NELSON RODRIGUES
Em 2012 comemoramos os 100 anos de nascimento de Nelson Rodrigues, nosso maior dramaturgo. E atendendo a alguns pedidos, coloco em seguida um resumo de sua obra e trajetória artística. (LF)
Infância e Adolescência
Nascido no Recife a 23 de agosto de 1912 e quarto dos quatorze filhos do jornalista Mário Rodrigues e de Maria Esther Falcão, aos quatro anos Nelson foi morar no Rio de Janeiro para onde seu pai se mudara para trabalhar no Correio da Manhã de Edmundo Bittencourt. Em suas Memórias ele diz que seu grande laboratório de escritor foi a infância vivida na Zona Norte. Dos anos passados na rua Alegre (atual Almirante João Cândido Brasil), bairro de Aldeia Campista, saíram para sua obra situações alimentadas pela moral da classe média dos primeiros anos do século XX.
Sua infância foi marcada por este clima e pela personalidade retraída do menino que lia um romance atrás do outro. Nesta época ocorreu a descoberta do futebol, paixão que conservaria por toda a vida. Em 1925 Mário Rodrigues fundou A Manhã após romper com Edmundo Bittencourt e foi neste jornal que Nelson começou sua carreira jornalística como repórter policial, aos 13 anos de idade. Os crimes passionais e pactos de amor e morte entre casais incendiavam a imaginação do adolescente romântico que utilizaria o cenário dessas histórias em suas peças.
O poeta seria o criador da grande dramaturgia brasileira, mas sua obra fundamenta-se no drama bíblico que ele parodia ou parafraseia adaptando-o à realidade brasileira: não nos esqueçamos de que para casar Mário Rodrigues teve de fazer-se pastor por imposição dos pais da noiva, que eram batistas praticantes numa Recife dominada pelo catolicismo, daí a presença da religião na vida de Nelson, questão à qual se refere quando em suas crônicas fala das tias católicas e protestantes que o obrigavam a frequentar igrejas e templos.
Entretanto, desde criança seu gênio, ao qual nunca faltou o humor, resistiu a essa lavagem cerebral derrotando a visão reacionária do Evangelho para apresentá-lo de forma revolucionária em suas peças. Quando o pai de Nelson conseguiu atingir uma situação financeira confortável ele levou a família para Copacabana, então um arrabalde luxuoso da orla carioca. Apesar da bonança, Mário Rodrigues perderia para o sócio o controle acionário de A Manhã. Porém, em 1928 funda Crítica.
Como cronista esportivo Nelson escreveu para este jornal textos antológicos sobre o Fluminense, seu clube do coração, embora a maioria tenha sido publicada no Jornal dos Sports de Mário Rodrigues Filho, o primogênito de Mário Rodrigues. Junto com ele Nelson foi fundamental para que o Fla-Flu conquistasse seu prestígio tornando-se um dos maiores clássicos do futebol brasileiro.
Juventude e Maturidade
Nelson seguiu seus irmãos Mário, Milton e Roberto integrando a redação de Crítica. Ali continuou a escrever na página de polícia, enquanto Mário cuidava dos esportes e Roberto, um talentoso desenhista, fazia as ilustrações. O jornal era um sucesso de vendas, misturando apaixonada cobertura política com relatos sensacionalistas de acontecimentos sociais.
Em 26 de dezembro de 1929 a sua primeira página deu a manchete da separação do casal Sylvia Serafim e João Thibau Jr. Ilustrada por Roberto e assinada pelo repórter Orestes Barbosa, a matéria provocou uma tragédia. Sentindo-se difamada, Sylvia invadiu a redação de Crítica armada de revolver para matar seu dono, mas como este não estivesse ela atirou no filho Roberto. Nelson testemunhou o crime e a agonia do irmão, que morreu dias depois. Deprimido com a perda do filho, Mário Rodrigues faleceu poucos meses após a tragédia.
Finalmente, durante a Revolução de 30 a gráfica e a redação do diário são empasteladas e ele deixa de existir. Sem seu chefe e sem fonte de sustento a família Rodrigues mergulha em decadência financeira. Foram anos de fome e dificuldades para todos. Pouco afinados com Getúlio Vargas, os Rodrigues demorariam anos para se recuperarem. Ajudado por Mário Filho, amigo de Roberto Marinho, Nelson passa a trabalhar em O Globo, mas pouco tempo depois descobre que estava tuberculoso e para tratar-se passa longas temporadas no sanatório de Campos do Jordão. Seu tratamento é custeado por Marinho que, com isso, conquistou a eterna gratidão de Nelson.
Recuperado, ele volta e assume a seção cultural do jornal passando a fazer crítica de ópera. Em 1940 casou-se com Elza Bretanha, sua colega de redação. A partir de 1941 Nelson divide-se entre o emprego em O Globo e a criação de peças teatrais. No final deste ano ele escreve A mulher sem pecado, que estreou um ano depois no Teatro Carlos Gomes ficando em cartaz apenas três semanas. Em seguida a esse mal sucedido começo ele cria Vestido de noiva, estreado com estrondoso sucesso no final de 1943 no Teatro Municipal, sob a direção de Ziembinski.
Em 1945 abandona O Globo passando a trabalhar nos Diários Associados. Em O Jornal, um dos veículos de propriedade de Assis Chateaubriand, começa a escrever Meu destino é pecar, seu primeiro folhetim que assinou como Susana Flag. O sucesso alavancou as vendas do jornal e estimulou o dramaturgo a escrever sua terceira peça, Álbum de família, que foi proibida pela censura e só liberada em 1965. Em 1946 criou Anjo negro que, após dura batalha com os censores, estreou dois anos depois, lhe possibilitando adquirir sua casa do Andaraí. Em 1947 escreve Senhora dos afogados, que só foi à cena nove anos depois, e Dorotéia, em 1949, que estreou no ano seguinte unicamente porque escrita sob pseudômino.
Em 1950 passa a trabalhar na Ultima Hora, jornal de Samuel Wainer, onde começa a escrever as crônicas de A vida como ela é..., seu maior sucesso jornalístico. De 1952 a 1957 tem um caso com Yolanda Camejo, que lhe dá três filhos: Maria Lúcia, Sônia e Paulo César. Na década seguinte separa-se de Elza e vai morar com Lúcia Cruz e Lima com quem teria Daniela, nascida cega. Nelson trabalha na recém-fundada TV Globo participando da Grande Resenha Facit, primeira mesa-redonda sobre futebol da televisão brasileira e em 1967 passa a publicar suas Memórias no Correio da Manhã, onde seu pai trabalhara 50 anos antes.
Velhice
Nos anos 70, consagrado como poeta dramático e jornalista, a saúde de Nélson começa a baquear. Durante a ditadura militar, que só retoricamente apoiou porque na verdade usou seu prestígio para proteger e libertar vários perseguidos pelo regime, seu filho Nelson Rodrigues Filho torna-se militante clandestino, sendo preso e torturado. Depois do fim de seu casamento com Lúcia, Nelson ainda manteve rápido caso com sua secretária Helena Maria antes de reatar com Elza. O maior poeta dramático de língua portuguesa, ao lado do renascentista luso Gil Vicente, faleceu de complicações cardíacas e respiratóliras aos 68 anos numa manhã do domingo de 21 de dezembro de 1980. Dois meses depois, Elza atendia ao pedido do marido de ainda em vida gravar seu nome ao lado do dele na lápide de seu túmulo no cemitério São João Batista: Unidos para além da vida e da morte.
TEATRO
A mulher sem pecado (1941)
Vestido de noiva (1943)
Álbum de família (1945)
Anjo negro (1946)
Senhora dos Afogados (1947)
Dorotéia (1949)
Valsa nº 6 (1951)
A falecida (1953)
Perdoa-me por me traíres (1957)
Viúva, porém honesta (1957)
Os sete gatinhos (1958)
Boca de ouro (1959)
O beijo no asfalto (1960)
Bonitinha, mas ordinária (1962)
Toda nudez será castigada (1965)
Anti-Nélson Rodrigues (1974)
A serpente (1978)
ROMANCES
Meu destino é pecar (1944)
Escravas do amor (1944)
Minha vida (1944)
Núpcias de fogo (1948)
A mulher que amou demais (1949)
A mentira (1953)
O homem proibido (1959)
Asfalto selvagem (1959)
O casamento (1966)
CONTOS
Cem contos escolhidos (1972)
Elas gostam de apanhar (1974)
O homem fiel e outros contos (1992)
A dama do lotação e outros contos (1992)
A coroa de orquídeas (1992)
Pouco amor não é amor (2002)
CRÔNICAS
Memórias de Nelson Rodrigues (1967)
O óbvio ululante: primeiras confissões (1968)
A cabra vadia (1970)
O reacionário: memórias e confissões (1977)
Fla-Flu...e as multidões despertaram (1987)
O remador de Ben-Hur (1992)
A cabra vadia - Novas confissões (1992)
A pátria em chuteiras - Novas Crônicas de Futebol (1992)
A menina sem estrela - memórias (1992)
À sombra das chuteiras imortais - Crônicas de Futebol (1992)
A mulher do próximo (1992)
Nelson Rodrigues, o Profeta Tricolor (2002)
Não se pode amar e ser feliz ao mesmo tempo (2002)
TELENOVELAS
A morta sem espelho - TV Rio (1963)
Sonho de amor - TV Rio (1964)
O desconhecido - TV Rio (1964)
O homem proibido - TV Globo 1982 (baseada na obra de Nelson)
Meu destino é pecar - TV Globo 1984 (idem)
Engraçadinha, seus amores e seus pecados - TV Globo 1995 (idem)
A Vida como ela é - TV Globo 1996 (idem)
FILMES (baseados na obra de Nelson)
Somos dois (1950), direção de Milton Rodrigues
Meu destino é pecar (1952), direção de Manuel Pelufo
Mulheres e milhões (1961), direção de Jorge Ileli
Boca de ouro (1963), direção de Nelson Pereira dos Santos
Meu nome é Pelé (1963), direção de Carlos Hugo Christensen
Bonitinha, mas ordinária (1963), direção de J.P. de Carvalho
Asfalto selvagem (1964), direção de J.B. Tanko
A falecida (1965), direção de Leon Hirzman
O beijo no asfalto (1966), direção de Flávio Tambellini
Engraçadinha depois dos trinta (1966), direção de J.B. Tanko
Toda nudez será castigada (1973), direção de Arnaldo Jabor
O casamento (1975), direção de Arnaldo Jabor
A dama do lotação (1978), direção de Neville d'Almeida
Os sete gatinhos (1980), direção de Neville d'Almeida
O beijo no asfalto (1980), direção de Bruno Barreto
Bonitinha, mas ordinária (1981), direção de Braz Chediak
Álbum de família (1981), direção de Braz Chediak
Engraçadinha (1981), direção de Haroldo Marinho Barbosa
Perdoa-me por me traíres (1983), direção de Braz Chediak
Boca de ouro (1990), direção de Walter Avancini
Traição (1998), direcão de Arthur Fontes, Cláudio Torres e José Henrique Fonseca
Gêmeas (1999), direção de Andrucha Waddington
Vestido de noiva (2006), direção de Joffre Rodrigues
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quinta-feira, 26 de abril de 2012
quarta-feira, 25 de abril de 2012
O Dramaturgo como Pensador
Introdução
Richard Gilman
Um homem caminha ao meu lado e eu o reconheço de fotos que vi em capas de livros ou nos jornais. É mais alto do que eu supunha, muito mais alto que Brecht, em cujos traços vagamente (é o que me parece, como um doce tributo) modelou sua aparência, pelo menos, nos cabelos, que usa em mechas. É uma linda tarde verão e a Commercial Street, a rua principal de Provincetown, está lotada de passantes, alguns andando para cima e para baixo, como um paseo mexicano. Trata-se de uma celebridade, e para mim uma das maiores.
Quando passa à minha frente, digo de quem se trata às pessoas que estão comigo, e resolvo apresentar-me a ele. É o que faço. Corro, interrompo seu caminho e digo: "Senhor Bentley, é um prazer vê-lo aqui". Digo-lhe meu nome e acrescento, "admiro seu trabalho há muito tempo".
Não há tanto tempo assim, para dizer a verdade. Estávamos no verão de 1962. Eu escrevia sobre teatro desde o outono do ano anterior, quando fui convidado (talvez pelo meu estilo, pela revisão de algumas traduções novas de Ibsen e, suponho, também pela confiança em minha capacidade de aprender) para ser crítico teatral da Revista Commonweal.
Fui uma escolha surpreendente. Não tinha feito estudos regulares de dramaturgia, nem de teatro; minha única "experiência" prática residia em ter atuado em algumas pecinhas na escola e no acampamento de verão. Até há poucos anos, não tinha o menor interesse pelo palco. Nesse aspecto, assemelhava-me à maioria de meus contemporâneos intelectuais, para os quais a dramaturgia, pelo menos a que encontrávamos neste país, era uma arte distintamente inferior à ficção ou à poesia.
Podíamos, é claro, abrir exceção para um Shakespeare ou Tchecov, mas encarávamos seus trabalhos mais como literatura do que como teatro (como ainda são vistos pelos departamentos de Inglês ou Literatura Comparada). Além disso, eles sobreviveram de um passado que tinha, de alguma forma, sido capaz de gerar uma verdadeira arte dramática, que não mais existia - era o que pensávamos do alto de nossa sofisticação -, vendo a chamada dramaturgia "moderna" como um deserto árido.
Portanto, quando comecei a escrever profissionalmente, escrevia e pensava sobre poemas, contos e novelas, assim como sobre teorias culturais. Parece ser exagerado dizer que os livros de Eric Bentley, especiamente O Dramaturgo como Pensador, me fizeram abrir os olhos para as possibilidades estéticas e intelectuais do palco (assistir Esperando Godot, em 1954, também representou um grande papel no meu despertar), mas seus escritos realmente foram o grande impulso que tive naquela época para definir um rumo.
Ele foi o que naquele período ainda não chamávamos de "papel modelo". Se o fato de me tornar um crítico teatral representou ou não uma ascensão cultural, não tenho a menor dúvida de que Bentley produziu o mesmo tipo de efeito revelatório - como que uma limpeza de idéias, lançando luz onde existiam trevas - em muitas pessoas além de mim: estudantes de artes, literatos e, com o correr do tempo, até mesmo calejados profissionais do teatro.
Não será surpreendente verificar que foram esses últimos os que ofereceram maior resistência a deixar-se iluminar? Não li O Dramaturgo como Pensador quando foi publicado em 1946, porque essa foi a fase extrema de minha não-preocupação com o teatro, mas li-o alguns anos mais tarde e fiquei tão inspirado que empreendi uma pequena pesquisa sobre a repercussão contemporânea do livro.
Foi tudo menos um "acontecimento editorial", embora tenha merecido umas notas respeitosas e uma ou duas laudatórias. As reações que despertou no Universo teatral e seu satélite da cobertura jornalística teatral foram desde o desdenhoso, chocado e horrorizado, até, no melhor dos casos - ou talvez, o pior - o condescendente. Se me lembro corretamente, a reação do meio acadêmico não foi muito mais acolhedora.
Tomo algumas liberdades com a linguagem do que poderíamos chamar de réplica do conservadorismo para com O Dramaturgo como Pensador, mas sua essência era o seguinte: "Como poderia estar correto o enfoque deste autor?" Como podem os dramaturgos ser pensadores, quando todos sabem que são pessoas que sentem? Lidam com emoções e não com idéias - não é?" Bem, não é isso?"
Não, não é isso, não ao pé da letra. Mais do que qualquer outro crítico, Bentley deu à teoria, observação e prática do teatro neste país - e a mim, com toda a certeza - um meio de desmistificar uma distinção tão preconceituosa e errônea. Francis Fergusson colaborou com o trabalho de demolição e reconstrução, mas Fergusson foi muito mais estreito.
Mente ou corpo, pensamento ou sentimento, idéias ou emoções - tais antíteses cruas e ofensivas já possuem uma longa história de teram causado desgraça intelectual à América, em nenhum outro campo mais flagrante e debilitante do que no teatro. À sua maneira espirituosa, Edgar Allan Poe foi o primeiro a detectar a doença; Henry James (cuja crítica teatral ainda é pouco conhecida) ampliou o diagnóstico e receitou sua cura, mas foi Bentley quem atualizou a profilaxia e a divulgou.
Os pontos que ele ressaltou em O Dramaturgo, e nos escritos que viriam a seguir, são, em essência, que a dramaturgia é, ou tem sido, uma arte tão densa, ou maleável, ou reverberante, ou misteriosa, ou vigorosa, ou perturbadora quanto qualquer outra; que, tanto quanto outros artistas, os dramaturgos pensam de maneira apropriada à sua arte; que o pensamento, na arte, é o processo pelo qual a emoção crua, não imediata - com suas traições e enganos, sua indução à cegueira - é apresentada à mente, localizada, explorada e trazida a uma relação com a experiência e a imaginação. Em outras palavras, trazida à consciência.
Quando Pirandello disse que o que era "novo" em suas peças era que nelas ele havia "convertido o intelecto em paixão" (poderia também ter dito que os unira, que tornara cada um deles um aspecto do outro), bem pode ter exagerado sua originalidade. Ele teve grandes predecessores, mas a observação e a ação por ele descritas foram corretas e surpreendentes, nas condições do teatro de seus dias.
O intelecto e a paixão sempre foram complementares, recíprocos; mas a sabedoria adquirida do teatro, mesmo em sua admiração pelos "clássicos", persistia em julgá-los contrários. É isso que existe por trás da tendenciosa rejeição de Godot, por Walter Kerr, como uma "lição de filosofia" e não como uma peça; e o que existe por trás também da opinião estabelecida - amplamente difundida em minha juventude (e que ainda remanesce aqui e ali) - de que, por exemplo, Ibsen é todo intelecto ou "idéias", sem nenhuma paixão; de que Strindberg é sentimento bruto, sem nenhum espírito, e de que Tchecov, segundo a noção confortável e imbecil, não se ocupava nem de paixão nem de pensamento, mas duma coisa amorfa, nebulosa, "acridoce", delicada, existente no meio-termo.
Pirandello, Ibsen, Strindberg, Tchecov, Brecht e, em menor extensão, Shaw, foram os dramaturgos de nossa era moderna que o livro de Bentley resgatou para mim da obscuridade, da má interpretação, da calúnia, ou talvez, do mais mortal perigo de todos, do acadêmico. Em suas páginas também, pela primeira vez, encontrei-me com seus ancestrais do século XIX, tão negligenciados (todos alemães, por acaso): Kleist, Grabbe e principalmente Büchner; e dramaturgos que conhecia apenas como novelistas ou poetas: Zola, Yeats, Lorca. Como também fui apresentado por seu livro a teóricos e praticantes que não conhecia e dos quais meramente tinha ouvido falar: Appia, Gordon Craig, Antoine etc; e aos críticos: Stark Young, Shaw e Beerbohm, nesse aspecto de suas carreiras. Fui educado por O Dramaturgo.
O livro mantém-se admiravelmente bem e embora A Vida da Dramaturgia possa ser uma obra melhor, - seguramente é melhor organizado e mais ousado - não ocupa o lugar do Dramaturgo como centro de minhas afeições. Mas uma coisa me ocorre, é que o livro parece ter servido (como Bentley diz que Brand e Gynt fizeram por Ibsen) de "jazida", da qual retirou material para a maior parte do que escreveria mais tarde.
Com o passar dos anos, li tudo o que Bentley publicou, recuperando o tempo perdido, lendo os livros que tinham surgido durante meus tempos de indiferença pelo teatro. Nem sempre fui persuadido por ele (o livro sobre Shaw não me convenceu de que esse autor tenha conseguido realizar tudo o que Bentley afirma), e às vezes discordei de algumas proposições teóricas - sobre a natureza do melodrama, por exemplo. Mas fui maravilhosamente instruído, recebi maiores conhecimentos sobre a dramaturgia e o palco.
Penso na série de crônicas que publicou nos anos 50 - In Search of Theatre, The Dramatic Event, What is Theatre? - nas críticas semanais reunidas em livro, juntamente com artigos ocasionais. Jamais houve na América um jornalismo de idéias tão flexível, espirituoso, profundo e não-acomodado. Foi sua a voz da razão pelo - ou sobre, ou contra - teatro americano daquela época; foi ele o seu policial incansável e competente, para usar uma das definições de Shaw da tarefa do crítico.
Pensei em consultar os livros que mantenho sempre em uma estante perto de minha mesa, mas percebi então que não era necessário refrescar minha memória, pois ela pode rapidamente me oferecer um sem-número de artigos exemplares. Recordo-me primeiramente de Trying to Like O'Neill, que ainda é o juízo mais contundente que conheço sobre o nosso (ai de mim!) melhor dramaturgo.
Logo então outros trabalhos começam a acumular-se: Doing Shakespeare Wrong; The China in the Bull Shop (um tributo bem humorado a Stark Young, seu predecessor em The New Republic); Craftsmans-hip in Uncle Vanya; The Stagecraft of Brecht; Tennessee Willimans and New York Kazan (uma descrição lindamente equilibrada do dramaturgo e uma avaliação igualmente astuta das virtudes e delinqüências do diretor); The Broadway Inteligantsía (em sua maior parte, pessoas que classificam os dramaturgos como dominados pelo sentimento); Is Drama an Extint Species?, com suas observações prescientes sobre o cinema como uma ameaça estética ao teatro.
Quando chegou minha vez de escrever meu próprio livro, The Making of Modern Drama, fiquei assustado ao me descobrir com o impulso de citar Bentley a cada página. Então dei uma reviravolta: caindo profundamente no Complexo de Influência, comecei a mantê-lo afastado de minha mente. Embora Eric Bentley não tivesse idade para ser meu pai biológico, espiritualmente, intelectualmente, foi meu progenitor e, se não podia matá-lo, ainda que metaforicamente, podia pelo menos mantê-lo afastado.
Mesmo assim, apesar de todo o meu esforço para evitá-lo, lembro-me que meu editor comentou delicadamente a freqüência com que os comentários de Bentley surgiam em meu texto, ao que lhe respondi que se tratavam somente de casos onde eu não tinha sido capaz de dizer melhor, ou com qualquer grau de originalidade, o que ele já tinha dito.
Ao fim e ao cabo, o tempo supera a todos nós, e não é surpreendente que, nos anos recentes, Bentley tenha desaparecido um pouco do que chamamos de "desenvolvimento" do teatro, ou que isso o tenha ultrapassado. É verdade, porém, que sua energia dirigiu-se mais para as suas próprias peças e seu trabalho como ator; o crítico entrava na arena depois de observá-la durante tanto tempo com olhos a que nada escapava. A política passou a ocupá-lo mais diretamente do que antes, a realidade política, cuja presença na dramaturgia tinha sido uma das verdades desconfortáveis que ele exumara e colocara diante de um mundo teatral que preferiria não tê-la visto.
Embora meus valores políticos não estejam tão distantes dos dele, não compartilho de todas as suas posições particulares e freqüentemente me descubro irritado com suas diatribes. Mas ele tem direito a elas, e está certo. Eric Bentley está com mais de setenta anos e quero dizer-lhe e a quantos leitores puder alcançar, o quanto ele significou para mim. Com todos os prêmios que nosso autocongratulório teatro está sempre se concedendo, deveria haver um para ele. Mas, possivelmente, ele o recusaria; com sua voz estridente e hesitante, diria qualquer coisa obliquamente elegante, talvez parafraseasse Brecht, citando que qualquer instituição que necessite de heróis está em péssima forma. Pois bem, estávamos em péssima forma e necessitando dele.
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Extraído de O Dramaturgo como Pensador, tradução de Ana Zelma Campos, Editora Civilização Brasileira. O livro, escrito em 1946, foi lançado no Brasil em 1987, e trata-se de leitura obrigatória para os amantes do teatro.
Introdução
Richard Gilman
Um homem caminha ao meu lado e eu o reconheço de fotos que vi em capas de livros ou nos jornais. É mais alto do que eu supunha, muito mais alto que Brecht, em cujos traços vagamente (é o que me parece, como um doce tributo) modelou sua aparência, pelo menos, nos cabelos, que usa em mechas. É uma linda tarde verão e a Commercial Street, a rua principal de Provincetown, está lotada de passantes, alguns andando para cima e para baixo, como um paseo mexicano. Trata-se de uma celebridade, e para mim uma das maiores.
Quando passa à minha frente, digo de quem se trata às pessoas que estão comigo, e resolvo apresentar-me a ele. É o que faço. Corro, interrompo seu caminho e digo: "Senhor Bentley, é um prazer vê-lo aqui". Digo-lhe meu nome e acrescento, "admiro seu trabalho há muito tempo".
Não há tanto tempo assim, para dizer a verdade. Estávamos no verão de 1962. Eu escrevia sobre teatro desde o outono do ano anterior, quando fui convidado (talvez pelo meu estilo, pela revisão de algumas traduções novas de Ibsen e, suponho, também pela confiança em minha capacidade de aprender) para ser crítico teatral da Revista Commonweal.
Fui uma escolha surpreendente. Não tinha feito estudos regulares de dramaturgia, nem de teatro; minha única "experiência" prática residia em ter atuado em algumas pecinhas na escola e no acampamento de verão. Até há poucos anos, não tinha o menor interesse pelo palco. Nesse aspecto, assemelhava-me à maioria de meus contemporâneos intelectuais, para os quais a dramaturgia, pelo menos a que encontrávamos neste país, era uma arte distintamente inferior à ficção ou à poesia.
Podíamos, é claro, abrir exceção para um Shakespeare ou Tchecov, mas encarávamos seus trabalhos mais como literatura do que como teatro (como ainda são vistos pelos departamentos de Inglês ou Literatura Comparada). Além disso, eles sobreviveram de um passado que tinha, de alguma forma, sido capaz de gerar uma verdadeira arte dramática, que não mais existia - era o que pensávamos do alto de nossa sofisticação -, vendo a chamada dramaturgia "moderna" como um deserto árido.
Portanto, quando comecei a escrever profissionalmente, escrevia e pensava sobre poemas, contos e novelas, assim como sobre teorias culturais. Parece ser exagerado dizer que os livros de Eric Bentley, especiamente O Dramaturgo como Pensador, me fizeram abrir os olhos para as possibilidades estéticas e intelectuais do palco (assistir Esperando Godot, em 1954, também representou um grande papel no meu despertar), mas seus escritos realmente foram o grande impulso que tive naquela época para definir um rumo.
Ele foi o que naquele período ainda não chamávamos de "papel modelo". Se o fato de me tornar um crítico teatral representou ou não uma ascensão cultural, não tenho a menor dúvida de que Bentley produziu o mesmo tipo de efeito revelatório - como que uma limpeza de idéias, lançando luz onde existiam trevas - em muitas pessoas além de mim: estudantes de artes, literatos e, com o correr do tempo, até mesmo calejados profissionais do teatro.
Não será surpreendente verificar que foram esses últimos os que ofereceram maior resistência a deixar-se iluminar? Não li O Dramaturgo como Pensador quando foi publicado em 1946, porque essa foi a fase extrema de minha não-preocupação com o teatro, mas li-o alguns anos mais tarde e fiquei tão inspirado que empreendi uma pequena pesquisa sobre a repercussão contemporânea do livro.
Foi tudo menos um "acontecimento editorial", embora tenha merecido umas notas respeitosas e uma ou duas laudatórias. As reações que despertou no Universo teatral e seu satélite da cobertura jornalística teatral foram desde o desdenhoso, chocado e horrorizado, até, no melhor dos casos - ou talvez, o pior - o condescendente. Se me lembro corretamente, a reação do meio acadêmico não foi muito mais acolhedora.
Tomo algumas liberdades com a linguagem do que poderíamos chamar de réplica do conservadorismo para com O Dramaturgo como Pensador, mas sua essência era o seguinte: "Como poderia estar correto o enfoque deste autor?" Como podem os dramaturgos ser pensadores, quando todos sabem que são pessoas que sentem? Lidam com emoções e não com idéias - não é?" Bem, não é isso?"
Não, não é isso, não ao pé da letra. Mais do que qualquer outro crítico, Bentley deu à teoria, observação e prática do teatro neste país - e a mim, com toda a certeza - um meio de desmistificar uma distinção tão preconceituosa e errônea. Francis Fergusson colaborou com o trabalho de demolição e reconstrução, mas Fergusson foi muito mais estreito.
Mente ou corpo, pensamento ou sentimento, idéias ou emoções - tais antíteses cruas e ofensivas já possuem uma longa história de teram causado desgraça intelectual à América, em nenhum outro campo mais flagrante e debilitante do que no teatro. À sua maneira espirituosa, Edgar Allan Poe foi o primeiro a detectar a doença; Henry James (cuja crítica teatral ainda é pouco conhecida) ampliou o diagnóstico e receitou sua cura, mas foi Bentley quem atualizou a profilaxia e a divulgou.
Os pontos que ele ressaltou em O Dramaturgo, e nos escritos que viriam a seguir, são, em essência, que a dramaturgia é, ou tem sido, uma arte tão densa, ou maleável, ou reverberante, ou misteriosa, ou vigorosa, ou perturbadora quanto qualquer outra; que, tanto quanto outros artistas, os dramaturgos pensam de maneira apropriada à sua arte; que o pensamento, na arte, é o processo pelo qual a emoção crua, não imediata - com suas traições e enganos, sua indução à cegueira - é apresentada à mente, localizada, explorada e trazida a uma relação com a experiência e a imaginação. Em outras palavras, trazida à consciência.
Quando Pirandello disse que o que era "novo" em suas peças era que nelas ele havia "convertido o intelecto em paixão" (poderia também ter dito que os unira, que tornara cada um deles um aspecto do outro), bem pode ter exagerado sua originalidade. Ele teve grandes predecessores, mas a observação e a ação por ele descritas foram corretas e surpreendentes, nas condições do teatro de seus dias.
O intelecto e a paixão sempre foram complementares, recíprocos; mas a sabedoria adquirida do teatro, mesmo em sua admiração pelos "clássicos", persistia em julgá-los contrários. É isso que existe por trás da tendenciosa rejeição de Godot, por Walter Kerr, como uma "lição de filosofia" e não como uma peça; e o que existe por trás também da opinião estabelecida - amplamente difundida em minha juventude (e que ainda remanesce aqui e ali) - de que, por exemplo, Ibsen é todo intelecto ou "idéias", sem nenhuma paixão; de que Strindberg é sentimento bruto, sem nenhum espírito, e de que Tchecov, segundo a noção confortável e imbecil, não se ocupava nem de paixão nem de pensamento, mas duma coisa amorfa, nebulosa, "acridoce", delicada, existente no meio-termo.
Pirandello, Ibsen, Strindberg, Tchecov, Brecht e, em menor extensão, Shaw, foram os dramaturgos de nossa era moderna que o livro de Bentley resgatou para mim da obscuridade, da má interpretação, da calúnia, ou talvez, do mais mortal perigo de todos, do acadêmico. Em suas páginas também, pela primeira vez, encontrei-me com seus ancestrais do século XIX, tão negligenciados (todos alemães, por acaso): Kleist, Grabbe e principalmente Büchner; e dramaturgos que conhecia apenas como novelistas ou poetas: Zola, Yeats, Lorca. Como também fui apresentado por seu livro a teóricos e praticantes que não conhecia e dos quais meramente tinha ouvido falar: Appia, Gordon Craig, Antoine etc; e aos críticos: Stark Young, Shaw e Beerbohm, nesse aspecto de suas carreiras. Fui educado por O Dramaturgo.
O livro mantém-se admiravelmente bem e embora A Vida da Dramaturgia possa ser uma obra melhor, - seguramente é melhor organizado e mais ousado - não ocupa o lugar do Dramaturgo como centro de minhas afeições. Mas uma coisa me ocorre, é que o livro parece ter servido (como Bentley diz que Brand e Gynt fizeram por Ibsen) de "jazida", da qual retirou material para a maior parte do que escreveria mais tarde.
Com o passar dos anos, li tudo o que Bentley publicou, recuperando o tempo perdido, lendo os livros que tinham surgido durante meus tempos de indiferença pelo teatro. Nem sempre fui persuadido por ele (o livro sobre Shaw não me convenceu de que esse autor tenha conseguido realizar tudo o que Bentley afirma), e às vezes discordei de algumas proposições teóricas - sobre a natureza do melodrama, por exemplo. Mas fui maravilhosamente instruído, recebi maiores conhecimentos sobre a dramaturgia e o palco.
Penso na série de crônicas que publicou nos anos 50 - In Search of Theatre, The Dramatic Event, What is Theatre? - nas críticas semanais reunidas em livro, juntamente com artigos ocasionais. Jamais houve na América um jornalismo de idéias tão flexível, espirituoso, profundo e não-acomodado. Foi sua a voz da razão pelo - ou sobre, ou contra - teatro americano daquela época; foi ele o seu policial incansável e competente, para usar uma das definições de Shaw da tarefa do crítico.
Pensei em consultar os livros que mantenho sempre em uma estante perto de minha mesa, mas percebi então que não era necessário refrescar minha memória, pois ela pode rapidamente me oferecer um sem-número de artigos exemplares. Recordo-me primeiramente de Trying to Like O'Neill, que ainda é o juízo mais contundente que conheço sobre o nosso (ai de mim!) melhor dramaturgo.
Logo então outros trabalhos começam a acumular-se: Doing Shakespeare Wrong; The China in the Bull Shop (um tributo bem humorado a Stark Young, seu predecessor em The New Republic); Craftsmans-hip in Uncle Vanya; The Stagecraft of Brecht; Tennessee Willimans and New York Kazan (uma descrição lindamente equilibrada do dramaturgo e uma avaliação igualmente astuta das virtudes e delinqüências do diretor); The Broadway Inteligantsía (em sua maior parte, pessoas que classificam os dramaturgos como dominados pelo sentimento); Is Drama an Extint Species?, com suas observações prescientes sobre o cinema como uma ameaça estética ao teatro.
Quando chegou minha vez de escrever meu próprio livro, The Making of Modern Drama, fiquei assustado ao me descobrir com o impulso de citar Bentley a cada página. Então dei uma reviravolta: caindo profundamente no Complexo de Influência, comecei a mantê-lo afastado de minha mente. Embora Eric Bentley não tivesse idade para ser meu pai biológico, espiritualmente, intelectualmente, foi meu progenitor e, se não podia matá-lo, ainda que metaforicamente, podia pelo menos mantê-lo afastado.
Mesmo assim, apesar de todo o meu esforço para evitá-lo, lembro-me que meu editor comentou delicadamente a freqüência com que os comentários de Bentley surgiam em meu texto, ao que lhe respondi que se tratavam somente de casos onde eu não tinha sido capaz de dizer melhor, ou com qualquer grau de originalidade, o que ele já tinha dito.
Ao fim e ao cabo, o tempo supera a todos nós, e não é surpreendente que, nos anos recentes, Bentley tenha desaparecido um pouco do que chamamos de "desenvolvimento" do teatro, ou que isso o tenha ultrapassado. É verdade, porém, que sua energia dirigiu-se mais para as suas próprias peças e seu trabalho como ator; o crítico entrava na arena depois de observá-la durante tanto tempo com olhos a que nada escapava. A política passou a ocupá-lo mais diretamente do que antes, a realidade política, cuja presença na dramaturgia tinha sido uma das verdades desconfortáveis que ele exumara e colocara diante de um mundo teatral que preferiria não tê-la visto.
Embora meus valores políticos não estejam tão distantes dos dele, não compartilho de todas as suas posições particulares e freqüentemente me descubro irritado com suas diatribes. Mas ele tem direito a elas, e está certo. Eric Bentley está com mais de setenta anos e quero dizer-lhe e a quantos leitores puder alcançar, o quanto ele significou para mim. Com todos os prêmios que nosso autocongratulório teatro está sempre se concedendo, deveria haver um para ele. Mas, possivelmente, ele o recusaria; com sua voz estridente e hesitante, diria qualquer coisa obliquamente elegante, talvez parafraseasse Brecht, citando que qualquer instituição que necessite de heróis está em péssima forma. Pois bem, estávamos em péssima forma e necessitando dele.
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Extraído de O Dramaturgo como Pensador, tradução de Ana Zelma Campos, Editora Civilização Brasileira. O livro, escrito em 1946, foi lançado no Brasil em 1987, e trata-se de leitura obrigatória para os amantes do teatro.
segunda-feira, 23 de abril de 2012
Teatro/CRÍTICA
"Eclipse"
...................................................
Tchecov em belíssima versão
Lionel Fischer
"Em 2011, o Grupo Galpão realizou o projeto 'Viagem a Tchecov', que resultou na montagem dos espetáculos 'Tio Vânia (aos que vierem depois de nós)' e 'Eclipse'. Em busca desse novo desafio, o grupo mergulhou sobre a obra do dramaturgo e contista. 'Eclipse' nasceu do encontro do Grupo Galpão com o diretor e professor russo, residente em Berlim, Jurij Alschitz. Empolgada com sua visão de teatro e seu trabalho de treinamento de atores, a companhia convidou o artista para dirigir sua nova montagem. Após oito meses de trabalho com a pesquisa de mais de 150 contos, o grupo encenou o espetáculo em que cinco pessoas, presas num mesmo espaço, aguardam o final de um eclipse solar. Enquanto isso, discorrem sobre a existência e a condição humana, perpassando os contos e a filosofia de Tchecov. À medida que a espera se torna longa, o confronto dessas visões de mundo desencadeia uma série de situações absurdas".
O trecho acima, extraído do programa distribuído ao público, resume a origem do processo que culminou no presente espetáculo, assim como o contextualiza. Em cartaz no Teatro Sesc Ginástico, "Eclipse" chega à cena com direção, dramaturgia, cenografia, figurino e treinamento de Jurij Alschitz, e elenco formado por Chico Pelúcio, Inês Peixoto, Julio Maciel, Lydia del Picchia e Simone Ordones.
Prestes a completar 30 anos de estrada, o Grupo Galpão nos apresenta um espetáculo que sem dúvida será um dos marcos da atual temporada. Inspirada em contos do genial autor russo, a montagem se estrutura a partir de um fato insólito, como já mencionado no parágrafo inicial: um eclipse solar obriga cinco pessoas a permanecerem trancadas, no mesmo espaço, ao longo de uma noite. Mas não se trata de pessoas que o acaso juntou, mas cinco atores de uma mesma companhia. Esse detalhe pode parecer insignificante, mas sem dúvida não é.
Por serem atores e integrarem a mesma companhia, as reflexões que os personagens empreendem não se limitam a questões que poderiam afligir ou estimular pessoas normais, forçadas a uma tal convivência, mas também dizem respeito ao teatro, à função da arte numa sociedade, aos impulsos e prioridades que norteiam os rumos de um grupo teatral. Teatro e vida, portanto, são tratados como uma unidade indissociável.
E justamente porque estamos diante de um grupo de artistas, nada mais natural que as questões levantadas não fiquem circunscritas a divagações teórico/filosóficas, mas venham sempre impregnadas de teatralidade. Esta, por sinal, e ainda que enganosamente simples, é fruto de um esmerado trabalho de composição, que prioriza a plasticidade - como explicitado no release que me foi enviado, predominam as cores primárias, os contrastes entre claro e escuro e as formas geométricas.
Partindo do riquíssimo material criado por um dos maiores dramaturgos e contistas de todos os tempos, "Eclipse" exibe uma dinâmica cênica irrepreensível, que, a exemplo de toda a obra de Tchecov, dispensa arroubos e climas paroxísticos, priorizando a delicadeza, a fantasia, a sutil ironia e a poesia, sendo que tais predicados não se consubstanciam apenas através das palavras, mas também de tudo que elas não são capazes de expressar - como todos sabemos, o silêncio, em Tchecov, está sempre impregnado de múltiplos significados.
Com relação ao elenco, os cinco atores que participam da montagem dispensam maiores apresentações e muito menos uma análise detalhada de seus desempenhos, pois há muito atingiram um estágio de excelência que os coloca entre os maiores intérpretes deste país. Mas não custa nada ressaltar sua cumplicidade, parceria e maravilhosa contracena. Assim, só me resta agradecer aos sempre caprichosos deuses do teatro a oportunidade que me concederam de, mais uma vez, ter o privilégio de assistir a mais uma montagem deste grupo de exceção.
Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo as contribuições de todos os profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - Jurij Alschitz (direção, dramaturgia, cenografia e figurinos), Olga Lapina (preparação vocal e assistência de direção), Diego Bagagal (assistência de direção e figurinos), Ernani Maletta (direção musical e arranjos), Chico Pelúcio e Bruno Cerezoli (iluminação), André Amparo, Chico de Paula e Bruno Cardieri (vídeo projeção), Mona Magalhães (caracterização), Jomar Mesquita (coreografia) e Eloquent Words (tradução).
ECLIPSE - Texto de Tchecov. Direção e dramaturgia de Jurij Alschitz. Com o Grupo Galpão. Teatro Sesc Ginástico. Quinta a domingo, 19h.
"Eclipse"
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Tchecov em belíssima versão
Lionel Fischer
"Em 2011, o Grupo Galpão realizou o projeto 'Viagem a Tchecov', que resultou na montagem dos espetáculos 'Tio Vânia (aos que vierem depois de nós)' e 'Eclipse'. Em busca desse novo desafio, o grupo mergulhou sobre a obra do dramaturgo e contista. 'Eclipse' nasceu do encontro do Grupo Galpão com o diretor e professor russo, residente em Berlim, Jurij Alschitz. Empolgada com sua visão de teatro e seu trabalho de treinamento de atores, a companhia convidou o artista para dirigir sua nova montagem. Após oito meses de trabalho com a pesquisa de mais de 150 contos, o grupo encenou o espetáculo em que cinco pessoas, presas num mesmo espaço, aguardam o final de um eclipse solar. Enquanto isso, discorrem sobre a existência e a condição humana, perpassando os contos e a filosofia de Tchecov. À medida que a espera se torna longa, o confronto dessas visões de mundo desencadeia uma série de situações absurdas".
O trecho acima, extraído do programa distribuído ao público, resume a origem do processo que culminou no presente espetáculo, assim como o contextualiza. Em cartaz no Teatro Sesc Ginástico, "Eclipse" chega à cena com direção, dramaturgia, cenografia, figurino e treinamento de Jurij Alschitz, e elenco formado por Chico Pelúcio, Inês Peixoto, Julio Maciel, Lydia del Picchia e Simone Ordones.
Prestes a completar 30 anos de estrada, o Grupo Galpão nos apresenta um espetáculo que sem dúvida será um dos marcos da atual temporada. Inspirada em contos do genial autor russo, a montagem se estrutura a partir de um fato insólito, como já mencionado no parágrafo inicial: um eclipse solar obriga cinco pessoas a permanecerem trancadas, no mesmo espaço, ao longo de uma noite. Mas não se trata de pessoas que o acaso juntou, mas cinco atores de uma mesma companhia. Esse detalhe pode parecer insignificante, mas sem dúvida não é.
Por serem atores e integrarem a mesma companhia, as reflexões que os personagens empreendem não se limitam a questões que poderiam afligir ou estimular pessoas normais, forçadas a uma tal convivência, mas também dizem respeito ao teatro, à função da arte numa sociedade, aos impulsos e prioridades que norteiam os rumos de um grupo teatral. Teatro e vida, portanto, são tratados como uma unidade indissociável.
E justamente porque estamos diante de um grupo de artistas, nada mais natural que as questões levantadas não fiquem circunscritas a divagações teórico/filosóficas, mas venham sempre impregnadas de teatralidade. Esta, por sinal, e ainda que enganosamente simples, é fruto de um esmerado trabalho de composição, que prioriza a plasticidade - como explicitado no release que me foi enviado, predominam as cores primárias, os contrastes entre claro e escuro e as formas geométricas.
Partindo do riquíssimo material criado por um dos maiores dramaturgos e contistas de todos os tempos, "Eclipse" exibe uma dinâmica cênica irrepreensível, que, a exemplo de toda a obra de Tchecov, dispensa arroubos e climas paroxísticos, priorizando a delicadeza, a fantasia, a sutil ironia e a poesia, sendo que tais predicados não se consubstanciam apenas através das palavras, mas também de tudo que elas não são capazes de expressar - como todos sabemos, o silêncio, em Tchecov, está sempre impregnado de múltiplos significados.
Com relação ao elenco, os cinco atores que participam da montagem dispensam maiores apresentações e muito menos uma análise detalhada de seus desempenhos, pois há muito atingiram um estágio de excelência que os coloca entre os maiores intérpretes deste país. Mas não custa nada ressaltar sua cumplicidade, parceria e maravilhosa contracena. Assim, só me resta agradecer aos sempre caprichosos deuses do teatro a oportunidade que me concederam de, mais uma vez, ter o privilégio de assistir a mais uma montagem deste grupo de exceção.
Na equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo as contribuições de todos os profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - Jurij Alschitz (direção, dramaturgia, cenografia e figurinos), Olga Lapina (preparação vocal e assistência de direção), Diego Bagagal (assistência de direção e figurinos), Ernani Maletta (direção musical e arranjos), Chico Pelúcio e Bruno Cerezoli (iluminação), André Amparo, Chico de Paula e Bruno Cardieri (vídeo projeção), Mona Magalhães (caracterização), Jomar Mesquita (coreografia) e Eloquent Words (tradução).
ECLIPSE - Texto de Tchecov. Direção e dramaturgia de Jurij Alschitz. Com o Grupo Galpão. Teatro Sesc Ginástico. Quinta a domingo, 19h.
quinta-feira, 19 de abril de 2012
Breves considerações sobre
eventuais impasses que podem
surgir no exercício da crítica teatral
Lionel Fischer
Sempre que dou palestras sobre crítica teatral, seja em escolas, faculdades ou festivais, invariavelmente me são feitas as mesmas perguntas, tais como: "Qual o papel da crítica? Quais os requisitos básicos que alguém deve possuir para exercer este ofício? A crítica pode ou deve exercer alguma influência sobre o leitor? A crítica pode ou deve estabelecer um diálogo com os artistas envolvidos em uma montagem? - e assim por diante.
Sobre tais perguntas, já falei muito e muito escrevi. Mas o que me motivou a escrever as poucas linhas que se seguem diz respeito a uma dúvida manifestada por um jovem que está começando a escrever sobre teatro - obviamente que não mencionarei seu nome. Ele me telefonou e disse o seguinte: "Cara, assisti ontem a um espetáculo de uma pessoa muito querida e simplesmente detestei. Ele é sério, talentoso, super bem intecionado, mas o resultado é lamentável. Não sei o que fazer!?". Então, eu lhe contei a história que se segue.
Minha primeira, fortíssima e eterna ligação com o teatro se deu com o Tablado, onde entrei com 15 anos e fiquei até os 21, sempre aluno de Maria Clara Machado. A segunda, e também fortíssima ligação com o teatro, se deu com o Teatro Ipanema, ainda quando estava no Tablado.
Casei-me aos 18 anos com uma das irmãs de Leyla Ribeiro, mulher de Ivan de Albuquerque, fundador do Ipanema junto com Rubens Corrêa. Assisti à construção do Ipanema e participei de sua inauguração - o teatro iniciou suas atividades com "O Jardim das Cerejeiras", de Tchecov, e no horário infantil aconteceu a estréia mundial de "Aprendiz de Feiticeiro", de Maria Clara Machado. Na peça adulta, eventualmente substituía Ivan no pequeno papel de um mendigo, pois ele tinha crises renais com freqüência. No infantil, dirigido por Maria Clara, fazia o apaixonado Juventus.
A partir daí, minha relação com o Ipanema foi se solidificando e também minha relação pessoal com Ivan, Leyla e Rubens. Este último, talvez o maior ator que este país produziu, sempre teve para comigo uma postura extremamente fraterna e foi uma pessoa fundamental não apenas na minha formação, mas também na minha compreensão do que deveria ser o papel de um ator na sociedade em que vive.
Pois bem: 20 anos depois sou convidado pelo O Globo para assumir a crítica teatral do jornal. E a primeira montagem que me mandaram analisar foi "PeçaSonho", uma adapção de "O Sonho", de Strindberg, dirigida por...Rubens Corrêa!!! Vocês bem podem imaginar a alegria que tomou conta de mim, já que começaria minha carreira como crítico analisando o trabalho de alguém que admirava apaixonadamente!
Para meu desespero, no entanto, achei a montagem muito confusa, mal estruturada, com atuações decepcionantes etc. Desolado, fui para casa, me sentei diante da máquina de escrever - era a única pessoa no Rio de Janeiro, ao que imagino, que ainda não possuía computador...
E diante da máquina permaneci, aterrorizado, de meia-noite às quatro da manha!? - e aqui cumpre registrar que sempre escrevi muito rápido; posso ficar pensando algum tempo, mas quando a escrita começa, ela tem a bondade de sempre fluir.
Mas não encontrava as palavras. Não sabia como manifestar minha decepção sem ser deselegante, sem ferir alguém que eu amava profundamente. Escrever que havia gostado seria completamente falso, uma afronta aos mais elementares valores éticos. Me senti, durante essas quatro horas, uma espécie de Hamlet, ainda que destituído da célebre caveira...
Finalmente, senti uma dor no lábio superior. Fui ver o que poderia ser. Havia me nascido um hérpes...
Então, pensei o seguinte: se queria exercer, dentre outras funções, a de crítico teatral, tinha que superar esse impasse, por mais doloroso que fosse. Afinal, já tinha, naquela época como hoje, uma infinidade de amigos na classe teatral e certamente viveria muitas situações parecidas.
Tomei, então, coragem, e de um só fôlego escrevi a tal crítica, fazendo todas as restrições que julgava procedentes. E, naturalmente, tive certeza de que minha relação com o Rubens sofreria um forte abalo.
No entanto, logo após a crítica ser publicada, ele me telefonou. Atendi, ansiosíssimo, já prevendo uma possível ruptura. Mas, contrariando minhas expectativas mais funestas, Rubens Corrêa não só agradeceu a crítica como disse, com total tranquilidade, que concordava com tudo que eu havia escrito!?!
Ainda que aliviado, perguntei como ficaria nossa relação se ele não tivesse concordado com absolutamente nada. Rubens retrucou: "Isso não mudaria nada, continuaria te respeitando da mesma forma. Não te respeitaria se você mentisse em nome da nossa amizade. Acertar e errar faz parte do jogo. Dessa vez, errei. Mas quem sabe não acerto na próxima?"
E riu, como de hábito, de forma suave e encantadora. Então contei do hérpes. Aí ele gargalhou (ainda que no estilo Rubens, que fique bem entendido) e me receitou uma pomadinha...
Grande e inesquecível Rubens Corrêa!!!
Enfim...contei essa história a meu jovem amigo. Ele ficou profundamente aliviado e me pediu licença, pois estava animadíssimo para escrever sua crítica.
À guisa de despedida, depois de parabenizá-lo por ter tomado essa decisão, apenas lhe sugeri que, nessa crítica ou em qualquer outra, fossem quais fossem suas restrições, jamais se esquecesse de expressá-las com educação, respeito e ternura.
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eventuais impasses que podem
surgir no exercício da crítica teatral
Lionel Fischer
Sempre que dou palestras sobre crítica teatral, seja em escolas, faculdades ou festivais, invariavelmente me são feitas as mesmas perguntas, tais como: "Qual o papel da crítica? Quais os requisitos básicos que alguém deve possuir para exercer este ofício? A crítica pode ou deve exercer alguma influência sobre o leitor? A crítica pode ou deve estabelecer um diálogo com os artistas envolvidos em uma montagem? - e assim por diante.
Sobre tais perguntas, já falei muito e muito escrevi. Mas o que me motivou a escrever as poucas linhas que se seguem diz respeito a uma dúvida manifestada por um jovem que está começando a escrever sobre teatro - obviamente que não mencionarei seu nome. Ele me telefonou e disse o seguinte: "Cara, assisti ontem a um espetáculo de uma pessoa muito querida e simplesmente detestei. Ele é sério, talentoso, super bem intecionado, mas o resultado é lamentável. Não sei o que fazer!?". Então, eu lhe contei a história que se segue.
Minha primeira, fortíssima e eterna ligação com o teatro se deu com o Tablado, onde entrei com 15 anos e fiquei até os 21, sempre aluno de Maria Clara Machado. A segunda, e também fortíssima ligação com o teatro, se deu com o Teatro Ipanema, ainda quando estava no Tablado.
Casei-me aos 18 anos com uma das irmãs de Leyla Ribeiro, mulher de Ivan de Albuquerque, fundador do Ipanema junto com Rubens Corrêa. Assisti à construção do Ipanema e participei de sua inauguração - o teatro iniciou suas atividades com "O Jardim das Cerejeiras", de Tchecov, e no horário infantil aconteceu a estréia mundial de "Aprendiz de Feiticeiro", de Maria Clara Machado. Na peça adulta, eventualmente substituía Ivan no pequeno papel de um mendigo, pois ele tinha crises renais com freqüência. No infantil, dirigido por Maria Clara, fazia o apaixonado Juventus.
A partir daí, minha relação com o Ipanema foi se solidificando e também minha relação pessoal com Ivan, Leyla e Rubens. Este último, talvez o maior ator que este país produziu, sempre teve para comigo uma postura extremamente fraterna e foi uma pessoa fundamental não apenas na minha formação, mas também na minha compreensão do que deveria ser o papel de um ator na sociedade em que vive.
Pois bem: 20 anos depois sou convidado pelo O Globo para assumir a crítica teatral do jornal. E a primeira montagem que me mandaram analisar foi "PeçaSonho", uma adapção de "O Sonho", de Strindberg, dirigida por...Rubens Corrêa!!! Vocês bem podem imaginar a alegria que tomou conta de mim, já que começaria minha carreira como crítico analisando o trabalho de alguém que admirava apaixonadamente!
Para meu desespero, no entanto, achei a montagem muito confusa, mal estruturada, com atuações decepcionantes etc. Desolado, fui para casa, me sentei diante da máquina de escrever - era a única pessoa no Rio de Janeiro, ao que imagino, que ainda não possuía computador...
E diante da máquina permaneci, aterrorizado, de meia-noite às quatro da manha!? - e aqui cumpre registrar que sempre escrevi muito rápido; posso ficar pensando algum tempo, mas quando a escrita começa, ela tem a bondade de sempre fluir.
Mas não encontrava as palavras. Não sabia como manifestar minha decepção sem ser deselegante, sem ferir alguém que eu amava profundamente. Escrever que havia gostado seria completamente falso, uma afronta aos mais elementares valores éticos. Me senti, durante essas quatro horas, uma espécie de Hamlet, ainda que destituído da célebre caveira...
Finalmente, senti uma dor no lábio superior. Fui ver o que poderia ser. Havia me nascido um hérpes...
Então, pensei o seguinte: se queria exercer, dentre outras funções, a de crítico teatral, tinha que superar esse impasse, por mais doloroso que fosse. Afinal, já tinha, naquela época como hoje, uma infinidade de amigos na classe teatral e certamente viveria muitas situações parecidas.
Tomei, então, coragem, e de um só fôlego escrevi a tal crítica, fazendo todas as restrições que julgava procedentes. E, naturalmente, tive certeza de que minha relação com o Rubens sofreria um forte abalo.
No entanto, logo após a crítica ser publicada, ele me telefonou. Atendi, ansiosíssimo, já prevendo uma possível ruptura. Mas, contrariando minhas expectativas mais funestas, Rubens Corrêa não só agradeceu a crítica como disse, com total tranquilidade, que concordava com tudo que eu havia escrito!?!
Ainda que aliviado, perguntei como ficaria nossa relação se ele não tivesse concordado com absolutamente nada. Rubens retrucou: "Isso não mudaria nada, continuaria te respeitando da mesma forma. Não te respeitaria se você mentisse em nome da nossa amizade. Acertar e errar faz parte do jogo. Dessa vez, errei. Mas quem sabe não acerto na próxima?"
E riu, como de hábito, de forma suave e encantadora. Então contei do hérpes. Aí ele gargalhou (ainda que no estilo Rubens, que fique bem entendido) e me receitou uma pomadinha...
Grande e inesquecível Rubens Corrêa!!!
Enfim...contei essa história a meu jovem amigo. Ele ficou profundamente aliviado e me pediu licença, pois estava animadíssimo para escrever sua crítica.
À guisa de despedida, depois de parabenizá-lo por ter tomado essa decisão, apenas lhe sugeri que, nessa crítica ou em qualquer outra, fossem quais fossem suas restrições, jamais se esquecesse de expressá-las com educação, respeito e ternura.
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quarta-feira, 18 de abril de 2012
Teatro/CRÍTICA
"Rebeldes - sobre a raiva"
.....................................
Israel em cena no Sesc
Lionel Fischer
"A peça apresenta a saga de uma família durante a criação do Estado de Israel, através dos conflitos nas relações entre duas gerações de uma família tradicional israelense. A ação se passa em três épocas diferentes: 1997 (presente), 1967 (memória) e 1945 (imaginário), percorrendo momentos emblemáticos da história de Israel. Os conflitos entre gerações, embora apresentados dentro de um contexto específico, são essencialmente semelhantes aos vividos entre outras culturas, e dizem respeito ao ser humano em qualquer tempo e lugar".
Extraído do ótimo release que me foi enviado pelos assessores de imprensa João Pontes e Stella Stephany, o trecho acima sintetiza o contexto geral em que se dá a ação de "Rebeldes - sobre a raiva", da autora israelense Edna Mazia. Rodrigo Nogueira assina a adaptação e direção do espetáculo, em cartaz no Espaço Sesc. No elenco, Rogério Fróes, Bruno Gradim, Marina Vianna, Laila Zaid, Marcella Muniz, Joana Lerner, Paloma Riani, Keruse Bongiolo, Johnny Massaro, João Velho, Antonio Karnevale e Paulo Verlings.
Por tratar-se de uma obra alentada, com sucessivas idas e vindas no tempo e grande número de personagens, assim como de tramas secundárias que acompanham a principal, torna-se literalmente impossível detalhar o enredo do texto. Assim, julgo mais relevante tecer algumas considerações sobre o material dramatúrgico.
Como não li o original, não sei em que medida a adaptação de Rodrigo Nogueira é boa ou má. Mas certamente o que nos é apresentado possui muitos méritos, em especial o de jamais dissociar o humano do político. Ou seja: questões relativas aos conflitos entre árabes e israelenses, assim como os destes com os britânicos, jamais são trabalhados isoladamente, mas sempre atrelados aos conflitos entre os personagens, sendo estes, de uma maneira geral, muito ricos e bem estruturados.
Com relação ao espetáculo, Rodrigo Nogueira impõe à cena uma dinâmica que traduz, com vigor e sensibilidade, os principais conteúdos em jogo. Ainda assim, em algumas passagens, me parece que o encenador priorizou em excesso o humor, no sentido de torná-lo mais leve do que a situação impunha. Todos sabemos que o humor judaico é extremamente ferino, e justamente por isso, ao menos em um contexto como o que a peça exibe, talvez fosse mais conveniente expressá-lo de uma forma mais crítica e amarga.
No tocante ao elenco, todos os profissionais que estão em cena exibem atuações seguras e convincentes, cabendo destacar a unidade do conjunto e sua capacidade de entrega. Na equipe técnica, Hilton Berredo assina ótima cenografia, mas as vídeo-projeções são um tanto precárias. Angèle Fróes responde por ótimos figurinos, a mesma excelência presente na iluminação de Paulo César Medeiros, na direção musical de Rodrigo Marçal e na preparação corporal de Marcia Rubin.
REBELDES: SOBRE A RAIVA - Texto de Edna Mazia. Adaptação e direção de Rodrigo Nogueira. Com Rogério Fróes, Marina Vianna e grande elenco. Espaço Sesc. Quinta a sábado, 21h. Domingo, 19h30.
"Rebeldes - sobre a raiva"
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Israel em cena no Sesc
Lionel Fischer
"A peça apresenta a saga de uma família durante a criação do Estado de Israel, através dos conflitos nas relações entre duas gerações de uma família tradicional israelense. A ação se passa em três épocas diferentes: 1997 (presente), 1967 (memória) e 1945 (imaginário), percorrendo momentos emblemáticos da história de Israel. Os conflitos entre gerações, embora apresentados dentro de um contexto específico, são essencialmente semelhantes aos vividos entre outras culturas, e dizem respeito ao ser humano em qualquer tempo e lugar".
Extraído do ótimo release que me foi enviado pelos assessores de imprensa João Pontes e Stella Stephany, o trecho acima sintetiza o contexto geral em que se dá a ação de "Rebeldes - sobre a raiva", da autora israelense Edna Mazia. Rodrigo Nogueira assina a adaptação e direção do espetáculo, em cartaz no Espaço Sesc. No elenco, Rogério Fróes, Bruno Gradim, Marina Vianna, Laila Zaid, Marcella Muniz, Joana Lerner, Paloma Riani, Keruse Bongiolo, Johnny Massaro, João Velho, Antonio Karnevale e Paulo Verlings.
Por tratar-se de uma obra alentada, com sucessivas idas e vindas no tempo e grande número de personagens, assim como de tramas secundárias que acompanham a principal, torna-se literalmente impossível detalhar o enredo do texto. Assim, julgo mais relevante tecer algumas considerações sobre o material dramatúrgico.
Como não li o original, não sei em que medida a adaptação de Rodrigo Nogueira é boa ou má. Mas certamente o que nos é apresentado possui muitos méritos, em especial o de jamais dissociar o humano do político. Ou seja: questões relativas aos conflitos entre árabes e israelenses, assim como os destes com os britânicos, jamais são trabalhados isoladamente, mas sempre atrelados aos conflitos entre os personagens, sendo estes, de uma maneira geral, muito ricos e bem estruturados.
Com relação ao espetáculo, Rodrigo Nogueira impõe à cena uma dinâmica que traduz, com vigor e sensibilidade, os principais conteúdos em jogo. Ainda assim, em algumas passagens, me parece que o encenador priorizou em excesso o humor, no sentido de torná-lo mais leve do que a situação impunha. Todos sabemos que o humor judaico é extremamente ferino, e justamente por isso, ao menos em um contexto como o que a peça exibe, talvez fosse mais conveniente expressá-lo de uma forma mais crítica e amarga.
No tocante ao elenco, todos os profissionais que estão em cena exibem atuações seguras e convincentes, cabendo destacar a unidade do conjunto e sua capacidade de entrega. Na equipe técnica, Hilton Berredo assina ótima cenografia, mas as vídeo-projeções são um tanto precárias. Angèle Fróes responde por ótimos figurinos, a mesma excelência presente na iluminação de Paulo César Medeiros, na direção musical de Rodrigo Marçal e na preparação corporal de Marcia Rubin.
REBELDES: SOBRE A RAIVA - Texto de Edna Mazia. Adaptação e direção de Rodrigo Nogueira. Com Rogério Fróes, Marina Vianna e grande elenco. Espaço Sesc. Quinta a sábado, 21h. Domingo, 19h30.
terça-feira, 17 de abril de 2012
COMPANHIA DO GESTO ABRE VAGAS EXTRAS PARA NÚCLEO DE TEATRO MANGUINHOS EM CENA
Nova seleção para as oficinas de formação teatral e criação de um grupo de teatro acontecerão nesta sexta, dia 20/4, na Biblioteca Parque de Manguinhos
A Companhia do Gesto, em parceria com a Secretaria de Estado de Cultura (SEC), abriu cinco novas vagas para o projeto Manguinhos em Cena – Laboratório de Dramaturgia do Gesto, que está funcionando dentro da Biblioteca Parque de Manguinhos, vinculada à SEC. As inscrições podem ser feitas até a próxima quinta-feira, dia 19 de abril, na própria Biblioteca Parque de Manguinhos ou no site da Companhia do Gesto (www.companhiadogesto.com.br/manguinhosemcena) e a seleção dos cinco novos integrantes acontecerá nesta sexta, 20/4, a partir das 10h.
Em março, a Companhia do Gesto selecionou 25 jovens a partir de 16 anos, moradores da região de Manguinhos e arredores, para participar das nove oficinas gratuitas de formação teatral dentro da Biblioteca – Corpo e Máscara, Palhaço, Improviso e jogo, Voz e Musicalização, Confecção de Máscaras, Criação, Produção Cultural, Olhar sobre a Cena (assistir, entender e escrever sobre espetáculos teatrais), e uma oficina convidada sobre o Jogo de Teatro em grupo. O projeto prevê ainda atividades extras monitoradas (produção, saídas de intervenção na comunidade, idas ao teatro), estágios técnicos (cenário, figurinos, luz) e encontros de dramaturgia. As atividades serão coordenadas e executadas pelos integrantes da Companhia do Gesto e outros parceiros.
Com o projeto Manguinhos em Cena, a Companhia do Gesto visa a estimular a formação de um núcleo teatral preparado para atuar artística e socialmente – com estrutura própria e sustentável – e a desenvolver uma identidade própria para sua expressão teatral.
Os laboratórios resultarão na preparação e formação de um grupo para a atuação em espaços não convencionais e de atendimento social (abrigos, hospitais, centros de acolhimentode crianças e idosos) e na construção de um espetáculo de dramaturgia colaborativa, sob orientação do diretor Luís Igreja e de uma dramaturga convidada (Renata Mizrahi). O espetáculo estreará no teatro da Biblioteca Parque em dezembro de 2012. Até a ocasião, os participantes terão noções de todas as áreas artísticas, técnicas e de produção necessárias para darem andamento ao núcleo de teatro independente de Manguinhos.
O projeto Manguinhos em Cena é patrocinado pela Lei Estadual de Incentivo à Cultura do Rio de Janeiro e pela Petrobras.
Sobre os Laboratórios de Dramaturgia do Gesto
Os laboratórios contam com nove módulos, além de atividades extras monitoradas (produção, saídas de intervenção na comunidade, idas ao teatro), estágios técnicos e encontros de dramaturgia.
A equipe contará com o núcleo da Companhia do Gesto (cinco artistas/produtores), profissionais da Zucca Produções e outros dois convidados de referência em suas áreas: Renata Mizrahi (Companhia Teatro de Nós) e Gutti Fraga (Nós do Morro).
Ao todo, o projeto Manguinhos em Cena terá carga horária de 10h semanais (308 h/aula totais ao longo de oito meses), com atividades divididas em dois dias da semana (duas tardes de 5h); mais atividades extras e “optativas” para os participantes.
SERVIÇO: MANGUINHOS EM CENA
INSCRIÇÕES PARA LABOTRATÓRIOS: até 19 de abril, quinta-feira
SELEÇÃO: sexta-feira, dia 20 de abril de 2012
LOCAL: Biblioteca Parque de Manguinhos, vinculada à SEC
ENDEREÇO: Av. Dom Helder Câmara, 1184 – Manguinhos
INFORMAÇÕES: www.companhiadogesto.com.br/manguinhosemcena, manguinhosemcena@companhiadogesto.com.br e (21) 2334-8915 (Priscila ou Helaine)
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Nova seleção para as oficinas de formação teatral e criação de um grupo de teatro acontecerão nesta sexta, dia 20/4, na Biblioteca Parque de Manguinhos
A Companhia do Gesto, em parceria com a Secretaria de Estado de Cultura (SEC), abriu cinco novas vagas para o projeto Manguinhos em Cena – Laboratório de Dramaturgia do Gesto, que está funcionando dentro da Biblioteca Parque de Manguinhos, vinculada à SEC. As inscrições podem ser feitas até a próxima quinta-feira, dia 19 de abril, na própria Biblioteca Parque de Manguinhos ou no site da Companhia do Gesto (www.companhiadogesto.com.br/manguinhosemcena) e a seleção dos cinco novos integrantes acontecerá nesta sexta, 20/4, a partir das 10h.
Em março, a Companhia do Gesto selecionou 25 jovens a partir de 16 anos, moradores da região de Manguinhos e arredores, para participar das nove oficinas gratuitas de formação teatral dentro da Biblioteca – Corpo e Máscara, Palhaço, Improviso e jogo, Voz e Musicalização, Confecção de Máscaras, Criação, Produção Cultural, Olhar sobre a Cena (assistir, entender e escrever sobre espetáculos teatrais), e uma oficina convidada sobre o Jogo de Teatro em grupo. O projeto prevê ainda atividades extras monitoradas (produção, saídas de intervenção na comunidade, idas ao teatro), estágios técnicos (cenário, figurinos, luz) e encontros de dramaturgia. As atividades serão coordenadas e executadas pelos integrantes da Companhia do Gesto e outros parceiros.
Com o projeto Manguinhos em Cena, a Companhia do Gesto visa a estimular a formação de um núcleo teatral preparado para atuar artística e socialmente – com estrutura própria e sustentável – e a desenvolver uma identidade própria para sua expressão teatral.
Os laboratórios resultarão na preparação e formação de um grupo para a atuação em espaços não convencionais e de atendimento social (abrigos, hospitais, centros de acolhimentode crianças e idosos) e na construção de um espetáculo de dramaturgia colaborativa, sob orientação do diretor Luís Igreja e de uma dramaturga convidada (Renata Mizrahi). O espetáculo estreará no teatro da Biblioteca Parque em dezembro de 2012. Até a ocasião, os participantes terão noções de todas as áreas artísticas, técnicas e de produção necessárias para darem andamento ao núcleo de teatro independente de Manguinhos.
O projeto Manguinhos em Cena é patrocinado pela Lei Estadual de Incentivo à Cultura do Rio de Janeiro e pela Petrobras.
Sobre os Laboratórios de Dramaturgia do Gesto
Os laboratórios contam com nove módulos, além de atividades extras monitoradas (produção, saídas de intervenção na comunidade, idas ao teatro), estágios técnicos e encontros de dramaturgia.
A equipe contará com o núcleo da Companhia do Gesto (cinco artistas/produtores), profissionais da Zucca Produções e outros dois convidados de referência em suas áreas: Renata Mizrahi (Companhia Teatro de Nós) e Gutti Fraga (Nós do Morro).
Ao todo, o projeto Manguinhos em Cena terá carga horária de 10h semanais (308 h/aula totais ao longo de oito meses), com atividades divididas em dois dias da semana (duas tardes de 5h); mais atividades extras e “optativas” para os participantes.
SERVIÇO: MANGUINHOS EM CENA
INSCRIÇÕES PARA LABOTRATÓRIOS: até 19 de abril, quinta-feira
SELEÇÃO: sexta-feira, dia 20 de abril de 2012
LOCAL: Biblioteca Parque de Manguinhos, vinculada à SEC
ENDEREÇO: Av. Dom Helder Câmara, 1184 – Manguinhos
INFORMAÇÕES: www.companhiadogesto.com.br/manguinhosemcena, manguinhosemcena@companhiadogesto.com.br e (21) 2334-8915 (Priscila ou Helaine)
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Teatro/CRÍTICA
"Sinfonia sonho"
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Montagem imperdível no Sérgio Porto
Lionel Fischer
"Sinfonia sonho apresenta a história de Kevin, uma criança de nove anos que de súbito se torna alvo de um desejo: o de se tornar música, por conta de uma peça teatral que começa a ensaiar em sua escola. Inspirado nos recentes acontecimentos envolvendo o massacre de crianças em espaço escolar na cidade do Rio de Janeiro, o espetáculo visa trazer a tona um olhar mais atento e responsável sobre a infância e, por extensão, também sobre o futuro".
Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza algumas das premissas que motivaram a criação de "Sinfonia sonho", quarto espetáculo da companhia carioca Teatro Inominável, em cartaz no Espaço Cultural Sérgio Porto. Diogo Liberano assina texto e direção, estando o elenco formado por Adassa Martins, Andrêas Gatto, Dan Marins, Flávia Naves, Gunnar Borges, Laura Nielsen, Márcio Machado, Natássia Vello e Virgínia Maria.
Inspirado nas obras "O anti-Édipo", de Félix Guattari e Gilles Deleuze, e no romance "Precisamos falar sobre o Kevin", da escritora norte-americana Lionel Shriver, o texto de Diogo Liberano surpreende não apenas pelas pertinentes reflexões que empreende sobre temas como infância, futuro, relações familiares e diversificadas perversões, dentre outros, mas também pela forma com que os trabalha.
Desde logo fica claro que a montagem renuncia totalmente ao realismo, a começar pelo fato de que um ator (talvez o próprio Diogo Liberano) apresenta os personagens e lê algumas rubricas. Postados lado a lado, sentados em cadeiras e olhando fixamente a platéia, os atores sugerem estar imobilizados numa foto, congelados no tempo em algo que remete a um álbum de família.
Pouco a pouco, escapam dessa moldura - ainda que a ela retornem com freqüência - e se materializam na cena. Mas não o fazem como personagens cotidianos, mas sim impregnados de uma espécie de partitura física que traduz a essência de suas personalidades. E não raro pode-se constatar que, mesmo aqueles que não estão participando diretamente de uma cena, nem por isso permanecem estáticos, como ocorre no início do espetáculo, mas continuam expressando seus sentimentos, anseios ou dúvidas através de um esmerado universo gestual.
Isto posto, acredito ser impossível o espectador não se envolver totalmente com uma montagem que, tendo a motivá-la um texto belíssimo, exibe deslumbrante teatralidade. São tantos os signos e símbolos exibidos que torna-se impossível esmiuçá-los. E mesmo que alguns deles permitam múltiplas interpretações ou possam eventualmente soar um tanto obscuros, o que importa ressaltar é que estamos diante de um espetáculo que, dada a sua natureza, coloca o espectador no único lugar possível, ou seja, o lugar do desconforto.
Ao longo da montagem, e sobretudo depois que a mesma se encerrou, me ocorreram muitas perguntas. Mas não me preocupei nem um pouco em tentar achar respostas, digamos, razoáveis, racionais, pois aí estaria negando as emoções vividas, estaria apenas tentando nomear o que muitas vezes não precisa - nem deve - ser nomeado. O fundamental, para mim, foi constatar que tive um fortíssimo encontro com este espetáculo, o que equivale a dizer que tive um fortíssimo encontro comigo mesmo. Assim, só me resta agradecer a todos a oportunidade que me facultaram de me conhecer um pouco mais.
Quanto ao elenco, tenho por hábito não particularizar interpretações quando o trabalho é feito por um grupo, pois sei que o resultado, mesmo que eventualmente evidenciando talentos mais apurados do que outros, depende sobretudo da total cumplicidade e capacidade de entrega do conjunto. E, salvo monumental engano de minha parte, imagino que os integrantes desta jovem e talentosa companhia caminharam de mãos dadas ao longo de todo o processo criativo. Portanto, a todos parabenizo e desejo que os sempre caprichosos deuses do teatro continuem abençoando a companhia carioca Teatro Inominável.
Com relação à equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo as participações de todos os profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - Eleonora Fabião (orientação de direção), Caroline Helena (maravilhosa direção de movimento), Philippe Baptista (direção musical), Leandro Ribeiro (cenário), Ronald Teixeira (orientação de cenário), Isadhora Müller e Marina Daldalarrondo (figurino e visagismo), Desirée Bastos (orientação de idumentária), Davi Palmeira e Thaís Barros (iluminação), José Henrique Moreira (orientação de iluminação) e Verônica Machado (preparação vocal).
SINFONIA SONHO - Dramaturgia e direção de Diogo Liberano. Com a companhia Teatro Inominável. Espaço Cultural Sérgio Porto. Sexta e sábado, 21h. Domingo, 20h.
"Sinfonia sonho"
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Montagem imperdível no Sérgio Porto
Lionel Fischer
"Sinfonia sonho apresenta a história de Kevin, uma criança de nove anos que de súbito se torna alvo de um desejo: o de se tornar música, por conta de uma peça teatral que começa a ensaiar em sua escola. Inspirado nos recentes acontecimentos envolvendo o massacre de crianças em espaço escolar na cidade do Rio de Janeiro, o espetáculo visa trazer a tona um olhar mais atento e responsável sobre a infância e, por extensão, também sobre o futuro".
Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza algumas das premissas que motivaram a criação de "Sinfonia sonho", quarto espetáculo da companhia carioca Teatro Inominável, em cartaz no Espaço Cultural Sérgio Porto. Diogo Liberano assina texto e direção, estando o elenco formado por Adassa Martins, Andrêas Gatto, Dan Marins, Flávia Naves, Gunnar Borges, Laura Nielsen, Márcio Machado, Natássia Vello e Virgínia Maria.
Inspirado nas obras "O anti-Édipo", de Félix Guattari e Gilles Deleuze, e no romance "Precisamos falar sobre o Kevin", da escritora norte-americana Lionel Shriver, o texto de Diogo Liberano surpreende não apenas pelas pertinentes reflexões que empreende sobre temas como infância, futuro, relações familiares e diversificadas perversões, dentre outros, mas também pela forma com que os trabalha.
Desde logo fica claro que a montagem renuncia totalmente ao realismo, a começar pelo fato de que um ator (talvez o próprio Diogo Liberano) apresenta os personagens e lê algumas rubricas. Postados lado a lado, sentados em cadeiras e olhando fixamente a platéia, os atores sugerem estar imobilizados numa foto, congelados no tempo em algo que remete a um álbum de família.
Pouco a pouco, escapam dessa moldura - ainda que a ela retornem com freqüência - e se materializam na cena. Mas não o fazem como personagens cotidianos, mas sim impregnados de uma espécie de partitura física que traduz a essência de suas personalidades. E não raro pode-se constatar que, mesmo aqueles que não estão participando diretamente de uma cena, nem por isso permanecem estáticos, como ocorre no início do espetáculo, mas continuam expressando seus sentimentos, anseios ou dúvidas através de um esmerado universo gestual.
Isto posto, acredito ser impossível o espectador não se envolver totalmente com uma montagem que, tendo a motivá-la um texto belíssimo, exibe deslumbrante teatralidade. São tantos os signos e símbolos exibidos que torna-se impossível esmiuçá-los. E mesmo que alguns deles permitam múltiplas interpretações ou possam eventualmente soar um tanto obscuros, o que importa ressaltar é que estamos diante de um espetáculo que, dada a sua natureza, coloca o espectador no único lugar possível, ou seja, o lugar do desconforto.
Ao longo da montagem, e sobretudo depois que a mesma se encerrou, me ocorreram muitas perguntas. Mas não me preocupei nem um pouco em tentar achar respostas, digamos, razoáveis, racionais, pois aí estaria negando as emoções vividas, estaria apenas tentando nomear o que muitas vezes não precisa - nem deve - ser nomeado. O fundamental, para mim, foi constatar que tive um fortíssimo encontro com este espetáculo, o que equivale a dizer que tive um fortíssimo encontro comigo mesmo. Assim, só me resta agradecer a todos a oportunidade que me facultaram de me conhecer um pouco mais.
Quanto ao elenco, tenho por hábito não particularizar interpretações quando o trabalho é feito por um grupo, pois sei que o resultado, mesmo que eventualmente evidenciando talentos mais apurados do que outros, depende sobretudo da total cumplicidade e capacidade de entrega do conjunto. E, salvo monumental engano de minha parte, imagino que os integrantes desta jovem e talentosa companhia caminharam de mãos dadas ao longo de todo o processo criativo. Portanto, a todos parabenizo e desejo que os sempre caprichosos deuses do teatro continuem abençoando a companhia carioca Teatro Inominável.
Com relação à equipe técnica, destaco com o mesmo entusiasmo as participações de todos os profissionais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - Eleonora Fabião (orientação de direção), Caroline Helena (maravilhosa direção de movimento), Philippe Baptista (direção musical), Leandro Ribeiro (cenário), Ronald Teixeira (orientação de cenário), Isadhora Müller e Marina Daldalarrondo (figurino e visagismo), Desirée Bastos (orientação de idumentária), Davi Palmeira e Thaís Barros (iluminação), José Henrique Moreira (orientação de iluminação) e Verônica Machado (preparação vocal).
SINFONIA SONHO - Dramaturgia e direção de Diogo Liberano. Com a companhia Teatro Inominável. Espaço Cultural Sérgio Porto. Sexta e sábado, 21h. Domingo, 20h.
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