todos os espetáculos, narra seu primeiro e inesquecível encontro com o coletivo. “Fotografar os espetáculos da Companhia alterou a minha percepção da realidade. A vida como uma espécie de Teatro do Cotidiano dirigido por um diretor oculto e onipresente”, avalia.
Já o crítico e professor de teatro Lionel Fischer destaca que “são quase 20 anos de estrada. São 20 espetáculos exibidos. Exercendo o ofício de crítico teatral desde 1989, tive o privilégio de assistir a todos. E alguns me marcaram profundamente”.
Há ainda avaliações feitas pelo compositor Felipe Radicetti que confirma a relevância da música em todas as montagens da Companhia; o poeta e escritor Pedro Tierra apresenta “Missa dos Quilombos”, da qual é coautor, e convoca à reflexão sobre a importância do teatro no processo de redemocratização do Brasil; já o design gráfico Batman Zavareze revela um pouco do processo criativo da companhia, tendo sempre em mente a máxima “Fazemos o melhor com o que temos”.
Completam o volume dois outros textos: o ensaio da atriz e produtora Tuca Moraes, que, com “Princípios conceitos e reflexões”, explica a maneira de viver o teatro da Companhia Ensaio Aberto; e a entrevista do jornalista Luiz Fernando Vianna com o diretor e fundador do grupo, Luiz Fernando Lobo, que discorre sobre teatro político e documental, o trabalho em equipe e a conquista do Armazém da Utopia, entre outros temas.
O ensaio fotográfico que encerra o livro expõe todos os espetáculos da Ensaio Aberto – com exceção de “Filhos do Silêncio”. Além das fotos de Antonio Augusto Fontes, outros 14 fotógrafos aparecem como colaboradores, uma vez que a Companhia Ensaio Aberto sempre permitiu que seus espetáculos fossem fotografados livremente por qualquer espectador.
O livro Ensaio Aberto contou com o patrocínio da Petrobras e apoio institucional da Funarte, do Ministério da Cultura, do Governo Federal, do Governo do Estado do Rio de Janeiro e de sua Secretaria de Cultura (SEC).
SERVIÇO LANÇAMENTO LIVRO ENSAIO ABERTO 20 ANOS
LOCAL: Livraria da Travessa Leblon – Shopping Leblon
DATA: 16 de março de 2012, sexta-feira, às 19h
ENDEREÇO: Av. Afrânio de Mello Franco, 290/205
ENTRADA GRATUITA
________________________________________
Assessora de Imprensa - Armazém Comunicação
Fernanda Con'Andra
fernanda@armazemcomunica.com.br
www.armazemcomunica.com.br
Tel: (21) 2294-8929 / 7841-7315 - ID 81*9408
Twitter: @armazemcomunica
Facebook: www.facebook.com/armazemcomunica
Skype: feconandra
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ENSAIO ABERTO
Companhia de Teatro Ensaio Aberto comemora 20 anos de atividades.
Após comemorar 18 anos de atividades com a abertura do espaço Armazém da Utopia, no Cais do Porto, é a vez de celebrar os 20 anos da Companhia Ensaio Aberto. O presente é o lançamento do livro “Ensaio Aberto”, com cerca de 300 páginas. A obra reúne textos inéditos, ensaios fotográficos sobre as peças que vão desde “Cemitérios dos Vivos” (1993) até a última montagem da “Missa dos Quilombos”, em dezembro de 2011. O lançamento será nesta sexta-feira, dia 16, às 19 horas, na Livraria da Travessa, do Shopping Leblon.
Com fotos de praticamente todos os espetáculos da Ensaio Aberto, a publicação traz artigos de artistas e colaboradores que, de alguma forma, acompanharam a trajetória da Companhia.
A filósofa Iná Camargo Costa revela a “Experimentação permanente na Ensaio Aberto”. “Desde que surgiu, no início dos anos 90, a Companhia Ensaio Aberto, como o próprio nome já indica, explora a ideia do ensaio como experimento e por ela pauta a sua intervenção na cena brasileira”, afirma a filósofa, Iná Camargo Costa.
Antonio Augusto Fontes, que fotografou todos os espetáculos, narra seu primeiro e inesquecível encontro com o coletivo. “Fotografar os espetáculos da Companhia alterou a minha percepção da realidade. A vida como uma espécie de Teatro do Cotidiano dirigido por um diretor oculto e onipresente”, avalia.
Já o crítico e professor de teatro Lionel Fischer destaca que “são quase 20 anos de estrada. São 20 espetáculos exibidos. Exercendo o ofício de crítico teatral desde 1989, tive o privilégio de assistir a todos. E alguns me marcaram profundamente”.
Há ainda avaliações feitas pelo compositor Felipe Radicetti que confirma a relevância da música em todas as montagens da Companhia; o poeta e escritor Pedro Tierra apresenta “Missa dos Quilombos”, da qual é coautor, e convoca à reflexão sobre a importância do teatro no processo de redemocratização do Brasil; já o design gráfico Batman Zavareze revela um pouco do processo criativo da companhia, tendo sempre em mente a máxima “Fazemos o melhor com o que temos”.
Completam o volume dois outros textos: o ensaio da atriz e produtora Tuca Moraes, que, com “Princípios conceitos e reflexões”, explica a maneira de viver o teatro da Companhia Ensaio Aberto; e a entrevista do jornalista Luiz Fernando Vianna com o diretor e fundador do grupo, Luiz Fernando Lobo, que discorre sobre teatro político e documental, o trabalho em equipe e a conquista do Armazém da Utopia, entre outros temas.
O ensaio fotográfico que encerra o livro expõe todos os espetáculos da Ensaio Aberto – com exceção de “Filhos do Silêncio”. Além das fotos de Antonio Augusto Fontes, outros 14 fotógrafos aparecem como colaboradores, uma vez que a Companhia Ensaio Aberto sempre permitiu que seus espetáculos fossem fotografados livremente por qualquer espectador.
O livro Ensaio Aberto contou com o patrocínio da Petrobras e apoio institucional da Funarte, do Ministério da Cultura, do Governo Federal, do Governo do Estado do Rio de Janeiro e de sua Secretaria de Cultura (SEC).
SERVIÇO LANÇAMENTO LIVRO ENSAIO ABERTO 20 ANOS
LOCAL: Livraria da Travessa Leblon – Shopping Leblon
DATA: 16 de março de 2012, sexta-feira, às 19h
ENDEREÇO: Av. Afrânio de Mello Franco, 290/205
ENTRADA GRATUITA
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Assessora de Imprensa - Armazém Comunicação
Fernanda Con'Andra
fernanda@armazemcomunica.com.br
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Tel: (21) 2294-8929 / 7841-7315 - ID 81*9408
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O ator contemporâneo:
enfim, um artista?
Antonio Guedes
Atuar não é uma arte. Portanto, não é correto falar do ator como um artista. (Gordon Craig)
Uma noite, sentei a Beleza em meus joelhos.
E achei-a amarga. E injuriei-a. (Artur Rimbaud)
As duas epígrafes acima se entrelaçam. Vou me empenhar para esclarecer essa trama e, de alguma forma, encontrar eco numa questão que considero nodal quando vamos falar do ator hoje: sua relação com a criação artística em geral, sua perspectiva do mundo ou, dito de outra maneira, o lugar de onde ele olha.
Gordon Craig, assim como seu contemporâneo Stanislavski, buscava pensar um ator criador. Um ator capaz de organizar seu pensamento e imprimi-lo no próprio corpo - suporte de sua obra. Entretanto, Craig considerava que esse suporte vinha com muitos "defeitos", elementos que desviavam o foco principal da criação: os sentimentos, a história particular, os desejos. Isso impedia que o ator dedicasse seu trabalho à reflexão sobre uma idéia, sobre um tema, uma imagem. O ator, segundo Craig, não consegue se desvencilhar de si mesmo e, no fim, o resultado do seu trabalho é uma torrente de emoções que escondem o real objetivo da obra, tornando-se apenas mera exposição dos seus sentimentos.
Stanislavski, em sua pesquisa sobre o ator, procurou por toda a vida caminhos, estratégias que permitissem que o ator encarasse esses elementos como um material a ser organizado, uma espécie de matéria-prima para a construção de sua obra, visto que não poderia escapar de si mesmo. Sua busca, portanto, tinha como objetivo transformar em operação artística a relação do texto, da encenação e do personagem com o corpo, com a experiência de vida e com a memória do ator - entendendo que esse procedimento visava à criação de uma cena que tinha como modelo a realidade.
O encenador russo trabalhava numa perspectiva de criação que exigia do ator a construção da ilusão de uma pessoa real, um personagem que se assemelhasse a um certo indivíduo. Diferentemente de Stanislavski, Craig buscava a criação, em cena, de uma figura simbólica, de uma imagem que pudesse dar à platéia a idéia de que o personagem representa qualquer indivíduo e não um certo indivíduo.
Portanto, nesse caso, os elementos muito particulares - sentimentos, memória e desejos do ator - ao invés de favorecê-la, tornam-se um obstáculo à verdadeira criação. "O objetivo do teatro como um todo é restaurar sua arte, e deve começar banindo do teatro a idéia de personificação, a idéia de reprodução da natureza; enquanto vigorar essa idéia de personificação, o teatro não se libertará" (Craig)
Ele necessita de um ator que se compreenda como suporte neutro, desprovido de referências particulares para revelar, em cena, imagens universais. Por não acreditar na possibilidade de o ator do seu tempo compreender-se como matéria e tornar-se esse suporte neutro, Craig decreta a imposssibilidade de o ator criar algo diferente dele mesmo e reivindica a Über marionette, um ator desprovido de ego. E arrisca um prognóstico: "Hoje, o ator personifica e interpreta; amanhã, deverá representar e interpretar; no terceiro dia deverá criar. Desta forma, o estilo deverá retornar".
Esta suposição, proferida em 1907, nos afeta diretamente. Se nos apoiarmos nos prognósticos de Craig e levarmos efetivamente em conta em nosso trabalho artístico a revolução conceitual que as vanguardas do século XX realizaram, imagino que estamos, hoje, na terceira etapa, isto é, no tempo em que o ator é capaz de criar. Ou seja, sua obra não é o resultado da imitação de um modelo.
O diretor inglês refere-se a esse momento como o nascimento do estilo. Mas o que seria isso? Estilo é a forma pela qual identificamos uma corrente estética ou, buscando uma forma mais abrangente (e atual) de compreender o termo, é a forma pela qual identificamos o conceito, a idéia que fundamenta a obra. E se a criação é colocação no mundo de algo que antes não existia, ela é, por conseguinte, uma atitude que prescinde da representação.
Então, o prognóstico de Craig quer dizer que chegará o momento em que o ator irá criar sua obra a partir de um conceito original. Se levarmos em consideração que a obra do ator é impressa sobre seu próprio corpo, como pensar na criação de algo que ainda não existia tendo o ator como criador? Pode o ator não representar? É possível pensar na obra do ator como a realização de uma idéia abstrata? Como um quadrado branco sobre fundo branco de Malevitch ou como as composições de Mondrian?
Como pensar o teatro de uma forma puramente espacial, concreta, real, presente?
O que Craig (e também Stanislavski) intuía é que a operação artística exige que o ator encare sua obra não como um discurso que descreve uma idéia. Ele precisa abandonar o lugar de mediador entre um texto e o público; precisa deixar de ser um mero veículo destinado à transmissão de idéias para que finalmente se torne um artista: uma estrutura construída, elaborada, uma presença concreta em uma relação com o público.
Essa necessidade de conceber a linguagem de outra maneira, não mais como veículo, também se verifica nas outras artes nas primeiras décadas do século XX - Ulisses, de Joyce, está sendo escrito (1914-1921), Duchamp está apresentando A fonte (1917), enquanto elabora O grande vidro (1915-1923). Se a linguagem foi, ao longo dos séculos, se filiando à idéia de que sua função seria descrever o real, no tempo de Craig, Stanislavski, Joyce e Duchamp, procura-se uma potência de presentificação.
O que está em questão é a concepção de arte como uma operação mimética. O que se divisa é uma concepção de arte fora do âmbito da imitação de uma idéia, da representação de algo que não está realmente em cena. O que se afirma, com essa retomada da força de presentificação da linguagem, é a falência da dicotomia entre a forma e o conteúdo. A obra é criação de um artista. Não representa, é.
Justamente seguindo a reflexão proposta pelas vanguardas, a linguagem não tem a função utilitária de comunicar. É uma criação que será articulada - não interpretada, pois ela não é um repositório de conteúdos - pelo espectador. A obra, portanto, propõe uma relação real sobre a qual nem o artista tem domínio porque ela não é uma mensagem idealizada por ele. É algo que, uma vez posto no mundo, irá promover uma experiência junto ao público. O espectador, portanto, tem, nessa nova concepção de linguagem, um papel diferente. Ele está ali para um jogo dos sentidos estimulados pela obra. E, nesse jogo, seu papel é decifrá-lo.
Se para Stanislavski o ator deverá desaparecer para fazer surgir um indivíduo outro, tão verossímel que chega a se confundir com o ator, e para Craig o indivíduo deverá desaparecer para permitir que surja no palco a imagem do homem, a imagem que simboliza a humanidade, o que se está discutindo no início do século XX é a postura, a posição do artista.
Ao pensarmos a linguagem sob essa nova perspectiva, o que se perde - e que daqui em diante não será mais encontrado - é a idéia de modelos que pre-existem à obra. Fora da concepção da arte mimética, a tarefa do ator, do artista, é criar tendo como fundamento não mais um modelo, mas um conceito, um modo de ver.
E, visto que não está baseado numa idéia, num modelo superior, esse conceito poderá mudar a qualquer momento. Exatamente como a série de catedrais de Monet. A catedral de Rouen depende da posição como a olhamos e da luz que incide sobre ela. Ela não existe a priori. O artista, a partir desse momento, não tem mais como objetivo a representação da Beleza - como se houvesse uma beleza ideal am algum lugar do céu de Platão.
E, nesse ponto, encontramos a epígrafe emprestada de Rimbaud. Se a beleza idealizada tornou-se amarga porque irreal, ela deixa de ser uma referência. Nós nos encontramos, hoje, no território das experiências de realidade. No caso do ator, sendo ele próprio o suporte da obra, seus gestos, sua elocução, seus deslocamentos no espaço são elementos de linguagem. É com esse suporte que ele irá buscar a afirmação do mundo como uma realidade sensível e não idealizada, intelectiva. E, nesse caminho, o ator deve reinventar-se. E reinventar o homem. Não um sujeito idealizado, mas um homem real.
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Parte do artigo publicado na primeira edição da revista A[L]BERTO, da SP Escola de Teatro, São Paulo.
enfim, um artista?
Antonio Guedes
Atuar não é uma arte. Portanto, não é correto falar do ator como um artista. (Gordon Craig)
Uma noite, sentei a Beleza em meus joelhos.
E achei-a amarga. E injuriei-a. (Artur Rimbaud)
As duas epígrafes acima se entrelaçam. Vou me empenhar para esclarecer essa trama e, de alguma forma, encontrar eco numa questão que considero nodal quando vamos falar do ator hoje: sua relação com a criação artística em geral, sua perspectiva do mundo ou, dito de outra maneira, o lugar de onde ele olha.
Gordon Craig, assim como seu contemporâneo Stanislavski, buscava pensar um ator criador. Um ator capaz de organizar seu pensamento e imprimi-lo no próprio corpo - suporte de sua obra. Entretanto, Craig considerava que esse suporte vinha com muitos "defeitos", elementos que desviavam o foco principal da criação: os sentimentos, a história particular, os desejos. Isso impedia que o ator dedicasse seu trabalho à reflexão sobre uma idéia, sobre um tema, uma imagem. O ator, segundo Craig, não consegue se desvencilhar de si mesmo e, no fim, o resultado do seu trabalho é uma torrente de emoções que escondem o real objetivo da obra, tornando-se apenas mera exposição dos seus sentimentos.
Stanislavski, em sua pesquisa sobre o ator, procurou por toda a vida caminhos, estratégias que permitissem que o ator encarasse esses elementos como um material a ser organizado, uma espécie de matéria-prima para a construção de sua obra, visto que não poderia escapar de si mesmo. Sua busca, portanto, tinha como objetivo transformar em operação artística a relação do texto, da encenação e do personagem com o corpo, com a experiência de vida e com a memória do ator - entendendo que esse procedimento visava à criação de uma cena que tinha como modelo a realidade.
O encenador russo trabalhava numa perspectiva de criação que exigia do ator a construção da ilusão de uma pessoa real, um personagem que se assemelhasse a um certo indivíduo. Diferentemente de Stanislavski, Craig buscava a criação, em cena, de uma figura simbólica, de uma imagem que pudesse dar à platéia a idéia de que o personagem representa qualquer indivíduo e não um certo indivíduo.
Portanto, nesse caso, os elementos muito particulares - sentimentos, memória e desejos do ator - ao invés de favorecê-la, tornam-se um obstáculo à verdadeira criação. "O objetivo do teatro como um todo é restaurar sua arte, e deve começar banindo do teatro a idéia de personificação, a idéia de reprodução da natureza; enquanto vigorar essa idéia de personificação, o teatro não se libertará" (Craig)
Ele necessita de um ator que se compreenda como suporte neutro, desprovido de referências particulares para revelar, em cena, imagens universais. Por não acreditar na possibilidade de o ator do seu tempo compreender-se como matéria e tornar-se esse suporte neutro, Craig decreta a imposssibilidade de o ator criar algo diferente dele mesmo e reivindica a Über marionette, um ator desprovido de ego. E arrisca um prognóstico: "Hoje, o ator personifica e interpreta; amanhã, deverá representar e interpretar; no terceiro dia deverá criar. Desta forma, o estilo deverá retornar".
Esta suposição, proferida em 1907, nos afeta diretamente. Se nos apoiarmos nos prognósticos de Craig e levarmos efetivamente em conta em nosso trabalho artístico a revolução conceitual que as vanguardas do século XX realizaram, imagino que estamos, hoje, na terceira etapa, isto é, no tempo em que o ator é capaz de criar. Ou seja, sua obra não é o resultado da imitação de um modelo.
O diretor inglês refere-se a esse momento como o nascimento do estilo. Mas o que seria isso? Estilo é a forma pela qual identificamos uma corrente estética ou, buscando uma forma mais abrangente (e atual) de compreender o termo, é a forma pela qual identificamos o conceito, a idéia que fundamenta a obra. E se a criação é colocação no mundo de algo que antes não existia, ela é, por conseguinte, uma atitude que prescinde da representação.
Então, o prognóstico de Craig quer dizer que chegará o momento em que o ator irá criar sua obra a partir de um conceito original. Se levarmos em consideração que a obra do ator é impressa sobre seu próprio corpo, como pensar na criação de algo que ainda não existia tendo o ator como criador? Pode o ator não representar? É possível pensar na obra do ator como a realização de uma idéia abstrata? Como um quadrado branco sobre fundo branco de Malevitch ou como as composições de Mondrian?
Como pensar o teatro de uma forma puramente espacial, concreta, real, presente?
O que Craig (e também Stanislavski) intuía é que a operação artística exige que o ator encare sua obra não como um discurso que descreve uma idéia. Ele precisa abandonar o lugar de mediador entre um texto e o público; precisa deixar de ser um mero veículo destinado à transmissão de idéias para que finalmente se torne um artista: uma estrutura construída, elaborada, uma presença concreta em uma relação com o público.
Essa necessidade de conceber a linguagem de outra maneira, não mais como veículo, também se verifica nas outras artes nas primeiras décadas do século XX - Ulisses, de Joyce, está sendo escrito (1914-1921), Duchamp está apresentando A fonte (1917), enquanto elabora O grande vidro (1915-1923). Se a linguagem foi, ao longo dos séculos, se filiando à idéia de que sua função seria descrever o real, no tempo de Craig, Stanislavski, Joyce e Duchamp, procura-se uma potência de presentificação.
O que está em questão é a concepção de arte como uma operação mimética. O que se divisa é uma concepção de arte fora do âmbito da imitação de uma idéia, da representação de algo que não está realmente em cena. O que se afirma, com essa retomada da força de presentificação da linguagem, é a falência da dicotomia entre a forma e o conteúdo. A obra é criação de um artista. Não representa, é.
Justamente seguindo a reflexão proposta pelas vanguardas, a linguagem não tem a função utilitária de comunicar. É uma criação que será articulada - não interpretada, pois ela não é um repositório de conteúdos - pelo espectador. A obra, portanto, propõe uma relação real sobre a qual nem o artista tem domínio porque ela não é uma mensagem idealizada por ele. É algo que, uma vez posto no mundo, irá promover uma experiência junto ao público. O espectador, portanto, tem, nessa nova concepção de linguagem, um papel diferente. Ele está ali para um jogo dos sentidos estimulados pela obra. E, nesse jogo, seu papel é decifrá-lo.
Se para Stanislavski o ator deverá desaparecer para fazer surgir um indivíduo outro, tão verossímel que chega a se confundir com o ator, e para Craig o indivíduo deverá desaparecer para permitir que surja no palco a imagem do homem, a imagem que simboliza a humanidade, o que se está discutindo no início do século XX é a postura, a posição do artista.
Ao pensarmos a linguagem sob essa nova perspectiva, o que se perde - e que daqui em diante não será mais encontrado - é a idéia de modelos que pre-existem à obra. Fora da concepção da arte mimética, a tarefa do ator, do artista, é criar tendo como fundamento não mais um modelo, mas um conceito, um modo de ver.
E, visto que não está baseado numa idéia, num modelo superior, esse conceito poderá mudar a qualquer momento. Exatamente como a série de catedrais de Monet. A catedral de Rouen depende da posição como a olhamos e da luz que incide sobre ela. Ela não existe a priori. O artista, a partir desse momento, não tem mais como objetivo a representação da Beleza - como se houvesse uma beleza ideal am algum lugar do céu de Platão.
E, nesse ponto, encontramos a epígrafe emprestada de Rimbaud. Se a beleza idealizada tornou-se amarga porque irreal, ela deixa de ser uma referência. Nós nos encontramos, hoje, no território das experiências de realidade. No caso do ator, sendo ele próprio o suporte da obra, seus gestos, sua elocução, seus deslocamentos no espaço são elementos de linguagem. É com esse suporte que ele irá buscar a afirmação do mundo como uma realidade sensível e não idealizada, intelectiva. E, nesse caminho, o ator deve reinventar-se. E reinventar o homem. Não um sujeito idealizado, mas um homem real.
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Parte do artigo publicado na primeira edição da revista A[L]BERTO, da SP Escola de Teatro, São Paulo.
Prêmio Shell 2012
Em cerimônia realizada ontem no Espaço Victoria's, no Jockey Club Brasileiro, foram conhecidos os ganhadores do Prêmio Shell de Teatro em sua 24ª edição. A festa, irrepreensível em todos os sentidos, começou com um comovente tributo a Bernardo Jablonski, que nos deixou em outubro do ano passado e foi jurado do prêmio por dez anos. Foi exibido um vídeo em que Jablonski exibe seu imenso carisma, grande inteligência e insuperável humor. Realmente tocante e à Shell todos agradecemos por este momento inesquecível.
No final da cerimônia, outro belíssimo momento: Fernanda Montenegro subiu ao palco e leu um maravilhoso texto de sua autoria
falando sobre Barbara Heliodora, homenageada desta edição do prêmio por seus 54 anos como crítica teatral. Após a leitura, uma emocionada Barbara retribuiu a gentileza de sua amiga de mais de 50 anos e falou sobre sua apaixonada relação com o teatro - Barbara e Fernanda foram aplaudidíssimas!
A seguir, a relação dos premiados pelo júri composto por Fabiana Valor, Helena Varvaki, João Madeira, Macksen Luís e Sérgio Fonta.
CATEGORIA ESPECIAL:
Márcia Rubin - direção de movimento dos espetáculos "Escola do escândalo", "O filho eterno", "A lua vem da Ásia" e "Outside: um musical noir".
Teatro Tablado - 60 anos de atividade.
DIREÇÃO:
Christiane Jatahy - "Julia"
AUTOR:
Felipe Rocha - "Ningém falou que seria fácil"
ATOR:
Charles Fricks - "O filho eterno"
ATRIZ:
Dani Barros - "Estamira - beira do mundo"
MÚSICA:
Marcelo Castro - "Um violinista no telhado"
ILUMINAÇÃO:
Maneco Quinderé - "Palácio do fim"
FIGURINO:
Gabriel Villela - "Crônica da casa assassinada"
CENÁRIO:
Fernando Mello da Costa - "Um coração fraco"
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Em cerimônia realizada ontem no Espaço Victoria's, no Jockey Club Brasileiro, foram conhecidos os ganhadores do Prêmio Shell de Teatro em sua 24ª edição. A festa, irrepreensível em todos os sentidos, começou com um comovente tributo a Bernardo Jablonski, que nos deixou em outubro do ano passado e foi jurado do prêmio por dez anos. Foi exibido um vídeo em que Jablonski exibe seu imenso carisma, grande inteligência e insuperável humor. Realmente tocante e à Shell todos agradecemos por este momento inesquecível.
No final da cerimônia, outro belíssimo momento: Fernanda Montenegro subiu ao palco e leu um maravilhoso texto de sua autoria
falando sobre Barbara Heliodora, homenageada desta edição do prêmio por seus 54 anos como crítica teatral. Após a leitura, uma emocionada Barbara retribuiu a gentileza de sua amiga de mais de 50 anos e falou sobre sua apaixonada relação com o teatro - Barbara e Fernanda foram aplaudidíssimas!
A seguir, a relação dos premiados pelo júri composto por Fabiana Valor, Helena Varvaki, João Madeira, Macksen Luís e Sérgio Fonta.
CATEGORIA ESPECIAL:
Márcia Rubin - direção de movimento dos espetáculos "Escola do escândalo", "O filho eterno", "A lua vem da Ásia" e "Outside: um musical noir".
Teatro Tablado - 60 anos de atividade.
DIREÇÃO:
Christiane Jatahy - "Julia"
AUTOR:
Felipe Rocha - "Ningém falou que seria fácil"
ATOR:
Charles Fricks - "O filho eterno"
ATRIZ:
Dani Barros - "Estamira - beira do mundo"
MÚSICA:
Marcelo Castro - "Um violinista no telhado"
ILUMINAÇÃO:
Maneco Quinderé - "Palácio do fim"
FIGURINO:
Gabriel Villela - "Crônica da casa assassinada"
CENÁRIO:
Fernando Mello da Costa - "Um coração fraco"
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terça-feira, 13 de março de 2012
Teatro/CRÍTICA
"O bravo soldado Schweik"
.................................................
Hilário e merecido tributo
Lionel Fischer
Como todos que militam no meio teatral sabem, o inesquecível tabladiano Bernardo Jablonski nos deixou em outubro do ano passado, após lutar durante 14 anos contra um famigerado câncer. Ainda assim, nos deixou muitos legados, dentre eles a presente montagem, levada à cena no Tablado em 1996 e remontada em 2010.
Por iniciativa de suas diretoras-assistentes Viviana Rocha e Renata Amaral, o espetáculo está em cartaz no Teatro Tablado, que assim presta um mais do que merecido tributo a um homem de teatro na acepção máxima do termo, e uma pessoa que parece ter vindo ao mundo com a expressa função de só gerar felicidade.
De autoria de Jarorlav Haseke, "O bravo soldado Schweik" chega à cena com adaptação e direção geral de Bernardo Jablonski, direção de Renata Amaral e Viviana Rocha e elenco formado por Eduardo Rios, Alexandre Duvivier, Andrezza Abreu, Ariane Rocha, Carolyna Maciel, Consuelo Bonazzi, Cristóvão Carvalho, Daniel Mendonça, Daniel Zubrinsky, Dayse Borges, Elaine Dias, Fabia Lucyana, Fabiana Mendonça, Felipe Genes, Hernane Cardoso, Hilário Portes, Hugo Maia, Isabela Lima, Lazuli Galvão, Ligia Vargas, Pablo Paleologo e Patrícia Carvalhaes.
"A peça conta a história de um soldado talvez muito idiota, talvez muito inteligente, que combateu (?!) heróica e safadamente durante a primeira Guerra Mundial. Sua fulminante trajetória no exército deve servir como exemplo de idiotice e estupidez, fundamental quando se pensa no que é e para que serve uma guerra".
Extraído do texto do programa, o trecho acima, assinado por Jablonski, retrata de forma irretocável as premissas fundamentais do autor. Mas estas, certamente, foram ainda mais enfatizadas pelo fato de Jablonski ter trocado o nome dos personagens tchecos - exceção feita ao do protagonista - pelo de remédios conhecidos, como Lexotan, Luftal e Reparil. Sutil e refinadíssima ironia, pois ao mesmo tempo em que todos são remédios, em nenhum momento se dão conta de que nada mais fazem do que inviabilizar a possibilidade de cura, perpetuando a patologia inerente a qualquer querra.
Com relação ao espetáculo, este exibe marcas criativas e inventivas e um ritmo em total sintonia com a avassaladora ação proposta por Hasek. E as diretoras Renata Amaral e Viviana Rocha exibem o mérito suplementar de terem extraído seguras e convincentes atuações de todo elenco, que infelizmente torna-se inviável comentar, pois são muitos os intérpretes e cada um deles faz vários personagens.
Ainda assim, torna-se impossível não comentar a performance de Eduardo Rios ne pele do protagonista. Aluno do Tablado desde a infância, Rios exibe presença, carisma e notável tempo de comédia, afora um trabalho corporal absolutamente irrepreensível, que lhe permite, não raro, exprimir idéias e sentimentos valendo-se apenas de um gesto. Trata-se, sob todos os pontos de vista, de uma das atuações mais marcantes da atual temporada.
Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo os trabalhos de todos os profissionais envolvidos nesta oportuníssima empreitada teatral - Pablo Paleologo (músicas), Ariane Rocha (coreografia), Rodrigo Belay (iluminação) e Zeli de Oliveira e Isabela Lima (figurinos).
O BRAVO SOLDADO SCHWEIK - Texto de Jarorlav Hasek. Adaptação e direção geral de Bernardo Jablonski. Direção de Renata Amaral e Viviana Rocha. Com Eduardo Rios e grande elenco. Teatro Tablado. Sábado às 21h, domingo às 20h.
"O bravo soldado Schweik"
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Hilário e merecido tributo
Lionel Fischer
Como todos que militam no meio teatral sabem, o inesquecível tabladiano Bernardo Jablonski nos deixou em outubro do ano passado, após lutar durante 14 anos contra um famigerado câncer. Ainda assim, nos deixou muitos legados, dentre eles a presente montagem, levada à cena no Tablado em 1996 e remontada em 2010.
Por iniciativa de suas diretoras-assistentes Viviana Rocha e Renata Amaral, o espetáculo está em cartaz no Teatro Tablado, que assim presta um mais do que merecido tributo a um homem de teatro na acepção máxima do termo, e uma pessoa que parece ter vindo ao mundo com a expressa função de só gerar felicidade.
De autoria de Jarorlav Haseke, "O bravo soldado Schweik" chega à cena com adaptação e direção geral de Bernardo Jablonski, direção de Renata Amaral e Viviana Rocha e elenco formado por Eduardo Rios, Alexandre Duvivier, Andrezza Abreu, Ariane Rocha, Carolyna Maciel, Consuelo Bonazzi, Cristóvão Carvalho, Daniel Mendonça, Daniel Zubrinsky, Dayse Borges, Elaine Dias, Fabia Lucyana, Fabiana Mendonça, Felipe Genes, Hernane Cardoso, Hilário Portes, Hugo Maia, Isabela Lima, Lazuli Galvão, Ligia Vargas, Pablo Paleologo e Patrícia Carvalhaes.
"A peça conta a história de um soldado talvez muito idiota, talvez muito inteligente, que combateu (?!) heróica e safadamente durante a primeira Guerra Mundial. Sua fulminante trajetória no exército deve servir como exemplo de idiotice e estupidez, fundamental quando se pensa no que é e para que serve uma guerra".
Extraído do texto do programa, o trecho acima, assinado por Jablonski, retrata de forma irretocável as premissas fundamentais do autor. Mas estas, certamente, foram ainda mais enfatizadas pelo fato de Jablonski ter trocado o nome dos personagens tchecos - exceção feita ao do protagonista - pelo de remédios conhecidos, como Lexotan, Luftal e Reparil. Sutil e refinadíssima ironia, pois ao mesmo tempo em que todos são remédios, em nenhum momento se dão conta de que nada mais fazem do que inviabilizar a possibilidade de cura, perpetuando a patologia inerente a qualquer querra.
Com relação ao espetáculo, este exibe marcas criativas e inventivas e um ritmo em total sintonia com a avassaladora ação proposta por Hasek. E as diretoras Renata Amaral e Viviana Rocha exibem o mérito suplementar de terem extraído seguras e convincentes atuações de todo elenco, que infelizmente torna-se inviável comentar, pois são muitos os intérpretes e cada um deles faz vários personagens.
Ainda assim, torna-se impossível não comentar a performance de Eduardo Rios ne pele do protagonista. Aluno do Tablado desde a infância, Rios exibe presença, carisma e notável tempo de comédia, afora um trabalho corporal absolutamente irrepreensível, que lhe permite, não raro, exprimir idéias e sentimentos valendo-se apenas de um gesto. Trata-se, sob todos os pontos de vista, de uma das atuações mais marcantes da atual temporada.
Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo os trabalhos de todos os profissionais envolvidos nesta oportuníssima empreitada teatral - Pablo Paleologo (músicas), Ariane Rocha (coreografia), Rodrigo Belay (iluminação) e Zeli de Oliveira e Isabela Lima (figurinos).
O BRAVO SOLDADO SCHWEIK - Texto de Jarorlav Hasek. Adaptação e direção geral de Bernardo Jablonski. Direção de Renata Amaral e Viviana Rocha. Com Eduardo Rios e grande elenco. Teatro Tablado. Sábado às 21h, domingo às 20h.
segunda-feira, 12 de março de 2012
Teatro/CRÍTICA
"As mimosas da Praça Tiradentes"
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Ótimo musical na Praça
Lionel Fischer
"Um grupo de transformistas ensaia um show para arrecadar fundos em prol do Cabaré das Mimosas, ameaçado de fechar suas portas. Ao longo dos ensaios são reveladas as histórias das personagens e suas relações pessoais. Cada uma delas representa um período da Praça Tiradentes - são negros, ciganos, vedetes, dançarinas de gafieira, a corte portuguesa e os estrangeiros que ao longo do tempo ajudaram a construir a identidade da região".
Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza o enredo de "As mimosas da Praça Tiradentes", musical escrito por Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche, em cartaz no Teatro Carlos Gomes. Gasparani e Sergio Módena assinam a direção da montagem, que tem elenco formado por Claudio Tovar, Jonas Hammar, César Augusto, Milton Filho, Gustavo Gasparani e Marya Bravo, que dividem a cena com os Boys Arthur Marques, Paulo Mazzoni, Pedro Arrais, Thadeu Mattos, Thiago Pach e Wallace Ramires.
Dentre seus muitos méritos, talvez o maior do presente texto seja o de mesclar delirantes fantasias com preciosas informações ao público, que, em sua maioria, certamente desconhece a enorme importância da Praça Tiradentes na vida cultural do Rio, seja na poesia, no teatro, na dança e na música - não entrarei aqui em maiores detalhes, pois isso privaria a platéia de muitas surpresas.
Ainda assim, cumpre ressaltar a comicidade dos diálogos e a capacidade dos autores de conferir humanidade a um contexto que traduz uma realidade feita de sonhos, por um lado, e um sem-número de picuinhas inerentes ao universo não só dos transformistas, mas também de todos aqueles que lidam com o teatro - aqui, evidentemente, o clima é mais exacerbado e um tanto operístico, mas nem por isso resume-se a uma caricatura.
Com relação ao espetáculo, Gasparani e Módena impõe à cena uma dinâmica sempre divertida e muito criativa, explorando todas as possibilidades de um texto muito bem escrito, que chega até a platéia através de personagens que nos cativam desde o primeiro momento. E dentre as muitas passagens irresistivelmente engraçadas, destaco aquela que mais me encantou: a das dublagens - aqui o público realmente delira, tanto em função do inusitado quanto da perfeição com que as ditas dublagens são feitas.
No tocante ao elenco, todos os atores exibem atuações irretocáveis, tanto no que diz respeito ao canto como à dança - e aqui faço absoluta questão de destacar a participação dos mencionados Boys, perfeitamente integrados à cena. Ainda assim, não há como não conferir um destaque todo especial às performances de Gustavo Gasparani e Claudio Tovar.
O primeiro é um dos melhores e mais bem preparados atores de sua geração, possuidor de notável tempo de comédia, ótima voz e irrepreensível capacidade de dançar, o que torna compreensível seu sucesso na pele de Vânia (a dançarina) e Vanilla Cherry. Quanto a Tovar, o ator está simplesmente deslumbrante na pele tanto de Lourival (o Professor) como na de Lola (a Imperatriz), sendo que nesta última personagem Tovar exibe sua ótima voz, elegância corporal e inegável carisma.
Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo o excelente trabalho de todos os profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - João Callado e Nando Duarte (direção musical e arranjos), Renato Vieira (direção de movimento e coreografia), Ronald Teixeira (cenário), Marcelo Olinto (figurino), Paulo César Medeiros (iluminação), Beto Carramanhos (visagismo), Maurício Detoni (preparação vocal), Gasparani, Rieche e Rodrigo Faour (pesquisa musical) e dos músicos Nando Duarte (violão e guitarra), Itamar Assiere (piano), Pedro Mangia (baixo), Carlos César (bateria) e Dado (sopros).
AS MIMOSAS DA PRAÇA TIRADENTES - Texto de Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche. Direção de Gasparani e Sergio Módena. Com Claudio Tovar, Gustavo Gasparani e grande elenco. Teatro Carlos Gomes. Quinta a domingo, 19h30.
"As mimosas da Praça Tiradentes"
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Ótimo musical na Praça
Lionel Fischer
"Um grupo de transformistas ensaia um show para arrecadar fundos em prol do Cabaré das Mimosas, ameaçado de fechar suas portas. Ao longo dos ensaios são reveladas as histórias das personagens e suas relações pessoais. Cada uma delas representa um período da Praça Tiradentes - são negros, ciganos, vedetes, dançarinas de gafieira, a corte portuguesa e os estrangeiros que ao longo do tempo ajudaram a construir a identidade da região".
Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza o enredo de "As mimosas da Praça Tiradentes", musical escrito por Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche, em cartaz no Teatro Carlos Gomes. Gasparani e Sergio Módena assinam a direção da montagem, que tem elenco formado por Claudio Tovar, Jonas Hammar, César Augusto, Milton Filho, Gustavo Gasparani e Marya Bravo, que dividem a cena com os Boys Arthur Marques, Paulo Mazzoni, Pedro Arrais, Thadeu Mattos, Thiago Pach e Wallace Ramires.
Dentre seus muitos méritos, talvez o maior do presente texto seja o de mesclar delirantes fantasias com preciosas informações ao público, que, em sua maioria, certamente desconhece a enorme importância da Praça Tiradentes na vida cultural do Rio, seja na poesia, no teatro, na dança e na música - não entrarei aqui em maiores detalhes, pois isso privaria a platéia de muitas surpresas.
Ainda assim, cumpre ressaltar a comicidade dos diálogos e a capacidade dos autores de conferir humanidade a um contexto que traduz uma realidade feita de sonhos, por um lado, e um sem-número de picuinhas inerentes ao universo não só dos transformistas, mas também de todos aqueles que lidam com o teatro - aqui, evidentemente, o clima é mais exacerbado e um tanto operístico, mas nem por isso resume-se a uma caricatura.
Com relação ao espetáculo, Gasparani e Módena impõe à cena uma dinâmica sempre divertida e muito criativa, explorando todas as possibilidades de um texto muito bem escrito, que chega até a platéia através de personagens que nos cativam desde o primeiro momento. E dentre as muitas passagens irresistivelmente engraçadas, destaco aquela que mais me encantou: a das dublagens - aqui o público realmente delira, tanto em função do inusitado quanto da perfeição com que as ditas dublagens são feitas.
No tocante ao elenco, todos os atores exibem atuações irretocáveis, tanto no que diz respeito ao canto como à dança - e aqui faço absoluta questão de destacar a participação dos mencionados Boys, perfeitamente integrados à cena. Ainda assim, não há como não conferir um destaque todo especial às performances de Gustavo Gasparani e Claudio Tovar.
O primeiro é um dos melhores e mais bem preparados atores de sua geração, possuidor de notável tempo de comédia, ótima voz e irrepreensível capacidade de dançar, o que torna compreensível seu sucesso na pele de Vânia (a dançarina) e Vanilla Cherry. Quanto a Tovar, o ator está simplesmente deslumbrante na pele tanto de Lourival (o Professor) como na de Lola (a Imperatriz), sendo que nesta última personagem Tovar exibe sua ótima voz, elegância corporal e inegável carisma.
Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo o excelente trabalho de todos os profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - João Callado e Nando Duarte (direção musical e arranjos), Renato Vieira (direção de movimento e coreografia), Ronald Teixeira (cenário), Marcelo Olinto (figurino), Paulo César Medeiros (iluminação), Beto Carramanhos (visagismo), Maurício Detoni (preparação vocal), Gasparani, Rieche e Rodrigo Faour (pesquisa musical) e dos músicos Nando Duarte (violão e guitarra), Itamar Assiere (piano), Pedro Mangia (baixo), Carlos César (bateria) e Dado (sopros).
AS MIMOSAS DA PRAÇA TIRADENTES - Texto de Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche. Direção de Gasparani e Sergio Módena. Com Claudio Tovar, Gustavo Gasparani e grande elenco. Teatro Carlos Gomes. Quinta a domingo, 19h30.
sábado, 10 de março de 2012
O Centro Cultural da Justiça Federal abrigará, nos meses de Abril e Agosto, o projeto
EM REVISTA, O TEATRO BRASILEIRO
NO SÉCULO XX
O que é o projeto?
O projeto Em Revista o Teatro Brasileiro do século XX oferece, aos participantes interessados em cultura geral, uma abordagem panorâmica bastante curiosa dos aspectos mais relevantes do movimento teatral brasileiro no século XX, a partir das publicações em periódicos especializados no assunto. O curso será dividido em dois módulos independentes. O primeiro intitula-se O palco em festa – A produção de espetáculos até a década de 1950, nos dias 03/10/17/24 de Abril, e o segundo, Novas formas de convenção de espetáculos, nos dias 01/08/15/29 de Agosto. Para ambas as etapas, as inscrições já estão abertas. Desconto de 20% para alunos de escolas de teatro
Duração do curso, número de vagas e valores:
Horário do curso: 19H às 21H
Datas do módulo 1 - 03/10/17/24 de Abril
Datas do módulo 2 - 01/08/15/29 de Agosto
Valor do curso, por módulo: R$150,00
Taxa de pré-matrícula: R$ 20,00.
Público alvo: todos os interessados em cultura geral.
Número de vagas: 35 alunos
Currículo:
Pedro Allonso é ator, bacharel em Artes Cênicas, habilitação em Teoria do Teatro pela UNIRIO e crítico de teatro. Desde 2010, integra o quadro de colaboradores efetivos da revista eletrônica Questão de Crítica. Integra também o quadro da comissão julgadora do 1º Prêmio Questão de Crítica. No ano de 2008, colaborou como pesquisador voluntário no processo de catalogação da Bibliografia Crítica do Teatro Brasileiro, cuja coordenação, na cidade do Rio de Janeiro, ficou sob os cuidados da pesquisadora e crítica de teatro do jornal O Globo Tânia Brandão.
Contatos:
(21) 2228-2446
(21) 7303-5995
Blog do curso: http://pedro-allonso.blogspot.com/
Endereço eletrônico: contato_curso@yahoo.com.br
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EM REVISTA, O TEATRO BRASILEIRO
NO SÉCULO XX
O que é o projeto?
O projeto Em Revista o Teatro Brasileiro do século XX oferece, aos participantes interessados em cultura geral, uma abordagem panorâmica bastante curiosa dos aspectos mais relevantes do movimento teatral brasileiro no século XX, a partir das publicações em periódicos especializados no assunto. O curso será dividido em dois módulos independentes. O primeiro intitula-se O palco em festa – A produção de espetáculos até a década de 1950, nos dias 03/10/17/24 de Abril, e o segundo, Novas formas de convenção de espetáculos, nos dias 01/08/15/29 de Agosto. Para ambas as etapas, as inscrições já estão abertas. Desconto de 20% para alunos de escolas de teatro
Duração do curso, número de vagas e valores:
Horário do curso: 19H às 21H
Datas do módulo 1 - 03/10/17/24 de Abril
Datas do módulo 2 - 01/08/15/29 de Agosto
Valor do curso, por módulo: R$150,00
Taxa de pré-matrícula: R$ 20,00.
Público alvo: todos os interessados em cultura geral.
Número de vagas: 35 alunos
Currículo:
Pedro Allonso é ator, bacharel em Artes Cênicas, habilitação em Teoria do Teatro pela UNIRIO e crítico de teatro. Desde 2010, integra o quadro de colaboradores efetivos da revista eletrônica Questão de Crítica. Integra também o quadro da comissão julgadora do 1º Prêmio Questão de Crítica. No ano de 2008, colaborou como pesquisador voluntário no processo de catalogação da Bibliografia Crítica do Teatro Brasileiro, cuja coordenação, na cidade do Rio de Janeiro, ficou sob os cuidados da pesquisadora e crítica de teatro do jornal O Globo Tânia Brandão.
Contatos:
(21) 2228-2446
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