Relações



Odette Aslan


Ator/Autor


          O ator que só ama a si mesmo, que só se preocupa com seu sucesso pessoal, não hesita em modificar uma cena ou um desenvolvimento em proveito próprio. Ainda assim, honestamente pode também ser capaz de efetuar uma sugestão atilada. Antoine, ao saber que Le Bargy desejava pedir a François Curel modificações no papel (pouco simático para o seu gosto) de Charles Merande em L'Amour brode, censurou veementemente o ator por imiscuir-se no que não lhe dizia respeito:


          Os comediantes nunca conhecem nada das peças que devem representar. Seu ofício é representá-las da melhor maneira, interpretar o melhor possível as personagens cuja concepção lhes escapa; na realidade são manequins, marionetes mais ou menos aperfeiçoadas segundo seu talento e que o autor veste e agita de acordo com sua fantasia. Certamente, após longos anos, às vezes adquirem uma espécie de experiência totalmente material, podem dizer a um autor porque uma personagem deve sair ou entrar à direita e não à esquerda, mas em caso algum podem ou devem, sem sair de sua função específica, tentar modificar uma personagem ou um desenvolvimento.


          É claro que os tempos mudaram. No Open Theatre os atores elaboram e os autores remanejam.


Ator/Encenador


          O ator imbuído de sua própria pessoa caminha amiúde contra a corrente da evolução artísitca. Os atores de Stanislavski (no primeiro período do Teatro de Arte de Moscou) ficaram furiosos quando o Sistema lhes foi imposto. O movimento do Cartel, fato só relevante na França de antes da Segunda Guerra Mundial, foi limitado, e malvisto em seu tempo por numerosos comediantes. Os atores do teatro de boulevard zombaram "dessas igrejinhas", desses teatros "carcomidos" em que o ator devia "abdicar de toda a sua personalidade para agradar aos novos mestres e ser apenas um número no todo, como os cenários".


          Em compensação, comediantes de temperamento dócil e um pouco preguiçoso perdem toda a iniciativa, esperam do encenador diretrizes às quais se submeteram de antemão. Giorgio Strehler confiou a Maurice Serrarzin sua angústia diante da apatia dos comediantes modernos. Roger Blin lamentou a obediência passiva dos comediantes alemães com quem trabalhou em Essen (Os biombos).

          Há também a relação sadomasoquista de que fala Grotowski, como também a admiração entusiasta de discípulos de um líder brilhante. Victor Garcia procura fazer com que seus comediantes se apaixonem por ele, entrem em comunhão com seu coração e seu pensamento.


          Na Comédie-Française é costume pagar mais ao ator que também é diretor. Terá esse costume despertado vocações sem o qual não se manifestariam? Sempre houve, na Comédie, um comediante que, como Le Bargy, servia de assistente (anônimo para o público) e ajudava seus colegas a assimilar um papel e fixar uma marcação.

          A posição de ator-diretor a representar ele próprio no espetáculo com seus pares é de molde a modificar sutilmente as relações de autoridade entre as personagens. Nas companhias particulares, quando o encenador dono da companhia faz parte da distribuição de papéis, mesmo que não queira, fica numa posição de constante supervisão em face dos outros intérpretes e estes crêem sentir sempre o seu olhar cravado neles.


Ator/Personagem


          Pode-se estabelecer a atitude do ator em seu ofício e em sua vida de acordo com o fato de ele:


Privilegiar a personagem


Elevar-se até a personagem


Identificar-se com a personagem


Anular-se diante da personagem


Esconder-se atrás da personagem


Mostrar a personagem


Destruir a noção de personagem






          Dessa forma, ele não escolheu apenas uma técnica de atuação, mas se filiou a um comportamento que lhe convém. Conforme o tipo de maquiagem que adotar (sofisticação, aceitação de enfeiar-se, gosto pela transformação, rosto limpo, uso de máscara), ele trai seu narcisismo ou seu desprendimento. Conforme aceite ou não ser dublado nas cenas perigosas, revela a têmpera de seu caráter e a parte de sua vida que pretende doar a seu ofício.


          A tradução da personagem evolui também com a mutação da sociedade. Havia na empatia um abandono poético em ser o outro, compreendê-lo, ser indulgente com o outro, feliz por entrar na compreensão do outro. Simpatizar, sentir junto, dizia Dullin. Experimentar o amor até o mimetismo, dizia Barrault; sentir-se um outro ser humano ou tornar-se vento, árvore, pedra.


          O ator da era científica (Brecht) tem certeza da superioridade da ciência sobre o instinto. Recusa o contato quente, critica, zomba, afasta qualquer tipo de comunicação que não seja a das idéias e não penetra em outro sistema de idéias que não seja o do seu tempo: "A evolução constante da humanidade torna estranho para nós o comportamento de nossos antepassados" (Bertolt Brecht).


          Em certos espetáculos, o ator se funde em uma personagem coletiva. Em outros, destrói a noção de personagem e põe em primeiro plano sua própria pessoa.
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Extraído de O ator no século XX, Editora Perspectiva

6º Prêmio APTR de Teatro - 2011

                    VENCEDORES

         
          Uma festa em grande estilo, realizada ontem no Teatro Carlos Gomes, apontou os vencedores do 6º Prêmio APTR de Teatro, relativo ao ano de 2011. Na ocasião, a APTR (Associação de Produtores de Teatro do Rio de Janeiro) prestou uma mais do que merecida homenagem a três ícones do teatro nacional (Paulo José, Domingos Oliveira e Aderbal Freire-Filho), que emocionaram os presentes com sua inteligência, charme e humor.

          Mas antes da apresentação dos vencedores, cumpre registrar as parcerias que a APTR estabeleceu em 2011 - e que foram mantidas para 2012 - com a Secretaria Municipal de Cultura, com a TV Globo e com a Eletrobras. Eduardo Barata (presidente da APTR), Emilio Kalil (Secretário de Cultura do Município), Luis Erlanger (Diretor Geral da Central Globo de Cimunicação) e José Antonio Muniz Lopes (presidente da Eletrobras) estiveram presentes à festa, apresentada por Cissa Guimarães e Michel Melamed, que comemorou não apenas os seis anos do prêmio, mas os dez de existência da APTR.    

          A seguir, a relação dos vencedores, escolhidos por um júri formado pelos críticos Tânia Brandão, Mauro Ferreira, Daniel Schenker, Macksen Luis, Lionel Fischer, Daniele Ávila, Norma Thiré e Barbara Heliodora.

AUTOR - Felipe Rocha (Ninguém falou que seria fácil)

DIREÇÃO - Monique Gardenberg (Inverno da luz vermelha)

CENOGRAFIA - Daniela Thomas (Inverno da luz vermelha)

FIGURINO - Emília Duncan (A escola do escândalo)

ILUMINAÇÃO - Maneco Quinderé (Palácio do fim e Inverno da luz vermelha)

ATOR PROTAGONISTA - Charles Fricks (O filho eterno)

ATRIZ PROTAGONISTA - Dani Barros (Estamira - beira do mundo)

ATOR COADJUVANTE - Jorge Caetano (Outside)

ATRIZ COADJUVANTE - Analu Prestes (Um dia como os outros e Mulheres sonharam cavalos)

ESPECIAL - Projeto Galpão Gamboavista

ESPETÁCULO - Palácio do fim (direção de José Wilker)

MÚSICA - Felipe Storino (Outside)

PRODUÇÃO:

Aventura Entretenimento - Aniela Jordan e Luiz Calainho por Um violinista o telhado.



Turbilhão de Ideias Cultura e Entretenimento - Gustavo Nunes e Pablo Sanábio por R&J de Shakespeare - Juventude interrompida.

OBS: o prêmio de Produção foi escolhido pelo colegiado da APTR.

Teatro O Tablado - Comemorações
         
          Em outubro de 2011 o Teatro O Tablado, de Maria Clara Machado, completou 60 anos e 2012 será o ano das comemorações! E para festejar os 60 de vida, o Teatro Tablado está preparando pra maio uma novíssima produção da peça "A menina e o vento", de Maria Clara Machado, com direção de Cacá Mourthé e, no elenco, André Mattos e George Sauma, entre muitos outros.


          Será uma montagem muito especial com grandes inovações tecnológicas que iremos revelando nas próximas semanas para aqueles que acompanharem o processo de produção, no qual também optamos por um modelo inovador.


          Abrimos uma campanha de captação de recursos no site Catarse, onde o público do Tablado poderá adquirir ingressos para as apresentações exclusivas, ou ingressos com desconto para toda a temporada, e de quebra nos ajudar a realizar esse espetáculo tão especial para a história da casa.


Saiba mais sobre o projeto no www.otablado.com.br


          Visite o site do projeto no link: http://catarse.me/pt/projects/563-tablado-60-anos , veja as recompensas que preparamos para os nossos apoiadores e clique em “QUERO APOIAR ESSE PROJETO”! Aí é só se cadastrar no site e optar por uma das formas de pagamento (cartão de crédito, transferência bancária ou impressão de boleto).


          E atenção - os ingressos para as sessões exclusivas são limitados. Corre lá e não perca a chance de participar das comemorações dos 60 anos do Tablado!


Vamos juntos?


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Teatro/CRÍTICA

"Em nome do jogo"

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Trama instigante na Maison


Lionel Fischer


Escritor de romances policiais de enorme sucesso, fanático por jogos, Andrew Wyke (Marcos Caruso) convida o amante de sua mulher, Milo Tindolini (Emílio de Mello) - cabeleireiro italiano, sedutor e atraente - para um encontro, aproveitando que sua esposa e amante de Milo, Sra. Marguerite, está viajando. Mais adiante surge o detetive Doppler, também interpretado por Mello, que ali aparece com a missão de esclarecer um possível assassinato.

Por tratar-se de uma peça policial, não julgo conveniente entrar em maiores detalhes sobre a trama, de autoria do dramaturgo inglês Anthony Shaffer, pois isto privaria o espectador de muitas surpresas. Em cartaz no Teatro Maison de France, "Em nome do jogo" chega à cena com direção de Gustavo Paso. 

Como dito acima, não é prudente tecer maiores considerações sobre o enredo. Mas torna-se obrigatório elogiar a sagacidade da trama, os excelentes diálogos, a impecável construção dos dois protagonistas, sendo tais atributos responsáveis pelo fascínio que a peça exerce sobre a platéia, que acompanha a narrativa com grande interesse.

Quanto ao espetáculo, Gustavo Paso impõe à cena uma dinâmica em total sintonia com o material dramatúrgico, explorando ao máximo todas as possibilidades de uma escrita impecável. E suponho que possa ter contribuído decisivamente no que concerne às excelentes performances de Marcos Caruso e Emílio de Mello.

O primeiro, senhor absoluto de seus vastos recursos expressivos, aqui os explora com notável êxito, tanto nas partes mais dramáticas quanto naquelas em que o humor predomina. O mesmo se aplica a Emílio de Mello, em meu entendimento o melhor ator de sua geração. Ainda assim, julgo pertinente tecer as considerações que se seguem quanto à composição do detevive Doppler.

Como todos os espectadores sabem que o elenco se resume a Marcos Caruso e Emílio de Mello, e estando o primeiro sempre em cena, é óbvio que cabe a Emílio a interpretação do detetive. Mas a que se deve a criação de um tipo tão caricato, de aspecto tão desagradável e, em certa medida, tão inverossímel? Seria uma exigência do texto? Uma sugestão da direção? Uma opção de Emílio?

Como não tenho nenhum contato com a produção, não sei a que - ou a quem - atribuir a iniciativa de criar uma figura tão grotesca, que contraria frontalmente a inteligência e refinamento das habituais escolhas deste ator de exceção. Mas se era para materializar na cena a figura que vemos, sem dúvida Emílio de Mello obtém pleno êxito. Ainda assim, o mistério, para mim, permanece inalterado.

Quanto à atuação da equipe técnica, considero irretocáveis as participações de todos os profissionais envolvidos nesta impecável produção - Marcos Daud (tradução), Ana Paula Cardoso e Carla Berri (cenografia), Paulo César Medeiros (iluminação), Caíque Botkay (trilha sonora), Teca Fichinski (figurinos e adereços) e Luciana Fávero (produção).

EM NOME DO JOGO - Texto de Anthony Shaffer. Direção de Gustavo Paso. Com Marcos Caruso e Emílio de Mello. Teatro Maison de France. Sexta e sábado, 21h. domingo, 18h.    

Teatro/CRÍTICA

"A primeira vista"

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Se lhe parece, assim é...


Lionel Fischer


"Nada é suficiente". Esta frase é repetida algumas vezes durante o espetáculo e permite, no mínimo, duas interpretações. A primeira, um tanto óbvia: um permanente estado de frustração. Já a segunda me parece mais instigante: o nada em questão seria um valor em si e, por que não? - suficiente. Mas qual das duas frases seria a mais pertinente em função do contexto? Ambas, talvez, ou quem sabe até uma terceira derivada das anteriores.

E é esta ambigüidade, esta permanente possibilidade de múltiplas interpretações que confere um interesse todo especial a "A primeira vista", de Daniel MacIvor, que acaba de entrar em cartaz no Teatro Poeira. Enrique Diz assina a direção, estando o elenco formado por Drica Moraes e Mariana Lima.

Em termos de enredo, a peça é bastante simples: mostra a relação de duas amigas que acampam, tentam formar uma banda de rock, têm um momento amoroso, tecem considerações sobre a vida. Nada de muito especial ou trascendente, já que estamos diante de duas pessoas comuns.

No entanto, esta aparente banalidade ganha contornos deliciosos 
porque dificilmente ambas concordam, seja quando discutem um fato ou o narram para a platéia. Esta, sem saber jamais aonde está a verdade, estabelece a sua, ainda que a mesma possa ser mais adiante desmentida.

E a ótima encenação de Enrique Diz está em perfeita sintonia com essa permanente alternância de pontos de vista - uma mesma passagem, por exemplo, é feita quase sempre de maneiras diversas, com as atrizes ora contracenando frontalmente, ora sem se olhar. Afora issso, cabe destacar a criativa forma como o encenador trabalha as pausas, sempre impregnadas de dúbios significados, e a imensa poesia da cena em que as atrizes, dentro de uma caixa de luz, relacionam-se com a mesma.

Com relação a Mariana Lima e Drica Moraes, confiro às duas os mesmos e apaixonados elogios. Estamos diante de duas atrizes completas, senhoras absolutas de seus vastos recursos interpretativos. E que evidenciam não apenas seu enorme prazer de estar em cena, mas também a inteligência de suas escolhas e a ótima contracena que estabelecem. Sob todos os aspectos, a atuação de ambas é um verdadeiro presente para aqueles que amam a complexa arte de representar. 

E no tocante a Drica Moraes, que travou longa batalha contra o destino e não se curvou à sua aparentemente inexorável vontade, faço questão de registrar minha emoção de vê-la retornar aos palcos e à vida mais talentosa e linda do que nunca. Que os sempre caprichosos deuses do teatro continuem abençoando sua luminosa trajetória.

Com relação à equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo os trabalhos de todos os profissionais envolvidos nesta divertida e curiosa empreitada teatral - Marcos Chaves (cenografia), Antônio Medeiros (figurinos), Maneco Quinderé (iluminação), Fabiano Krieger e Lucas Marcier (música), Daniele Ávila (tradução) e Cristina Moura (preparação corporal).

A PRIMEIRA VISTA - Texto de Daniel MacIvor. Direção de Enrique Diaz. Com Drica Moraes e Mariana Lima. Teatro Poeira. Quinta a sábado, 21h. Domingo, 19h  

Engajamento político

Odette Aslan


          O comportamento dos comediantes evoluiu consideravelmente desde o tempo em que eram reduzidos à condição de párias. Despidos de seus direitos cívicos e até excomungados, no mínimo taxados de espírito boêmio e libertino, não descansaram até que se tornassem respeitados aos olhos de seus concidadãos. Tendo acesso na França à Legião de Honra, enviados a países estrangeiros como "embaixadores artísticos", haviam conquistado na primeira metade do século XX um status brilhante e, progressivamente, se haviam até aburguesado a ponto de serem contestados pelo movimento hippie em 1968.

          Nem sempre houve entre os comediantes simples desejo de honorabilidade, mas houve também desejo profundo de mudar o mundo. Construindo no palco um mundo fictício melhor, quiseram tornar efetivo esse sonho, agir verdadeiramente em carne e osso, na realidade. Entretanto hesita-se em aceitá-los como homens de ação. Charles Chaplin quase rompeu com Ramsay MacDonald, então primeiro-ministro trabalhista, quando este se recusou a levar a sério o plano que ele havia elaborado para acabar com o desemprego na Inglaterra, suprimir os pardieiros e resolver a crise financeira da época.

          Gérard Philipe gravou textos de Karl Marx, interpretou Nucléa, peça de Henri Pichette contra a bomba atômica, colheu assinaturas para o Apelo de Estocolmo, fez um filme sobre as reivindicações operárias, participou de manifestações, apoiou o esforço do TNP. Enquanto Laurence Olivier, perguntado por Kenneth Tynan: "O senhor aceitaria um papel de primeiro plano numa peça contra os negros?", declarou: "Somente se no dito papel eu pudesse mostrar algo de verdadeiro sobre eles. Não gostaria de apresentar um aspecto político mais direto do que o de Tchecov, o grande profeta da Revolução".

          "Ainda há atores que se vangloriam de não saber nada de política e para quem o teatro é uma torre de marfim", observou Peter Brook, saudando uma geração nova de comediantes mais informados sobre os problemas sociais, uma "nova raça". O teatro de hoje não é mais um refúgio para aqueles que existem apenas com pensamentos e sentimentos emprestados. É um lugar que favorece a tomada de consciência, que agita os problemas do momento, que une grupos a serviço de uma idéia.

Aquele que quiser transmitir suas convicções sociais e políticas através do teatro...

milita em cena, nos bastidores e na vida.
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Segmento extraído de O ator no século XX, Editora Perspectiva.

Teatro/CRÍTICA

"Julia"

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Obra-prima em versão magistral


Lionel Fischer


Uma menina linda, feliz e graciosa, corre atrás de uma bola em um jardim esplêndido. Ela está em sua mansão. É filmada por seu pai. Em dado momento, a câmera enquadra o jardineiro negro e seu filho.
A voz do pai solicita que ambos saiam do quadro. Mas o lixo que recolhem permanece. Então, novamente a voz do pai se faz ouvir, solicitando que o entulho seja retirado. O filho do jardineiro, de forma um tanto atabalhoada, cumpre o que lhe ordenam. Corta.

Em seguida, vemos a mesma menina - talvez um pouquinho mais velha? - sentada num outro ponto do jardim. Ela tem uma flor em suas mãos. Mas seu humor já não é o mesmo. Ela pede que a filmagem seja encerrada. O pai não a atende de imediato. Ela insiste, dizendo querer ficar sozinha. Ainda não é atendida. Joga a flor num pequeno lago. Peixes avançam sobre ela. Corta.

Muitos anos depois. A menina Julia virou uma mocinha. Nos jardins de sua mansão está acontecendo uma festa. Uma festa dos empregados. Alguns dançam forró. Ela se aproxima do motorista negro de seu pai, filho do jardineiro. Convida-o para dançar. Ele inicialmente reluta, mas acaba cedendo. E então se inicia uma forte relação entre ambos, que acaba conduzindo a um desfecho trágico.

Estaríamos falando de "Senhorita Julia", obra magistral de August Strindberg? Certamente, ainda que puristas de plantão possam torcer seus desgraciosos narizes. Sim, o público que lotou as apresentações  deste espetáculo no Espaço Sesc, no ano passado, e que agora estão lotando o Espaço Cultural Sergio Porto, tiveram e estão tendo a raríssima oportunidade de entrar em contato com uma peça maravilhosa, aqui materializada mediante uma irrepreensível mescla de teatro e cinema.

Prêmio Shell de melhor direção de 2011, "Julia" tem adaptação e direção assinadas por Christiane Jatahy, também responsável pelo roteiro cinematográfico, com David Pacheco respondendo pela direção de fotografia. Do filme participam, com maior destaque, as atrizes Tatiana Tiburcio no papel da empregada e a atriz mirim Alice Gastal fazendo a menina. No palco e na tela, Julia Bernat faz a protagonista e Rodrigo dos Santos o motorista, com David Pacheco operando a câmera e orientando a filmagem.  

Por tratar-se de obra muito conhecida e encenada com frequência, não julgo necessário reproduzir seu enredo, detalhando todas as peripécias e reviravoltas da trama. Mas cumpre destacar o essencial, talvez a premissa básica do texto: a total impossibilidade (ao menos na opinião do autor) de pessoas de classes sociais diametralmente opostas estabelecerem uma relação que transcenda aquilo que as separa. Da mesma forma que água e vinho não se misturam, patrões e empregados também devem manter prudente distância. Em caso contrário, como acontece aqui e já dito acima, o único desfecho possível aponta para o trágico.

Com relação ao espetáculo, Christiane Jatahy poderia perfeitamente ter feito uma adaptação convencional do texto, quem sabe reduzindo-o um pouco, mas atendo-se somente à sua estrutura. No entanto, ao decidir mesclar teatro e cinema, desde logo fica perfeitamente clara sua primeira opção: colocar o espectador como uma espécie de voyeur  da trama - o espetáculo se passa num set de filmagem. E isto torna totalmente lícitos os eventuais olhares que Julia lança à platéia. E esta, em função da dinâmica cênica, também tem seu olhar conduzido pela montagem.

Em algumas passagens, os atores estão em cena. Em outras, estão em cena e também projetados em duas telas. Há momentos em que sabemos que estão no palco, mas só são vistos pelo olhar da câmera, quando se embrenham por um dos cômodos. Em resumo: nosso olhar é não apenas conduzido, mas sobretudo instigado: o que devemos priorizar? O que estamos vendo na realidade do palco? A realidade que o palco não raro nos oculta? E o que acontece quando aquele que dirige a cena diz "corta" e os atores desarmam por um breve instante? Isso nos afasta do espetáculo, arrefece nossa emoção? Ou, muito pelo contrário, a atiça cada vez mais?

Cada espectador, evidentemente, terá a sua resposta. Ou cultivará suas dúvidas com inenarrável prazer. Sim, pois sob todos os aspectos, estamos diante de uma direção originalíssima, que em nenhum momento sacrifica o original ao mesclá-lo com outra linguagem e ao colocá-lo no nosso tempo. Àqueles que não concordam, sugiro que se dirijam rapidamente, após o espetáculo, para a primeira pizzaria disponível e nela afoguem sua inveja em meio a chopes e conversas fúteis.

Com relação ao elenco, Alice Gastal faz maravilhosa participação na pele da menina Julia, o mesmo aplicando-se a Tatiana Tiburcio, que confere à empregada a dignidade e revolta inerentes à personagem. Rodrigo dos Santos exibe irretocável performance vivendo o empregado, conseguindo passar as principais características do papel: inicialmente sua relutância em aceitar a sedução de Julia e mais adiante sua virulência, ambição e finalmente seu caráter submisso e amedrontado.

Quanto a Julia Bernat, atriz de apenas 21 anos, esta se entrega de forma visceral à sua personagem, exibindo total compreensão da mesma e uma coragem que lhe permite, dentre tantas passagens marcantes, desnudar-se por completo na cena em que transa com seu serviçal - este momento é simplesmente deslumbrante, pois muito mais do que sentir prazer, a personagem se mostra bastante desnorteada, como se não estivesse entendendo muito bem a mecânica daquele ato em que é muito mais dominada do que domina, logo ela que, embora eventualmente frágil e perdida, não deixa de ser autoritária e dominadora. E Julia Bernat (assim como Rodrigo dos Santos) também trabalha de forma notável os silêncios, sempre preenchendo-os de múltiplos significados. Sem dúvida, uma atuação que nos autoriza a supor que estamos diante de uma jovem que tem tudo para se tornar uma das melhores atrizes de sua geração.

Na equipe técnica, destaco com o mesmo e irrestrito entusiasmo as contribuições de todos os profissionais envolvidos nesta magistral e inesquecível empreitada teatral - Marcelo Lipiani (direção de arte e cenário), David Pacheco (direção de fotografia), Renato Machado (iluminação), Rodrigo Marçal (direção musical), Angele Fróes (figurino) e Dani Lima (orientação corporal).

JULIA. Texto de Strindberg. Adaptação e direção de Christiane Jatahy. Com Julia Bernat, Rodrigo dos Santos, Tatiana Tiburcio e Alice Gastal. Espaço Cultural Sergio Porto. Quinta a sábado, 21h. Domingo, 20h.