Teatro/CRÍTICA
"Abram-se os histéricos!"
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O inconsciente em cena
Lionel Fischer
Médico e cientista francês, Jean-Martin Charcot (1825-1893) alcançou fama no terreno da psiquiatria na segunda metade do século XIX. Foi um dos maiores clínicos e professores de medicina na França e, juntamente com Guillaume Duchenne, o fundador da moderna neurologia. Sua maior contribuição para o conhecimento das doenças do cérebro foram o estudo da afasia, a descoberta do aneurisma cerebral e das causas da hemorragia cerebral. Afora issso, Charcot concluiu que a hipnose era um método que permitia tratar diversas perturbações psíquicas, em especial a histeria, tema central do presente espetáculo.
De autoria de Antonio Quinet e Regina Miranda, "Abram-se os histéricos!", baseada na obra "A lição de Charcot", aborda as aulas públicas ministradas por Charcot no Hospital La Salpêtrière, em Paris, quando valia-se de suas pacientes para demonstrar que a histeria era não apenas uma doença séria, mas supostamente teria uma causa orgânica. Dentre seus muitos alunos célebres, um deles aparece no espetáculo: Sigmund Freud. Joseph Babinski também está em cena, não tanto como aluno, ao que me pareceu, mas sobretudo como colaborador e entusiasta das idéias de Charcot.
Com direção assinada por Regina Miranda, "Abram-se os histéricos!" está em cartaz no Centro Cultural Justiça Federal. No elenco, Lourival Prudêncio, Marina Salomon, Patrícia Niedermeier, Aline Deluna, Berenice Xavier, Marina Magalhães, Jano Moskorz e Evandro Manchini.
Propondo uma relação com a platéia como se esta fosse parte integrande da ação, ou seja, os espectadores estariam assistindo a demonstrações públicas das teorias de Charcot, o texto pode ser encarado, num primeiro momento, como uma tentativa de recriar o ambiente em que tais encontros se davam, e as objeções de Freud serviriam para pontuar o momento em que estaria nascendo uma irremediável disputa, digamos assim, entre a psicanálise e a neurociência - a primeira sustenta que a histeria pertence ao inconsciente e a segunda, por negá-lo, a atribuiria a componentes físicos.
Mas creio que a pretensão maior dos autores foi a de trazer essa discussão para os tempos atuais, pois até hoje não se chegou a um acordo sobre o tema. Neste sentido, torna-se inegável o caráter extremamente oportuno do texto, que certamente facultará aos espectadores relevantes informações sobre a histeria. Ainda assim, me parece que os autores poderiam ter investido um pouco mais no retrato dos personagens principais, pois os debates que travam, por mais interessantes que sejam - e são de fato muito interessantes - o seriam ainda mais se oriundos não apenas de pontos de vista antagônicos, mas também de personalidades mais bem definidas.
Quanto ao espetáculo, este se torna particularmente interessante e expressivo nas passagens em que várias manifestações histéricas se materializam. Excelente coreógrafa, Regina Miranda cria uma espécie de balé que parece ter nascido de irrefreáveis impulsos do inconsciente das personagens, traduzindo gritos que não podem ser expressos através das palavras. Aqui, realmente, os corpos falam -pena que na vida, sendo ou não histéricos, nossos corpos em geral insistam em permanecer mudos...
Com relação ao elenco, as quatro atrizes que encarnam as histéricas - Patrícia Niedermeier, Marina Salomon, Marina Magalhães e Aline Deluna - exibem grande expressividade corporal e um trabalho vocal não menos notável. Quanto aos demais intérpretes, Lourival Prudêncio (Charcot), Jano Moskorz (Babisnki) e Evandro Manchini (Freud) apresentam performances seguras e convincentes, o mesmo ocorrendo com Berenice Xavier no papel de uma enfermeira.
Na equipe técnica, são eficientes e expressivas as contribuições de Regina Miranda (cenografia), Luiza Marcier (figurinos) e Dani Sanchez (Iluminação), cabendo destacar a bela e instigante trilha sonora a cargo de José Eduardo Costa Silva (compositor e diretor musical), Marcus Neves (desenho de som), Herbert Baioco (pesquisa de material sonoro), Ernesto Hartmann (piano) e Márcia Lyra (soprano).
ABRAM-SE OS HISTÉRICOS - Texto de Antonio Quinet e Regina Miranda. Direção de Regina Miranda. Com Lourival Prudêncio, Marina Salomon, Patrícia Niedermeier, Aline Deluna, Marina Magalhães, Berenice Xavier, Jano Moskorz e Evandro Manchini. Centro Cultural Justiça Federal. Quarta e quinta, 19h.
quinta-feira, 3 de maio de 2012
terça-feira, 1 de maio de 2012
Verdadeiros e Falsos Demônios
Lionel Abel
Sófocles propõe, em Édipo Rei e Édipo em Colona, os dois movimentos essenciais da tragédia: na primeira peça sobre Édipo o protagonista é destruído; na segunda, tendo sobrevivido à destruição trágica, ele se torna divino, um demônio.
Talvez a melhor maneira de compreender esses dois movimentos diferentes seja a de considerar, em poucas palavras, aquela falta humana que, segundo o pensamento grego, torna possível a tragédia: hubris. Sem hubris não é muito provável que qualquer personagem venha a ser destruído em uma tragédia; sem ser destruído, nenhum personagem pode se tornar divino, isto é, um demônio. Hubris, portanto, é uma coisa ambígüa que pode levar à destruição, mas que também pode conduzir ao que na concepção de uma mente grega seria algo semelhante à graça.
Alguns estudiosos têm insistido que hubris, a principal falta trágica, é a insolência. Por outro lado, o professor Whitman, em seu recente livro sobre Sófocles, procurou destruir a própria idéia do hubris. Segundo o professor, os heróis e heroínas de Sófocles não são motivados por hubris, o que seria negativo na melhor das hipóteses, mas por arete, que é bom e positivo, pois arete é o sentimento de obrigação em relação à forma da própria virtude de cada um. Mas nem Whitman, que nega que o protagonista de uma tragédia seja culpado de hubris, e nem aqueles que afirmam que ele o é, compreenderam hubris, creio eu, em todas as suas ambigüidades.
Será hubris a insolência? E só isso? Pode-se argumentar que sim. Porém, o conceito, assim compreendido, iluminaria bem pouco o movimento das obras de Sófocles, ou o modo pelo qual ele concebia seus heróis e heroínas. Sugiro que hubris não é a insolência, e que quando um personagem age como se já tivesse vivido uma tragédia, quando a tragédia ainda está à sua espera, ele é culpado de hubris.
Por outro lado, ter passado por uma tragédia, ter sido destruído, mas de algum modo continuar a viver, é tornar-se capaz de poderes demoníacos. O personagem que age como se ele ou ela tivesse o poder de um demônio será destruído; mas após essa destruição poderão vir os poderes demoníacos. Hubris, portanto, é a presunção a uma espécie de divindade que poderá ou não ser concedida.
Isso não significa que o protagonista de uma tragédia esteja disposto a ser destruído para tornar-se um demônio. Muito pelo contrário, o protagonista trágico espera atingir fins outros e mais humanos. Ele age, porém, como se fosse invulnerável; e é essa ficção que o conduz à destruição.
Na primeira peça de Édipo, de Sófocles, vemos um exemplo perfeito de hubris. Édipo anuncia que ele encontrará e punirá o assassino de Laio. Ele persiste, embora aconselhado a não fazê-lo, até descobrir que ele próprio é o assassino que jurou punir, bem como que o homem que ele assassinara é seu próprio pai. Tal conhecimento o destrói. Ele se cega e se exila; mas não morre.
Na segunda peça edipiana, o antigo rei, que é agora um mendigo guiado por sua filha, tornou-se um demônio após sobreviver à tragédia: duas cidades desejam seu corpo quando morrer, pois segundo um decreto de Apolo será bendita a cidade em que for enterrado Édipo. Além disso, Édipo, que matou o pai e expiou essa culpa, se sente suficientemente poderoso parea maldizer seus dois filhos e condená-los a morrer um pela mão do outro.
Entretanto Sófocles, desejando preservar algum componente de liberdade humana mesmo na mais rígida corrente de causalidade, torna bem claro que após a maldição de Édipo seus dois filhos não estão necessariamente condenados a matar um ao outro; isso só acontecerá se Polinice insistir em marchar com seus exércitos contra Tebas. Se insistir, no entanto, ele morrerá, bem como seu irmão Etéocles.
O poder evidenciado por um personagem já destruído pela tragédia é tão trágico, como vemos pela leitura de Édipo em Colona, quanto a fraqueza de um personagem que se pensa todo-poderoso e acaba por ser tragicamente destruído. As duas peças de Sófocles se complementam e englobam todo o domínio da tragédia.
Mas o que acontece quando um demônio falso e um verdadeiro se encontram? Tal é o assunto da Antígona de Sófocles.
Já foi dito que ambos os principais personagens da tragédia, Antígona e Creonte, estão certos - Antígona porque representa os deuses da família (ou, para um idealista, as leis que existem além dos deuses), Creonte porque representa os deuses do Estado. Tal era o ponto de vista de Hegel, que considerava Antígona a mais perfeita expressão da tragédia.
Porém não é verdade que Antígona e Creonte estejam igualmente certos em suas posições. Não há dúvida de que Creonte parece estar certo em certos momentos, porém só até a entrada de Tirésias; depois disso não só ele está claramente errado como também, segundo Tirésias, é objeto de ódio dos deuses. Ele fez algo cosmicamente errado, que se contrapõe à ordem da natureza e da sociedade: enterrou um vivo e negou enterro a um morto.
E no entanto Creonte não estaria tão errado quanto está no momento em que Tirésias o denuncia se Antígona não tivesse tido a força necessária para desafiar um edito do Estado. É a força de Antígona que torna Creonte um criminoso. Tivesse ela se submetido ao edito, e ele incorreria em êrro, sem dúvida. Porém não totalmente.
De modo que simplesmente não é verdade que Antígona e Creonte sejam èticamente iguais. Por assim julgá-los, Hegel inventou uma teoria completamente incorreta - embora original e interessante - da tragédia, que ele via como um conflito entre duas instituições de igual valor, o Estado e a família.
A qualquer pessoa que tenha visto um bom espetáculo de Antígona fica bem claro que Antígona está certa, mas que o personagem patético é Creonte. E dizer que Antígona está certa é dizer muito mais do que dizer que ela está èticamente certa ou que a família é mais importante do que o Estado.
Mesmo que Sófocles julgasse a família mais importante do que o Estado - o que eu duvido - isso não bastaria para explicar o acerto de Antígona ou o erro de Creonte. Em verdade, Hegel poderia estar inteiramente correto em concluir que um dramaturgo ateniense colocaria necessariamente a família e o Estado em termos èticamente iguais, mas mesmo assim Antígona e Creonte não lutam como iguais. Nem se origina a desigualdade entre eles de uma superioridade das posições éticas e religiosas de Antígona.
A superioridade de Antígona em relação a Creonte nasce do fato de ser ela um verdadeiro demônio, e ele um falso.
Essa superioridade de Antígona, não só em relação a Creonte mas também a todas as outras pessoas da peça, é demonstrada desde a primeira cena, quando ela propõe à sua irmã Ismênia que ambas enterrem seu irmão Polinice em desafio ao edito de Creonte. Ismênia recusa. Como poderão elas, fracas como são, lutar contra o Estado?
Antígona responde com grande aspereza que ela pode fazê-lo, e o fará, e que não deseja mais o auxílio da irmã: ela própria enterrará o corpo do irmão e lutará contra o Estado o melhor que puder, sem auxílio de ninguém. E fala com força e segurança demoníacas.
Será Creonte um demônio? Quando aparece, seu primeiro pronunciamento é uma tentativa de convercer o Côro de que não se deterá diante de nada, e que punirá quem quer que seja que, em desafio às suas ordens, honrar o corpo de Polinice, o traidor morto.
"Por que ofender um homem morto?", pergunta o Côro. Creonte responde que dois irmãos estão mortos, sendo um o herói que defendeu sua cidade e o outro o traidor que procurou conquistá-la. O Estado deve fazer disitnção entre os dois cadáveres, e o único modo de ficar patente o seu desprezo pelo traidor é deixar seu corpo sem enterro.
Além do mais, assevera Creonte, o Estado lhe é tão caro que em seu nome ele esqueceria qualquer laço de amizade ou família. Para ele, acrescenta, o Estado é tudo.
Ao fazer tal asserção, Creonte está enganando a si mesmo, pois em verdade ama seu filho Hêmon que está apaixonado por Antígona. Ao falar como fala ao Côro, a Antígona e a Hêmon, Creonte age como se fosse invulnerável aos sentimentos.
O estranho é que Antígona, que fala em nome dos sentimentos, é invulnerável a qualquer sentimento por Hêmon, Ismênia ou o Estado. Antígona é verdadeiramente demoníaca, enquanto Creonte o é falsamente: ela pode morrer.
Não é ela filha de Édipo e parte de sua tragédia? Não compartilhou ela seu exílio? Já não é esse o caso de Ismênia. Mas Creonte não pode ouvir que seu nfilho está morto, e que sua mulher se suicidou, sem implorar para ser destruído. Ele já havia sido destruído, ao comportar-se como se fôra invulnerável.
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Extraído de Metateatro - uma visão nova da forma dramática. Zahar Editores, 1968.
Lionel Abel
Sófocles propõe, em Édipo Rei e Édipo em Colona, os dois movimentos essenciais da tragédia: na primeira peça sobre Édipo o protagonista é destruído; na segunda, tendo sobrevivido à destruição trágica, ele se torna divino, um demônio.
Talvez a melhor maneira de compreender esses dois movimentos diferentes seja a de considerar, em poucas palavras, aquela falta humana que, segundo o pensamento grego, torna possível a tragédia: hubris. Sem hubris não é muito provável que qualquer personagem venha a ser destruído em uma tragédia; sem ser destruído, nenhum personagem pode se tornar divino, isto é, um demônio. Hubris, portanto, é uma coisa ambígüa que pode levar à destruição, mas que também pode conduzir ao que na concepção de uma mente grega seria algo semelhante à graça.
Alguns estudiosos têm insistido que hubris, a principal falta trágica, é a insolência. Por outro lado, o professor Whitman, em seu recente livro sobre Sófocles, procurou destruir a própria idéia do hubris. Segundo o professor, os heróis e heroínas de Sófocles não são motivados por hubris, o que seria negativo na melhor das hipóteses, mas por arete, que é bom e positivo, pois arete é o sentimento de obrigação em relação à forma da própria virtude de cada um. Mas nem Whitman, que nega que o protagonista de uma tragédia seja culpado de hubris, e nem aqueles que afirmam que ele o é, compreenderam hubris, creio eu, em todas as suas ambigüidades.
Será hubris a insolência? E só isso? Pode-se argumentar que sim. Porém, o conceito, assim compreendido, iluminaria bem pouco o movimento das obras de Sófocles, ou o modo pelo qual ele concebia seus heróis e heroínas. Sugiro que hubris não é a insolência, e que quando um personagem age como se já tivesse vivido uma tragédia, quando a tragédia ainda está à sua espera, ele é culpado de hubris.
Por outro lado, ter passado por uma tragédia, ter sido destruído, mas de algum modo continuar a viver, é tornar-se capaz de poderes demoníacos. O personagem que age como se ele ou ela tivesse o poder de um demônio será destruído; mas após essa destruição poderão vir os poderes demoníacos. Hubris, portanto, é a presunção a uma espécie de divindade que poderá ou não ser concedida.
Isso não significa que o protagonista de uma tragédia esteja disposto a ser destruído para tornar-se um demônio. Muito pelo contrário, o protagonista trágico espera atingir fins outros e mais humanos. Ele age, porém, como se fosse invulnerável; e é essa ficção que o conduz à destruição.
Na primeira peça de Édipo, de Sófocles, vemos um exemplo perfeito de hubris. Édipo anuncia que ele encontrará e punirá o assassino de Laio. Ele persiste, embora aconselhado a não fazê-lo, até descobrir que ele próprio é o assassino que jurou punir, bem como que o homem que ele assassinara é seu próprio pai. Tal conhecimento o destrói. Ele se cega e se exila; mas não morre.
Na segunda peça edipiana, o antigo rei, que é agora um mendigo guiado por sua filha, tornou-se um demônio após sobreviver à tragédia: duas cidades desejam seu corpo quando morrer, pois segundo um decreto de Apolo será bendita a cidade em que for enterrado Édipo. Além disso, Édipo, que matou o pai e expiou essa culpa, se sente suficientemente poderoso parea maldizer seus dois filhos e condená-los a morrer um pela mão do outro.
Entretanto Sófocles, desejando preservar algum componente de liberdade humana mesmo na mais rígida corrente de causalidade, torna bem claro que após a maldição de Édipo seus dois filhos não estão necessariamente condenados a matar um ao outro; isso só acontecerá se Polinice insistir em marchar com seus exércitos contra Tebas. Se insistir, no entanto, ele morrerá, bem como seu irmão Etéocles.
O poder evidenciado por um personagem já destruído pela tragédia é tão trágico, como vemos pela leitura de Édipo em Colona, quanto a fraqueza de um personagem que se pensa todo-poderoso e acaba por ser tragicamente destruído. As duas peças de Sófocles se complementam e englobam todo o domínio da tragédia.
Mas o que acontece quando um demônio falso e um verdadeiro se encontram? Tal é o assunto da Antígona de Sófocles.
Já foi dito que ambos os principais personagens da tragédia, Antígona e Creonte, estão certos - Antígona porque representa os deuses da família (ou, para um idealista, as leis que existem além dos deuses), Creonte porque representa os deuses do Estado. Tal era o ponto de vista de Hegel, que considerava Antígona a mais perfeita expressão da tragédia.
Porém não é verdade que Antígona e Creonte estejam igualmente certos em suas posições. Não há dúvida de que Creonte parece estar certo em certos momentos, porém só até a entrada de Tirésias; depois disso não só ele está claramente errado como também, segundo Tirésias, é objeto de ódio dos deuses. Ele fez algo cosmicamente errado, que se contrapõe à ordem da natureza e da sociedade: enterrou um vivo e negou enterro a um morto.
E no entanto Creonte não estaria tão errado quanto está no momento em que Tirésias o denuncia se Antígona não tivesse tido a força necessária para desafiar um edito do Estado. É a força de Antígona que torna Creonte um criminoso. Tivesse ela se submetido ao edito, e ele incorreria em êrro, sem dúvida. Porém não totalmente.
De modo que simplesmente não é verdade que Antígona e Creonte sejam èticamente iguais. Por assim julgá-los, Hegel inventou uma teoria completamente incorreta - embora original e interessante - da tragédia, que ele via como um conflito entre duas instituições de igual valor, o Estado e a família.
A qualquer pessoa que tenha visto um bom espetáculo de Antígona fica bem claro que Antígona está certa, mas que o personagem patético é Creonte. E dizer que Antígona está certa é dizer muito mais do que dizer que ela está èticamente certa ou que a família é mais importante do que o Estado.
Mesmo que Sófocles julgasse a família mais importante do que o Estado - o que eu duvido - isso não bastaria para explicar o acerto de Antígona ou o erro de Creonte. Em verdade, Hegel poderia estar inteiramente correto em concluir que um dramaturgo ateniense colocaria necessariamente a família e o Estado em termos èticamente iguais, mas mesmo assim Antígona e Creonte não lutam como iguais. Nem se origina a desigualdade entre eles de uma superioridade das posições éticas e religiosas de Antígona.
A superioridade de Antígona em relação a Creonte nasce do fato de ser ela um verdadeiro demônio, e ele um falso.
Essa superioridade de Antígona, não só em relação a Creonte mas também a todas as outras pessoas da peça, é demonstrada desde a primeira cena, quando ela propõe à sua irmã Ismênia que ambas enterrem seu irmão Polinice em desafio ao edito de Creonte. Ismênia recusa. Como poderão elas, fracas como são, lutar contra o Estado?
Antígona responde com grande aspereza que ela pode fazê-lo, e o fará, e que não deseja mais o auxílio da irmã: ela própria enterrará o corpo do irmão e lutará contra o Estado o melhor que puder, sem auxílio de ninguém. E fala com força e segurança demoníacas.
Será Creonte um demônio? Quando aparece, seu primeiro pronunciamento é uma tentativa de convercer o Côro de que não se deterá diante de nada, e que punirá quem quer que seja que, em desafio às suas ordens, honrar o corpo de Polinice, o traidor morto.
"Por que ofender um homem morto?", pergunta o Côro. Creonte responde que dois irmãos estão mortos, sendo um o herói que defendeu sua cidade e o outro o traidor que procurou conquistá-la. O Estado deve fazer disitnção entre os dois cadáveres, e o único modo de ficar patente o seu desprezo pelo traidor é deixar seu corpo sem enterro.
Além do mais, assevera Creonte, o Estado lhe é tão caro que em seu nome ele esqueceria qualquer laço de amizade ou família. Para ele, acrescenta, o Estado é tudo.
Ao fazer tal asserção, Creonte está enganando a si mesmo, pois em verdade ama seu filho Hêmon que está apaixonado por Antígona. Ao falar como fala ao Côro, a Antígona e a Hêmon, Creonte age como se fosse invulnerável aos sentimentos.
O estranho é que Antígona, que fala em nome dos sentimentos, é invulnerável a qualquer sentimento por Hêmon, Ismênia ou o Estado. Antígona é verdadeiramente demoníaca, enquanto Creonte o é falsamente: ela pode morrer.
Não é ela filha de Édipo e parte de sua tragédia? Não compartilhou ela seu exílio? Já não é esse o caso de Ismênia. Mas Creonte não pode ouvir que seu nfilho está morto, e que sua mulher se suicidou, sem implorar para ser destruído. Ele já havia sido destruído, ao comportar-se como se fôra invulnerável.
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Extraído de Metateatro - uma visão nova da forma dramática. Zahar Editores, 1968.
Dostoiévski e o Teatro
Sábato Magaldi
Qualquer leitor menos desatento percebe a teatralidade dos romances de Dostoiévski. Não só pela importância dos diálogos em meio à narrativa. As personagens estão carregadas de uma dramaticidade que as situa sempre em tensão violenta, prestes a explodir. É aquele gosto de apresentar os conflitos em plena crise, dentro da síntese requerida pelo palco. Apenas Shakespeare tem a intensidade dramática da obra romanesca de Dostoiévski.
Sabe-se, aliás, que o autor de Os Irmãos Karamazov escreveu dois dramas na juventude, infelizmente perdidos: Maria Stuart e Boris Godunov, que se tende a aproximar das obras de Schiller e Pushkin. Seu interesse pelo teatro se manifestou ainda no desempenho de O Inspetor, de Gogol, em 1860 (quando contava 38 anos de idade), e na paródia que fez de Hamlet, em 1866, interpretando ainda o papel do rei. A correspondência dá conta da curiosidade de Dostoiévski pelo movimento teatral.
Consciente, porém, de que um gênero exige linguagem própria, Dostoiévski não era favorável às adaptações de seus romances. Em carta a Varvara Obolenskaja, afirmou categoricamente que "a forma épica não encontra nunca correspondência dramática". Um pensamento reclama uma certa forma e não outra, o que redundaria na incomunicabilidade dos gêneros.
Essa convicção não impediu o grande Nemirovich Dantchenko, co-diretor do Teatro de Arte de Moscou, juntamente com Stanislavski, de afirmar: "Dostoiévski escrevia como romancista, mas sentia como autor dramático. Imagens e palavras têm nele valor cênico". E o poeta e ensaísta Vjaceslav Ivanov publicou um volume em que chama de tragédias os romances dos dostoievskianos.
Dostoiévski estava ainda a onze anos da morte, cujo centenário se comemorou em 1981, quando começaram as adaptações cênicas de sua obra. E dezenas delas não puderam ser levadas ao palco, porque a Censura, como é de seu hábito, se apressou a interditá-las. Stanislavski precisou mudar o nome do autor e das personagens, para furar o bloqueio sensório, na encenação de Foma, em que se transformou A Aldeia de Stepantchkovo e Seus Habitantes, em 1891 (e Dostoiévski já estava morto há dez anos...)
O êxito cênico do romancista ligou-se fundamentalmente ao Teatro de Arte e a Nemirovich Dantchenko. Os Irmãos Karamazov subiu ao palco, ali, na temporada de 1910. Seguiu-se a montagem de Nikolai Stavrogin (fragmentos de Os Demônios), em 1913. A Aldeia de Stepantchkovo voltou à cena em 1917. O Sonho do Tio estreou em 1929. Como se vê, uma preocupação contínua com a obra dostoievskiana só interrompida pelo período stalinista, em que ela pareceu prejudicial, pelos elementos religiosos e místicos das personagens. Mas sabe-se que, encerrada a ditadura sombria de Stalin, Dostoiévski inspirou de novo o palco soviético, e se comemorou condignamente o 75º aniversário de sua morte, em 1956.
Na primeira metade do século XX, ficaram famosas algumas encenações ocidentais de Dostoiévski. Citam-se particularmente, na França, as de Jacques Copeau para Os irmãos Karamazov e de Gastan Baty para Crime e Castigo. Na Inglaterra, Irving encenou Crime e Castigo. Na década de 50, Jacques Mauclair realizou, em Paris, uma memorável interpretação de O Eterno Marido. São Paulo viu, em 1958, a adaptação do italiano Diego Fabbri para Os Demônios e, em 1964, Berta Zemel criou Noites Brancas para o Teatro Popular do Sesi. Noites Brancas tinha sobretudo um apelo lírico e delicado, que acrescentava uma nota diferente ao conturbado universo dostoievskiano. Esse clima não impediu que 84 mil espectadores (o dobro do número registrado na montagem anterior) vissem a encenação, estreada no Teatro Maria Della Costa.
Do que foi dado ao público paulistano assistir, Os Demônios, na versão de Fabbri, distinguiu-se como a mais poderosa imagem cênica de Dostoiévski. Não se poderia afirmar que a força da adaptação corresponda, no teatro, à que tem no romance, na literatura. Mas o espírito e a grandeza de Dostoiévski estão presentes o tempo inteiro no palco, na montagem do elenco do Teatro Estável de Gênova.
Diferentemente da maioria das adaptações, que empobrecem o original, o texto de Fabbri procura reter-lhe todas as linhas e as personagens principais, simplificando apenas o que romperia a necessária unidade. No livro, por exemplo, Chatov reencontra a esposa. Na peça, ele é solteiro e mostra, antes de ser assassinado, o desejo de constituir família e viver em paz. Fabbri preserva e explora meia dúzia, ao menos, de cenas geniais, que sozinhas, são superiores a noventa por cento da literatura dramática.
Os grandes momentos do romance revivem no palco. E estão definidas, com admirável poder de síntese, suas figuras centrais - Stavroguin, Piotr Stepanovich, Chatov e Kirillov. Em rápidas iluminações, justifica-se porque eles se situam entre as personagens fundamentais da história literária. "Demônios" revolucionários, que se acham na trilha de uma santidade especial, mas que o autor, já recolhido da experiência subversiva da juventude, condena com infinita compreensão, acreditando que a Rússia deve ser exorcizada de sua presença.
Stavroguin, sobretudo, por mais que possa estar indicado na narrativa, e se confesse ao bispo Tikhon, guarda um segredo que o suicídio cobre iremediavelmente. Mostrar-lhe os traços genéricos é simples: verdadeiro Don Juan das estepes, indivíduo de força extraordinária, que leva os outros à irrestrita adoração ou ao total repúdio (e é por isso considerado por Piotr o homem necessário para liderar o movimento revolucionário), sádico tremendo e masoquista ainda maior, parece incapaz de amar e de empenhar-se a fundo em qualquer coisa, definindo-se, para Romano Guardini, como a encarnação do mais tenebroso livro de Kierkegaard, O Conceito da Angústia.
"Como tinha caído muito baixo", Chatov dá-lhe em público uma bofetada, sem que ele reaja, quando a coragem e o destemor o caracterizam. Ele próprio diz a Daria Pavlovna: "Não consigo empenhar-me verdadeiramente nem no bem, nem no mal: eis a minha condição; poderei um dia encontrar alguma coisa em que empenhar-me a fundo, com toda a minha pessoa?" Logo adiante esclarece: "...vocês todos acreditaram que eu fosse um deus...e, ao invés, era um medíocre". Mas, em lugar de considerarmos deserto o coração de Stavroguin, o que já passou em julgado para a crítica, temos vontade de acreditá-lo sensível e grande demais, nesse desespero de quem não consegue resolver no plano das limitações humanas sua imensa ternura.
A psicanálise encontraria a chave de Stavroguin na confissão que ele faz a Tikhon (apêndice subtraído ao romance pelo autor e incorporado por Fabbri à peça), segundo a qual possuiu uma menina e deixou que ela se enforcasse, certa de ter morto Deus. Foi o profundo sentimento de culpa, sem dúvida, que o levou a sentir-se responsável por toda a história da menina, e é pelo desejo de punir-se que se casa com uma aleijada, ademais doente mental. Chatov já havia visto nesse matrimônio a paixão do martírio e a volúpia moral, esse prazer da vergonha e do castigo.
Fica-se ainda em dúvida se é a indiferença ou a perversidade que induz Stavroguin a dar dinheiro para a supressão de Maria, ou se é a delicadeza moral que o obriga a sentir-se responsável pelo crime, já que poderia prevê-lo e evitá-lo. A aventura humana de Stavroguin, porém, não se reduz às coordenadas psicológicas. Ele não se empenha no bem e no mal porque está acima dessas categoria éticas, no plano efetivo do "demônio" que deseja substituir-se a Deus, ressentido com o poder do criador.
Numa demonstração inequívoca de orgulho transcendente, Stavroguin fala ao bispo: "...Não me basta nem o seu perdão, nem o dos outros, nem o de Deus, nem...o de Cristo! Sou eu que me quero perdoar". A impossibilidade de admitir a condição conduz Stavroguin ao suicídio. Não se sabe até que ponto a visão de Tikhon, prevendo o que sucederá a Stavroguin, mas impotente para evitá-la, se assemelha à atitude daqueles que não impediram o desespero final de Judas.
O itinerário de Stavroguin decorre da experiência sentimental e o de Kirillov, que se pode considerar uma réplica metafísica do amigo, surge como espantosa elaboração da inteligência. Não há, talvez, na peça de Fabbri, personagem mais bem talhada, aproveitando, aliás, os diálogos do romance.
A primeira aparição de Kirillov já o lança em seu clima. Diz ele a Stavroguin, enquanto brinca com uma criança: "Você sabe o que penso: que a morte não existe - existe apenas a vida". Esclarece que não se trata de vida futura: "Creio na eternidade da vida, simplesmente. Existem instantes em que o tempo pára e se torna eternidade". O conceito de harmonia se enriquece com o de liberdade e de absoluto, no diálogo de Piotr. "Se não existe Deus, sou eu - homem - que sou Deus".
E explica: "Se Deus existe, toda a vontade está nele, e eu não posso substrai-me à sua vontade; mas se Deus não existe, então minha vontade é soberana! E tenho o dever de afirmar minha absoluta liberdade, isto é, afirmar o arbítrio!" Aduz: "...Tenho o dever de matar-me; porque a plenitude do meu arbítrio - a minha suprema liberdade - é suicidar-me!"
Kirillov justifica-se intelectualmente, dizendo ser o único homem que se matará por arbítrio: "O homem não fez outra coisa senão inventar Deus para poder viver sem matar-se. Eu só, pela primeira vez na história universal, não quis inventar Deus". Tem uma última explicação, antes do suicídio: "...mas se as leis da Natureza não pouparam nem a 'Ele' (Cristo), se não pouparam nem o seu próprio milagre, mas o obrigaram também a viver em meio da mentira e a morrer pela mentira, isso significa que todo o planeta não é senão mentira e se assenta na mentira, e numa estúpida zombaria. Por que viver, então?"
Mais uma vez revolta, impossibilidade de aceitar a condição humana, ressentimento pela precariedade do destino, ciúme de Deus. Os niilistas de Dostoiévski nunca puderam suprimir a imagem daquele que pretendiam negar. O desprezo de Kirillov por tudo faz que ele admita confessar a autoria dos horrores que não praticou, assinando a declaração em francês, numa última prova de desapreço pela sociedade.
Tanto Kirillov como Stavroguin movem-se numa esfera individual, em que procuram resolver intimamente suas contradições. O "demônio" de Piotr Stepanovitch tem ação social marcada, isto é, arquiteta na prática o terror. Ninguém melhor do que ele ilustra a teoria de que os fins justificam os meios, colocando de cambulhada, na luta revolucinária, seus grandes ressentimetnos pessoais: o abandono em que o deixou o pai, e assassinando Chatov - como lhe disse Kirillov - não por ser um traidor, mas porque recebera dele, há tempos, uma cusparada na cara.
Não importam, contudo, os motivos de Piotr. Vale a pena conhecer seus ideais de paz social: "...é preciso que se instaure a obediência!" "A sede de instrução é já uma sede aristocrática". "Existindo a família e o amor, aparece logo o desejo de propriedade. Nós mataremos o desejo". Quer ele, com efeito, um ideal de mediocridade, em que os homens terão o que comer em troca da servidão. Seria Piotr um revolucionário russo ou um precursor dos totalitarismos?
Já Chatov foi exorcizado, reconhecendo-se em seus traços, como quer a crítica, o próprio Dostoiévski. Sente-se nele a encarnação do pan-eslavismo cristão do romancista. Chatov professa o que ouvira há tempos de Stavroguin: "Um ateu não pode ser russo; o ateu deixa logo de ser russo...", "...o único povo portador de Deus no mundo é o povo russo...porque o catolicismo romano não é mais cristianismo...O nosso povo é o próprio corpo de Cristo!"
Também ele concita Stavroguin a desfraldar uma bandeira, embora diferente da de Piotr: "A bandeira do povo russo à procura de Deus!" No diálogo com Kirillov, diz Chatov que eles adoeceram de heroísmo, e não lhe agradam mais os homens exepcionais. Essa completa aceitação da humanidade não parece melhor sucedida para Dostoiévski, já que, antes de ingressar na beatitude da vida comum, Chatov é sacrificado por Piotr. Não se poupará os que desejam ir longe demais, nem or próprios inocentes?
Não se pode negar que esse mundo é bem de Dostoiévski. O que valida Os Demônios de Fabbri. Mas, além do mérito dessa e de outras adaptações cênicas da obra dostoievskiana, vale a pena lembrar a influência que ela exerceu sobre os dramaturgos. E, no caso do Brasil, a admiração que Nelson Rodrigues, nosso maior autor, sempre devotou ao romancista, considerando-o a marca definitiva em seu teatro.
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Extraído de Depois do Espetáculo, Editora Perspectiva/2003
Sábato Magaldi
Qualquer leitor menos desatento percebe a teatralidade dos romances de Dostoiévski. Não só pela importância dos diálogos em meio à narrativa. As personagens estão carregadas de uma dramaticidade que as situa sempre em tensão violenta, prestes a explodir. É aquele gosto de apresentar os conflitos em plena crise, dentro da síntese requerida pelo palco. Apenas Shakespeare tem a intensidade dramática da obra romanesca de Dostoiévski.
Sabe-se, aliás, que o autor de Os Irmãos Karamazov escreveu dois dramas na juventude, infelizmente perdidos: Maria Stuart e Boris Godunov, que se tende a aproximar das obras de Schiller e Pushkin. Seu interesse pelo teatro se manifestou ainda no desempenho de O Inspetor, de Gogol, em 1860 (quando contava 38 anos de idade), e na paródia que fez de Hamlet, em 1866, interpretando ainda o papel do rei. A correspondência dá conta da curiosidade de Dostoiévski pelo movimento teatral.
Consciente, porém, de que um gênero exige linguagem própria, Dostoiévski não era favorável às adaptações de seus romances. Em carta a Varvara Obolenskaja, afirmou categoricamente que "a forma épica não encontra nunca correspondência dramática". Um pensamento reclama uma certa forma e não outra, o que redundaria na incomunicabilidade dos gêneros.
Essa convicção não impediu o grande Nemirovich Dantchenko, co-diretor do Teatro de Arte de Moscou, juntamente com Stanislavski, de afirmar: "Dostoiévski escrevia como romancista, mas sentia como autor dramático. Imagens e palavras têm nele valor cênico". E o poeta e ensaísta Vjaceslav Ivanov publicou um volume em que chama de tragédias os romances dos dostoievskianos.
Dostoiévski estava ainda a onze anos da morte, cujo centenário se comemorou em 1981, quando começaram as adaptações cênicas de sua obra. E dezenas delas não puderam ser levadas ao palco, porque a Censura, como é de seu hábito, se apressou a interditá-las. Stanislavski precisou mudar o nome do autor e das personagens, para furar o bloqueio sensório, na encenação de Foma, em que se transformou A Aldeia de Stepantchkovo e Seus Habitantes, em 1891 (e Dostoiévski já estava morto há dez anos...)
O êxito cênico do romancista ligou-se fundamentalmente ao Teatro de Arte e a Nemirovich Dantchenko. Os Irmãos Karamazov subiu ao palco, ali, na temporada de 1910. Seguiu-se a montagem de Nikolai Stavrogin (fragmentos de Os Demônios), em 1913. A Aldeia de Stepantchkovo voltou à cena em 1917. O Sonho do Tio estreou em 1929. Como se vê, uma preocupação contínua com a obra dostoievskiana só interrompida pelo período stalinista, em que ela pareceu prejudicial, pelos elementos religiosos e místicos das personagens. Mas sabe-se que, encerrada a ditadura sombria de Stalin, Dostoiévski inspirou de novo o palco soviético, e se comemorou condignamente o 75º aniversário de sua morte, em 1956.
Na primeira metade do século XX, ficaram famosas algumas encenações ocidentais de Dostoiévski. Citam-se particularmente, na França, as de Jacques Copeau para Os irmãos Karamazov e de Gastan Baty para Crime e Castigo. Na Inglaterra, Irving encenou Crime e Castigo. Na década de 50, Jacques Mauclair realizou, em Paris, uma memorável interpretação de O Eterno Marido. São Paulo viu, em 1958, a adaptação do italiano Diego Fabbri para Os Demônios e, em 1964, Berta Zemel criou Noites Brancas para o Teatro Popular do Sesi. Noites Brancas tinha sobretudo um apelo lírico e delicado, que acrescentava uma nota diferente ao conturbado universo dostoievskiano. Esse clima não impediu que 84 mil espectadores (o dobro do número registrado na montagem anterior) vissem a encenação, estreada no Teatro Maria Della Costa.
Do que foi dado ao público paulistano assistir, Os Demônios, na versão de Fabbri, distinguiu-se como a mais poderosa imagem cênica de Dostoiévski. Não se poderia afirmar que a força da adaptação corresponda, no teatro, à que tem no romance, na literatura. Mas o espírito e a grandeza de Dostoiévski estão presentes o tempo inteiro no palco, na montagem do elenco do Teatro Estável de Gênova.
Diferentemente da maioria das adaptações, que empobrecem o original, o texto de Fabbri procura reter-lhe todas as linhas e as personagens principais, simplificando apenas o que romperia a necessária unidade. No livro, por exemplo, Chatov reencontra a esposa. Na peça, ele é solteiro e mostra, antes de ser assassinado, o desejo de constituir família e viver em paz. Fabbri preserva e explora meia dúzia, ao menos, de cenas geniais, que sozinhas, são superiores a noventa por cento da literatura dramática.
Os grandes momentos do romance revivem no palco. E estão definidas, com admirável poder de síntese, suas figuras centrais - Stavroguin, Piotr Stepanovich, Chatov e Kirillov. Em rápidas iluminações, justifica-se porque eles se situam entre as personagens fundamentais da história literária. "Demônios" revolucionários, que se acham na trilha de uma santidade especial, mas que o autor, já recolhido da experiência subversiva da juventude, condena com infinita compreensão, acreditando que a Rússia deve ser exorcizada de sua presença.
Stavroguin, sobretudo, por mais que possa estar indicado na narrativa, e se confesse ao bispo Tikhon, guarda um segredo que o suicídio cobre iremediavelmente. Mostrar-lhe os traços genéricos é simples: verdadeiro Don Juan das estepes, indivíduo de força extraordinária, que leva os outros à irrestrita adoração ou ao total repúdio (e é por isso considerado por Piotr o homem necessário para liderar o movimento revolucionário), sádico tremendo e masoquista ainda maior, parece incapaz de amar e de empenhar-se a fundo em qualquer coisa, definindo-se, para Romano Guardini, como a encarnação do mais tenebroso livro de Kierkegaard, O Conceito da Angústia.
"Como tinha caído muito baixo", Chatov dá-lhe em público uma bofetada, sem que ele reaja, quando a coragem e o destemor o caracterizam. Ele próprio diz a Daria Pavlovna: "Não consigo empenhar-me verdadeiramente nem no bem, nem no mal: eis a minha condição; poderei um dia encontrar alguma coisa em que empenhar-me a fundo, com toda a minha pessoa?" Logo adiante esclarece: "...vocês todos acreditaram que eu fosse um deus...e, ao invés, era um medíocre". Mas, em lugar de considerarmos deserto o coração de Stavroguin, o que já passou em julgado para a crítica, temos vontade de acreditá-lo sensível e grande demais, nesse desespero de quem não consegue resolver no plano das limitações humanas sua imensa ternura.
A psicanálise encontraria a chave de Stavroguin na confissão que ele faz a Tikhon (apêndice subtraído ao romance pelo autor e incorporado por Fabbri à peça), segundo a qual possuiu uma menina e deixou que ela se enforcasse, certa de ter morto Deus. Foi o profundo sentimento de culpa, sem dúvida, que o levou a sentir-se responsável por toda a história da menina, e é pelo desejo de punir-se que se casa com uma aleijada, ademais doente mental. Chatov já havia visto nesse matrimônio a paixão do martírio e a volúpia moral, esse prazer da vergonha e do castigo.
Fica-se ainda em dúvida se é a indiferença ou a perversidade que induz Stavroguin a dar dinheiro para a supressão de Maria, ou se é a delicadeza moral que o obriga a sentir-se responsável pelo crime, já que poderia prevê-lo e evitá-lo. A aventura humana de Stavroguin, porém, não se reduz às coordenadas psicológicas. Ele não se empenha no bem e no mal porque está acima dessas categoria éticas, no plano efetivo do "demônio" que deseja substituir-se a Deus, ressentido com o poder do criador.
Numa demonstração inequívoca de orgulho transcendente, Stavroguin fala ao bispo: "...Não me basta nem o seu perdão, nem o dos outros, nem o de Deus, nem...o de Cristo! Sou eu que me quero perdoar". A impossibilidade de admitir a condição conduz Stavroguin ao suicídio. Não se sabe até que ponto a visão de Tikhon, prevendo o que sucederá a Stavroguin, mas impotente para evitá-la, se assemelha à atitude daqueles que não impediram o desespero final de Judas.
O itinerário de Stavroguin decorre da experiência sentimental e o de Kirillov, que se pode considerar uma réplica metafísica do amigo, surge como espantosa elaboração da inteligência. Não há, talvez, na peça de Fabbri, personagem mais bem talhada, aproveitando, aliás, os diálogos do romance.
A primeira aparição de Kirillov já o lança em seu clima. Diz ele a Stavroguin, enquanto brinca com uma criança: "Você sabe o que penso: que a morte não existe - existe apenas a vida". Esclarece que não se trata de vida futura: "Creio na eternidade da vida, simplesmente. Existem instantes em que o tempo pára e se torna eternidade". O conceito de harmonia se enriquece com o de liberdade e de absoluto, no diálogo de Piotr. "Se não existe Deus, sou eu - homem - que sou Deus".
E explica: "Se Deus existe, toda a vontade está nele, e eu não posso substrai-me à sua vontade; mas se Deus não existe, então minha vontade é soberana! E tenho o dever de afirmar minha absoluta liberdade, isto é, afirmar o arbítrio!" Aduz: "...Tenho o dever de matar-me; porque a plenitude do meu arbítrio - a minha suprema liberdade - é suicidar-me!"
Kirillov justifica-se intelectualmente, dizendo ser o único homem que se matará por arbítrio: "O homem não fez outra coisa senão inventar Deus para poder viver sem matar-se. Eu só, pela primeira vez na história universal, não quis inventar Deus". Tem uma última explicação, antes do suicídio: "...mas se as leis da Natureza não pouparam nem a 'Ele' (Cristo), se não pouparam nem o seu próprio milagre, mas o obrigaram também a viver em meio da mentira e a morrer pela mentira, isso significa que todo o planeta não é senão mentira e se assenta na mentira, e numa estúpida zombaria. Por que viver, então?"
Mais uma vez revolta, impossibilidade de aceitar a condição humana, ressentimento pela precariedade do destino, ciúme de Deus. Os niilistas de Dostoiévski nunca puderam suprimir a imagem daquele que pretendiam negar. O desprezo de Kirillov por tudo faz que ele admita confessar a autoria dos horrores que não praticou, assinando a declaração em francês, numa última prova de desapreço pela sociedade.
Tanto Kirillov como Stavroguin movem-se numa esfera individual, em que procuram resolver intimamente suas contradições. O "demônio" de Piotr Stepanovitch tem ação social marcada, isto é, arquiteta na prática o terror. Ninguém melhor do que ele ilustra a teoria de que os fins justificam os meios, colocando de cambulhada, na luta revolucinária, seus grandes ressentimetnos pessoais: o abandono em que o deixou o pai, e assassinando Chatov - como lhe disse Kirillov - não por ser um traidor, mas porque recebera dele, há tempos, uma cusparada na cara.
Não importam, contudo, os motivos de Piotr. Vale a pena conhecer seus ideais de paz social: "...é preciso que se instaure a obediência!" "A sede de instrução é já uma sede aristocrática". "Existindo a família e o amor, aparece logo o desejo de propriedade. Nós mataremos o desejo". Quer ele, com efeito, um ideal de mediocridade, em que os homens terão o que comer em troca da servidão. Seria Piotr um revolucionário russo ou um precursor dos totalitarismos?
Já Chatov foi exorcizado, reconhecendo-se em seus traços, como quer a crítica, o próprio Dostoiévski. Sente-se nele a encarnação do pan-eslavismo cristão do romancista. Chatov professa o que ouvira há tempos de Stavroguin: "Um ateu não pode ser russo; o ateu deixa logo de ser russo...", "...o único povo portador de Deus no mundo é o povo russo...porque o catolicismo romano não é mais cristianismo...O nosso povo é o próprio corpo de Cristo!"
Também ele concita Stavroguin a desfraldar uma bandeira, embora diferente da de Piotr: "A bandeira do povo russo à procura de Deus!" No diálogo com Kirillov, diz Chatov que eles adoeceram de heroísmo, e não lhe agradam mais os homens exepcionais. Essa completa aceitação da humanidade não parece melhor sucedida para Dostoiévski, já que, antes de ingressar na beatitude da vida comum, Chatov é sacrificado por Piotr. Não se poupará os que desejam ir longe demais, nem or próprios inocentes?
Não se pode negar que esse mundo é bem de Dostoiévski. O que valida Os Demônios de Fabbri. Mas, além do mérito dessa e de outras adaptações cênicas da obra dostoievskiana, vale a pena lembrar a influência que ela exerceu sobre os dramaturgos. E, no caso do Brasil, a admiração que Nelson Rodrigues, nosso maior autor, sempre devotou ao romancista, considerando-o a marca definitiva em seu teatro.
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Extraído de Depois do Espetáculo, Editora Perspectiva/2003
segunda-feira, 30 de abril de 2012
Teatro/CRÍTICA
"Antes que você me toque"
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Deliciosa e enriquecedora jornada
Lionel Fischer
No início - dizem - era o Verbo. No meio - sem nenhum duplo sentido - não sei o que havia. Mas hoje, não há como negar que o sexo é um componente fundamental em nossas vidas. Nunca se transou tanto como agora. Nunca a propaganda, seja lá do que for, investiu tanto em apelos eróticos. Nunca se cuidou tanto do corpo, obviamente com o propósito de exibi-lo e gerar desejo. Nunca, enfim, a humanidade investiu tanto no sexo e o praticou em tantas variáveis. Ainda assim, ouso supor que não haja um justa correspondência entre tal investimento e a felicidade que supostamente deveria gerar. Por que será?
Como não sou psicanalista, sociólogo e muito menos sexólogo, não sei exatamente a que atribuir tal descompasso. Mas é bem possível que o presente espetáculo ajude o espectador a compreender melhor uma série de questões que envolvem o ato de entregar-se fisicamente a alguém. Com dramaturgia assinada por Claudia Mele (idealizadora do projeto) e Ivan Sugahara (também responsável pela direção), "Antes que você me toque" está em cartaz na Boate 2a2, casa noturna exclusiva para casais que curtem o voyeurismo, o exibicionismo e os adeptos do swing. No elenco, Claudia Mele, Cristina Lago, Igor Angelkorte e Saulo Rodrigues.
"Com a abordagem de temas diversos como a descoberta do sexo, o jogo de sedução, o exercício da volúpia, a falta de afeto, o amor e as dificuldades da relação a dois, a peça propõe um questionamento sobre a sexualidade no mundo contemporâneo". Este trecho, extraído do release que me foi enviado, sintetiza os principais temas abordados no espetáculo, que mescla ficção e vivências de toda a equipe de criação que, além dos profissionais já citados, inclui Livia Paiva. E dentre todos os temas, um me parece o mais crucial: a falta de afeto.
Como já deixei claro acima, não sou um especialista no assunto. Mas me parece óbvio que, quando fazemos sexo sem amor, enveredamos para o trágico. Sim, pois tudo passa a se resumir a patéticas tentativas de se demonstrar habilidade, a mera performance, através da qual homens e mulheres - sobretudo os homens - se empenham desesperadamente em dar prazer ao outro, totalmente esquecidos de que o dito prazer não pode excluir, em hipótese alguma, uma entrega de almas. E o momento mais tocante do espetáculo é justamente o que mostra o dilacerante encontro de um homem e uma mulher que não se conheciam e resolvem ir para a cama - é claro que não entrarei em maiores detalhes, pois isso privaria o espectador de usufruir o impacto de uma cena belíssima.
Bem escrito, contendo ótimos personagens (fruto, como já disse, de ficção e realidade), muitas vezes tocante e ao mesmo tempo exibindo cenas engraçadíssimas, "Antes que você me toque" recebeu excelente versão cênica de Ivan Sugahara, que explora com grande imaginação vários espaços da boate e jamais, que fique bem claro, submete a platéia a qualquer tipo de constrangimento. Muito pelo contrário: atores e espectadores se irmanam numa deliciosa e enriquecedora jornada.
Quanto aos atores, torna-se evidente seu visceral envolvimento com todas as questões levantadas pelo espetáculo que ajudaram a criar. Todos exibem charme, carisma, verdade, humor, delicadeza, perplexidade, tristeza, tesão, enfim, incontáveis sentimentos, afora notável capacidade de entrega. A todos, portanto, parabenizo em igual medida e a todos agradeço a inesquecível festa para a qual fui convidado.
Na equipe técnica, são de excelente nível as contribuições de Nello Marrese (cenografia), Renato Machado (iluminação) e Ivan Sugahara (trilha sonora). Mas não há como não conferir um destaque todo especial para os maravilhosos figurinos de Tarsila Takahashi, em alguns momentos lindíssimos e em outros deliciosamente críticos e hilariantes.
ANTES QUE VOCÊ ME TOQUE - Dramaturgia de Claudia Mele e Ivan Sugahara. Direção de Ivan Sugahara. Com Claudia Mele, Cristina Lago, Igor Angelkorte e Saulo Rodrigues. Boate 2a2. Quinta a sábado, 20h30.
"Antes que você me toque"
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Deliciosa e enriquecedora jornada
Lionel Fischer
No início - dizem - era o Verbo. No meio - sem nenhum duplo sentido - não sei o que havia. Mas hoje, não há como negar que o sexo é um componente fundamental em nossas vidas. Nunca se transou tanto como agora. Nunca a propaganda, seja lá do que for, investiu tanto em apelos eróticos. Nunca se cuidou tanto do corpo, obviamente com o propósito de exibi-lo e gerar desejo. Nunca, enfim, a humanidade investiu tanto no sexo e o praticou em tantas variáveis. Ainda assim, ouso supor que não haja um justa correspondência entre tal investimento e a felicidade que supostamente deveria gerar. Por que será?
Como não sou psicanalista, sociólogo e muito menos sexólogo, não sei exatamente a que atribuir tal descompasso. Mas é bem possível que o presente espetáculo ajude o espectador a compreender melhor uma série de questões que envolvem o ato de entregar-se fisicamente a alguém. Com dramaturgia assinada por Claudia Mele (idealizadora do projeto) e Ivan Sugahara (também responsável pela direção), "Antes que você me toque" está em cartaz na Boate 2a2, casa noturna exclusiva para casais que curtem o voyeurismo, o exibicionismo e os adeptos do swing. No elenco, Claudia Mele, Cristina Lago, Igor Angelkorte e Saulo Rodrigues.
"Com a abordagem de temas diversos como a descoberta do sexo, o jogo de sedução, o exercício da volúpia, a falta de afeto, o amor e as dificuldades da relação a dois, a peça propõe um questionamento sobre a sexualidade no mundo contemporâneo". Este trecho, extraído do release que me foi enviado, sintetiza os principais temas abordados no espetáculo, que mescla ficção e vivências de toda a equipe de criação que, além dos profissionais já citados, inclui Livia Paiva. E dentre todos os temas, um me parece o mais crucial: a falta de afeto.
Como já deixei claro acima, não sou um especialista no assunto. Mas me parece óbvio que, quando fazemos sexo sem amor, enveredamos para o trágico. Sim, pois tudo passa a se resumir a patéticas tentativas de se demonstrar habilidade, a mera performance, através da qual homens e mulheres - sobretudo os homens - se empenham desesperadamente em dar prazer ao outro, totalmente esquecidos de que o dito prazer não pode excluir, em hipótese alguma, uma entrega de almas. E o momento mais tocante do espetáculo é justamente o que mostra o dilacerante encontro de um homem e uma mulher que não se conheciam e resolvem ir para a cama - é claro que não entrarei em maiores detalhes, pois isso privaria o espectador de usufruir o impacto de uma cena belíssima.
Bem escrito, contendo ótimos personagens (fruto, como já disse, de ficção e realidade), muitas vezes tocante e ao mesmo tempo exibindo cenas engraçadíssimas, "Antes que você me toque" recebeu excelente versão cênica de Ivan Sugahara, que explora com grande imaginação vários espaços da boate e jamais, que fique bem claro, submete a platéia a qualquer tipo de constrangimento. Muito pelo contrário: atores e espectadores se irmanam numa deliciosa e enriquecedora jornada.
Quanto aos atores, torna-se evidente seu visceral envolvimento com todas as questões levantadas pelo espetáculo que ajudaram a criar. Todos exibem charme, carisma, verdade, humor, delicadeza, perplexidade, tristeza, tesão, enfim, incontáveis sentimentos, afora notável capacidade de entrega. A todos, portanto, parabenizo em igual medida e a todos agradeço a inesquecível festa para a qual fui convidado.
Na equipe técnica, são de excelente nível as contribuições de Nello Marrese (cenografia), Renato Machado (iluminação) e Ivan Sugahara (trilha sonora). Mas não há como não conferir um destaque todo especial para os maravilhosos figurinos de Tarsila Takahashi, em alguns momentos lindíssimos e em outros deliciosamente críticos e hilariantes.
ANTES QUE VOCÊ ME TOQUE - Dramaturgia de Claudia Mele e Ivan Sugahara. Direção de Ivan Sugahara. Com Claudia Mele, Cristina Lago, Igor Angelkorte e Saulo Rodrigues. Boate 2a2. Quinta a sábado, 20h30.
sexta-feira, 27 de abril de 2012
Centro Cultural Justiça Federal
Programação de Maio
Artes Plásticas
Ocupando 5 galerias, a exposição faz uma retrospectiva do badalado site canetalentepincel.blogspot.com, que propõe o diálogo entre literatura, artes plásticas e fotografia. A mostra apresenta obras inéditas em salas temáticas, como o Telefone Sem Fio artístico, em que 20 artistas criaram trabalhos em sequência inspirando-se na obra imediatamente anterior.
Curadoria: Vivian Faingold
Visita orientada com a curadora nos dias 8, 11* e 15 , às 17h30
Até dia 20
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Galerias do 1º andar
Fotografia
Mosaico Minuto 2011 *
Exposição digital das fotografias clicadas no mesmo dia e horário (19/08/11), em diversos lugares e por diversos fotógrafos, resultantes do projeto coletivo Mosaico Minuto 2011, que homenageia o Dia Mundial da Fotografia. Haverá também uma palestra na biblioteca discorrendo sobre o Dia Mundial da Fotografia, os resultados dos projetos no ano anterior e orientações sobre como participar da versão 2012 do projeto.
Curadoria: Marcos Sêmola
*Visita orientada dia 26, às 16h.
De 23/05 a 22/07
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Espaço Virtual
Marcelo Carnaval
A mostra conta com 25 fotos coloridas de um cotidiano que passa despercebido do carioca. Marcelo Carnaval aborda um espaço popular em todo o mundo mas sub-explorado no Brasil: o Metrô. Ele nos leva a locais não abertos ao público e a visões de outros em que passam todos os dias milhares de pessoas. “O metrô é um local meio mágico” – diz Carnaval – “onde os opostos coexistem. O apressado aprende a ir mais devagar enquanto o calmo acelera. O alienado se informa nem que seja no jornal do vizinho. É o lugar onde o barulho dá sono.”
De 24/05 a 01/07
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Gabinete de Fotografia
Rocinha S/A
As imagens mostram os contrastes e confrontos da favela carioca, declarada bairro por decreto municipal, formada por 18 sub-bairros e habitada por pessoas de poder aquisitivo diverso. O prestigiado fotógrafo Alcyr Cavalcanti registrou, desde o final dos anos 80, algumas das transformações ocorridas, com destaque para as intervenções executadas pelo aparato repressivo do Estado.
Visita orientada com o fotógrafo no dia 03, às 18h
Até dia 13
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Gabinete de Fotografia
Simplesmente Doisneau
Uma iniciativa da Aliança Francesa do Brasil, Simplesmente Doisneau é o título da exposição, inédita no país, que celebra o centenário de nascimento de Robert Doisneau. Um dos maiores nomes da história da fotografia mundial, desde o início da carreira ele se mostrou apaixonado pela poesia do cotidiano, a ponto de desenvolver um novo modo de pensamento visual, audácia esta colocada a serviço de um pensamento social rigoroso. Influenciado pelas obras de Henri Cartier-Bresson, Eugène Atget e André Kertész, ganhou fama por fotografar a vida social de Paris e de seus arredores, sem distinção de classe social: uma visão da fragilidade humana e das contradições da vida. Robert Doisneau morreu em 1994.
Curadoria: Agnès de Gouvion Saint-Cyr
Até 24/06
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Galerias do 2º andar
Heterogêneo – Um retrato da diversidade*
Exposição digital de retratos do carioca Leo Neves, que registrou a Parada do Orgulho LGBT 2011, em São Paulo. Um estúdio portátil foi montado na Avenida Paulista usando uma octabox adaptada para um flash compacto e usando uma parte da fachada de um prédio comercial como fundo.
Curadoria: Vivian Faingold
*Visita orientada dia 09, às 18h.
Até dia 13
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Espaço Virtual
Help Portrait *
A exposição divulga o projeto Help Portrait, fundado pelo fotógrafo de celebridades Jermy Cowart, em 2009. As ações do projeto vêm juntando fotógrafos e voluntários ao redor do mundo em favor de suas respectivas comunidades. A ideia é simples: encontre alguém sem condições de arcar com o custo de uma fotografia profissional; retrate esta pessoa; imprima; ofereça a fotografia ao retratado. Em dezembro, o fotógrafo Léo Neves organizará uma ação no CCJF, direcionada ao público do Rio de Janeiro.
Curadoria: Vivian Faingold
*Visita orientada dia 09, às 18h.
Até dia 13
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Galeria do Térreo
Documentário
Home – Nosso Planeta, Nossa Casa
Após sofrer várias interferências humanas, todas as riquezas da Terra correm risco. Agora, a solução se mostra cada vez mais difícil de ser encontrada. Ao nos oferecer imagens inéditas de mais de 50 países vistos do céu, compartilhando sua admiração tanto quanto sua preocupação, Yann Arthus Bertrand propõe, com este filme, um desafio de superação para toda a humanidade.
Direção: Yann Arthus-Bertrand
Dias 01, 02 e 08,
às 17h e às 19h
R$1
Cinema
93 min
Diversidade em Animação 2012 – 4ª edição * / festival
Diversidade em Animação é o festival internacional oficial da Animação LGBT destinado aos cinéfilos, amantes de arte, cineastas e apreciadores dos desenhos animados LGBT em todo o mundo. Competição internacional de curtas, debate, mostras especiais e retrospectivas compõem a programação do festival.
Programação e classificação indicativa: www.diversidadeemanimacao.com.br
No dia 5, às 15h30, haverá o debate O Futuro do Cinema de Animação LGBT. Entrada franca com distribuição de senhas 1 hora antes.
Curadoria: Alexander Vinícius de Mello
De 04 a 13, das 14h30 às 21h30
(não haverá sessões nos dias 07 e 08)
R$12 e R$6(meia)
Cinema
Mostra PUC de Cinema
O CCJF e a PUC-Rio promovem uma mostra de curtas-metragens de documentário e ficção realizados por alunos do curso de cinema da universidade. A mostra apresentará 25 curtas produzidos nos últimos cinco anos e contará, ainda, com sessões de debates, possibilitando uma incursão na experiência da produção cinematográfica universitária.
Programação e classificação indicativa: www.ccjf.trf2.gov.br
Curadoria: Marcelo Taranto e José Mariani
De 12 a 14, quinta a sábado
Sessões às 15h e às 18h
R$2 e R$1 (meia)
Cinema
3º Cinefoot 2012– Festival
de Cinema de Futebol
O festival alia a magia do futebol à emoção do cinema, levando às telas imagens que ocupam o imaginário dos brasileiros e que marcaram para sempre a memória e o coração de inúmeras gerações.
Programação e classificação indicativa: www.cinefoot.org
Curadoria: Antônio Leal
De 31/05 a 03/06,
das 14h30 às 21h30
Entrada franca
Senhas 1h antes de cada sessão
Cabeça de Vento / peça infantil
Léo é um menino de oito anos, apaixonado por pipas, brincadeira que aprendeu com seu pai. Ao ganhar de presente um livro que pertenceu a ele, faz um mergulho na História, entrando em contato com três figuras marcantes: o cientista norte-americano Benjamin Franklin, a guerreira e rainha chinesa Fu Hao, e Ricardo Coração de Leão, rei da Inglaterra.
Com Eduardo Almeida, Jan Macedo e Luciana Zule
Texto e direção: Cleiton Echeveste
Até dia 06
Sábados e domingos, às 16h
R$20 e R$10 (meia)
Teatro
50 min
Senhora Solidão / peça adulta
A peça conta a história de quatro solitários que, ao se encontrarem, revisitam suas memórias, brincando de reconstruir o que os desagradou no passado e de se visualizarem no futuro. A terapia não convencional executada flerta com elementos do psicodrama, criado pelo romeno Jacob Levy Moreno.
Com Alex Nader, Carine Klimeck, Cristina Fagundes e Luis Lobianco.
Texto e direção: Leandro Muniz
Até dia 06
Sexta a domingo, às 19h
R$20 e R$10 (meia)
Teatro
70 min
“Abram-se os Histéricos!”*
O espetáculo é inspirado nas aulas públicas realizadas pelo psiquiatra Jean-Martin Charcot no hospital La Salpêtrière, em Paris. Na época – final do século XIX – a grande novidade médica, literária e até mesmo mundana era a histeria. Nesse contexto, Charcot usava pacientes hipnotizados em suas aulas, fazendo da exposição de suas convulsões, paralisias, ataques e delírios verdadeiros espetáculos teatrais e operísiticos, abertos a um público de convidados leigos.
Com Aline Deluna, Berenice Xavier, Evandro Manchini, Jano Moskorz, Lourival Prudêncio, Marina Magalhães, Marina Salomon e Patrícia Niedermeier.
Texto: Antonio Quinet e Regina Miranda
Direção: Regina Miranda
Até dia 17
Quartas e quintas, às 19h
R$30 e R$15 (meia)
Teatro
80 min
Série Estações da Ópera *
Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini
A ópera cômica em um ato conta as peripécias de uma família prestes a colocar a mão na fortuna de um parente morto com a ajuda do velhaco Gianni Schicchi.
Com Ciro D’Araújo, Ivan Jorgensen, Manuela Vieira, Marianna Lima, Diana Maron, Andressa Ignacio, Demades Gomes, Deividi Rasga, Daniel Soren, Patrick Oliveira, Allan Souza, Gabriel Costa, Leo Perin, Ana Luísa Serpa e Danielle Gregorio.
Direção cênica: Ana Vanessa
Dias 19 e 20
Sábados e domingos, às 19h
R$30 e R$15 (meia)
Teatro
60 min
Janelas para a literatura: explorando a linguagem dos blogs / curso
Você sabe o que é blog, conhece suas ferramentas, mas acha postar com regularidade um desafio. Você acompanha alguns blogs e até escreve, de vez em quando, mas não sabe como utilizar a linguagem e as possibilidades desse meio a seu favor, seja para divulgação de ideias autorais, impressões ou para manifestar suas predileções literárias.
Em qualquer dos casos acima, este curso é para você.
Informações e inscrições: plumagenz@plumagenz.com.br, 2225-7186 e 7685-1002
Dias 08, 15, 22 e 29 de maio e 05 de junho, terças,
das 19h às 21h
R$280
Sala Multimídia
Oficina de poesia falada*
Estabelecendo como referência questões de ordem musical, o curso trabalhará a declamação poética com vistas a tornar a performance dos alunos mais viva e sensível. Para iniciantes e iniciados.
Professor: João Pedro Fagerlande
Informações e inscrições: oficinapoesiafalada@gmail.com
Dias 05, 12, 19 e 26 de maio e 02 de junho, sábados,
das 15h às 17h
R$150,00 ou
R$ 120,00 (estudantes)
Sala Multimídia
História do Brasil e a música popular: a memória e o som*
/ curso
O curso tem como foco a história da música popular no Brasil desde os seus primórdios, propondo reflexões sobre suas relações e inserções na história geral do país e suas perspectivas. Professor: Paulo Roberto Luna Almeida
Módulo I: 09 e 16 de maio; Módulo II: 23 e 30 de maio; Módulo III: 06 e 13 de junho; Módulo IV: 20 e 27 de junho
Informações e inscrições: edlunamar@gmail.com e 8130-1748
Das 19h às 21h
R$ 160 ou
R$ 40 por módulo
Sala Multimídia
Jurandy da Feira Canta Gonzagão – Lançamento de CD
Jurandy Ferreira Gomes, batizado por Luiz Gonzaga com o nome artístico de Jurandy da Feira, teve quatro de suas composições gravadas pelo Rei do Baião. Com o lançamento desse CD, Jurandy homenageia Gonzagão, no ano do centenário de seu nascimento, e resgata um pouco da discografia deste importante artista brasileiro.
Dia 01, terça, às 18h30
R$20 e R$10(meia)
Teatro
90 min
Série Excelência Musical *
A série traz ao palco do CCJF grandes nomes da MPB e apresenta artistas de inegável qualidade para o público carioca, contribuindo para a formação de plateia com o melhor da música.
Dia 08 – Marcel Powell apresenta vários estilos musicais, que vão desde Lamartine Babo até o jazz atual passando por clássicos da MPB e também composições de Baden Powell, seu pai.
Dia 15 – Christiano Sauer, cantor e multi-instrumentista, apresenta canções de grandes compositores que são revisitadas com uma linguagem contemporânea destacando a influência africana na música das Américas.
Terças, às 19h
R$30 e R$ 15(meia)
Teatro
90 min
Série Sessão de Música *
A série apresenta a música de câmara executada por jovens de inegável talento. Em maio, o palco do CCJF recebe a Camerata Sinfônica do Rio de Janeiro, sob a regência de Pedro Borges. No repertório: obras de Francisco Mignone, Guerra-Peixe, Camargo Guarnieri e Villa-Lobos.
Dia 09, quarta, às 15h
Contribuição voluntária
Sala de Sessões
60 min
Série Música no Museu
Inaugurada em dezembro de 1997 no MNBA com o violonista Turíbio Santos, a série conta hoje, ainda que alternada ou esporadicamente, no Rio de Janeiro, com 42 dos melhores museus e centros culturais cariocas, além de lindas igrejas. O projeto ajudou a formar novas plateias, facilitando e incentivando a presença de crianças e jovens aos concertos. Programação: www.musicanomuseu.com.br
Dia 11, sexta, às 15h, no Teatro
Dia 17, quinta, às 18h, na Sala de Sessões
Dia 18, sexta, às 15h, no Teatro
Entrada franca
Senhas 1h antes de cada espetáculo
Cia. Bachiana Brasileira – Coro, Camerata e Solistas
O alto padrão de qualidade com que executa do colonial brasileiro e barroco europeu à música contemporânea explica a posição ímpar que a Cia. Bachiana Brasileira ocupa hoje no cenário musical. O concerto apresentará pequenas jóias do imortal compositor alemão Johann Sebastian Bach com a sonoridade exclusiva do coro, camerata e solistas.
Direção e regência: Maestro Ricardo Rocha
Dia 11, sexta, às 19h
R$ 30 e R$ 15(meia)
Sala de Sessões
70 min
Série Música Para os Olhos
A série, com a produção de Saulo Chermont, oferece ao público, a cada encontro, a oportunidade de apreciar orquestras e conjuntos de câmara, com seus diferentes instrumentos musicais. As cordas, os sopros e a percussão fazem parte desse universo instrumental. As apresentações são realizadas através de projeções de videoconcertos seguidas de comentários. Na edição de maio, teremos sonatas para violoncelo e piano dos compositores Frédéric Chopin, Claude Debussy e Johannes Brahms, de raríssimas execuções, com o pianista András Schiff e o violoncelista Miklós Rérényi.
Dia 13, domingo, às 16h
R$ 20 e R$ 10(meia)
Sala Multimídia
120 min
Sakra Buraja
O duo formado pelo tcheco Vladimir Cháb (saxofone) e o colombiano Aldo Zolev (baixo) procura explorar as fronteiras musicais através de suas composições, numa fusão de energia e improvisação. O projeto une a forte tradição musical da Europa Central e do Leste com a world music.
Dia 18, sexta, às 19h
R$20 e R$10(meia)
Sala de Sessões
80 min
Série Violões da Av-Rio
Leo Moreira e Orquestra de Violões da AV-Rio
O professor e concertista Leo Moreira e a Orquestra de Violões da AV-Rio apresentarão obras de Fernando Sor, Radamés Gnattali, Pauxy Gentil-Nunes, Bach e Michael Jackson, entre outros. A série promove a divulgação do violão, em todas as modalidades possíveis, com instrumentistas destacados e estudantes de música.
Dia 19, sábado, às 17h
R$6 e R$3(meia)
Sala de Sessões
70 min
Série Desafios Musicais *
Especial Lang Lang
Em maio, a série produzida por Saulo Chermont antecipa a vinda do virtuose chinês Lang Lang ao Rio, com um programa inteiramente executado pelo pianista. Em recitais gravado em Nova York, Viena e Londres, Lang Lang interpreta, com sua musicalidade ímpar, obras de Chopin, Liszt, Schumann e Schubert. A apresentação e a palestra ficarão a cargo do Prof. Rodolfo Valverde.
Dia 19, sábado, às 16h
R$ 30 e R$ 15 (meia)
Cinema
*Dia 20, domingo, às 17h
Entrada franca
Sala Multimídia
120 min
Sopros Musicais *
A série traça um painel da produção musical para conjuntos de sopros do final do século XVIII até os dias atuais. Serão apresentadas algumas das obras mais significativas do repertório composto originalmente para sopros abrangendo diferentes períodos e estilos musicais, privilegiando, também, a produção musical brasileira e contemporânea. Os concertos serão realizados pela Camerata de Solistas da Banda Filarmônica do Rio de Janeiro, em formações que variam entre seis e dezessete músicos.
Direção e regência: Antonio Henrique Seixas
Dia 22, terça, às 19h
R$5 e R$2,50(meia)
Teatro
70 min
Cantares – Grupo Vocal
Madrigal Contemporâneo *
O projeto Cantares vai realizar uma série de quatro concertos, ao longo de 2012, onde a voz é o tema central. Em maio será a vez do grupo Madrigal Contemporâneo, criado em 2008 sob a regência de Danielly Souza e composto por oito integrantes.
Dia 25, sexta, às 18h30
R$2 e R$1(meia)
Sala de Sessões
60 min
Shalom Salam – Lançamento de CD
O compositor e instrumentista Wagner Cinelli, acompanhado de sua banda, lança o CD Shalom Salam, com músicas de sua autoria. O show conta também com canções consagradas da MPB que clamam por um mundo melhor como Rosa de Hiroshima e A Paz.
Dia 29, terça, às 19h
R$20 e R$10(meia)
Teatro
70 min
Série Música na Cidade *
O multi-instrumentista de sopros Carlos Malta recebe um músico convidado para apresentação acústica na Sala de Sessões.
Dia 30, quarta, às 19h
R$30 e R$15(meia)
Sala de Sessões
70 min
Série Prelúdio 21 – Música do Presente*
Quando o Prelúdio 21 começou suas atividades, no final do século XX, cada compositor entrava em contato com intérpretes diferentes e o concerto tinha diversos músicos e formações instrumentais. Com o amadurecimento, o grupo adotou um outro formato, em que todos compõem para os mesmos intérpretes. Mas, uma vez ao ano, o Prelúdio 21 realiza o concerto De volta às Origens, onde esse caleidoscópio de sons pode ser experimentado pela plateia.
Dia 26, sábado, às 15h
Entrada franca
Teatro
90 min
Projeto (Re) Conhecendo a Biblioteca do CCJF
Uma experiência de intercâmbio cultural / bate-papo
A partir da experiência de realização do projeto A Terra Vista do Céu, serão expostos, por membros da equipe da Bonfilm, empresa do ramo da produção cultural, diversos tópicos sobre os desafios de se realizar projetos culturais com temáticas internacionais e abrangência nacional.
Dia 24, quinta, às 19h
Entrada franca
Sala de Leitura
O livro A Terra Vista do Céu encontra-se na biblioteca do CCJF para consulta.
Terça a domingo
12h às 17h
Projeto Educativo
A Terra Vista do Céu
O Projeto Educativo A Terra Vista do Céu é uma parceria com a mostra que fica em cartaz na Cinelândia e promoverá exibições gratuitas, para grupos escolares, do documentário Home – Nosso Planeta, Nossa Casa, de Yann Arthus-Bertrand. O projeto, que é uma reflexão sobre a preservação do planeta e o futuro da humanidade, acontece no ano da Rio + 20, conferência mundial das Nações Unidas sobre o desenvolvimento sustentável.
Até 24/06
Ação educativa Caneta, Lente e Pincel / oficina infanto-juvenil
A atividade iniciará com uma visita à exposição Caneta, Lente e Pincel e, após, os participantes serão estimulados a criar um trabalho plástico e/ou escrito baseado na proposta da exposição. Direcionada ao público infanto-juvenil.
Dia 03, quinta, às 15h
Galerias do 1º andar
Oficina literária Caneta, Lente e Pincel / oficina
Uma ideia inovadora que surgiu há três anos e tornou-se um badalado blog. Estamos falando do Caneta, Lente e Pincel, que une as mais diversas vertentes artísticas. A proposta é simples: a partir de uma imagem – vídeo, fotografia, pintura, desenho, etc – ou música cria-se um texto, ou vice-versa. Ministrada por Maria Emília Algebaile.
Dia 18, sexta, das 15h às 17h
Sala Multimídia
Vagas limitadas
Mediante inscrição por telefone
Inscrições: 3261-2567, 3261-2552
Série Justiça e Pensamento
Direito Ambiental e Direitos Culturais: Compatíveis ou Inconciliáveis? / bate-papo
Com a proximidade da reunião da ONU, Rio+20, é oportuno o debate sobre as possibilidades de compatibilizar a proteção ambiental prevista em nosso ordenamento jurídico com os direitos estabelecidos na Constituição Federal para a preservação das tradições culturais de diversos grupos, como índios, remanescentes de quilombos e outros grupos étnicos formadores da nação.
Palestrante: Ronaldo Joaquim da Silveira Lobão (doutor em Antropologia e professor da UFF)
Coordenação: Helena Elias (juíza federal)
Organização: Ajufe e Ajuferjes
Inscrições no local
Dia 22, terça, das 18h30 às 20h30
Entrada franca
Cinema
Programação de Maio
Artes Plásticas
Ocupando 5 galerias, a exposição faz uma retrospectiva do badalado site canetalentepincel.blogspot.com, que propõe o diálogo entre literatura, artes plásticas e fotografia. A mostra apresenta obras inéditas em salas temáticas, como o Telefone Sem Fio artístico, em que 20 artistas criaram trabalhos em sequência inspirando-se na obra imediatamente anterior.
Curadoria: Vivian Faingold
Visita orientada com a curadora nos dias 8, 11* e 15 , às 17h30
Até dia 20
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Galerias do 1º andar
Fotografia
Mosaico Minuto 2011 *
Exposição digital das fotografias clicadas no mesmo dia e horário (19/08/11), em diversos lugares e por diversos fotógrafos, resultantes do projeto coletivo Mosaico Minuto 2011, que homenageia o Dia Mundial da Fotografia. Haverá também uma palestra na biblioteca discorrendo sobre o Dia Mundial da Fotografia, os resultados dos projetos no ano anterior e orientações sobre como participar da versão 2012 do projeto.
Curadoria: Marcos Sêmola
*Visita orientada dia 26, às 16h.
De 23/05 a 22/07
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Espaço Virtual
Marcelo Carnaval
A mostra conta com 25 fotos coloridas de um cotidiano que passa despercebido do carioca. Marcelo Carnaval aborda um espaço popular em todo o mundo mas sub-explorado no Brasil: o Metrô. Ele nos leva a locais não abertos ao público e a visões de outros em que passam todos os dias milhares de pessoas. “O metrô é um local meio mágico” – diz Carnaval – “onde os opostos coexistem. O apressado aprende a ir mais devagar enquanto o calmo acelera. O alienado se informa nem que seja no jornal do vizinho. É o lugar onde o barulho dá sono.”
De 24/05 a 01/07
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Gabinete de Fotografia
Rocinha S/A
As imagens mostram os contrastes e confrontos da favela carioca, declarada bairro por decreto municipal, formada por 18 sub-bairros e habitada por pessoas de poder aquisitivo diverso. O prestigiado fotógrafo Alcyr Cavalcanti registrou, desde o final dos anos 80, algumas das transformações ocorridas, com destaque para as intervenções executadas pelo aparato repressivo do Estado.
Visita orientada com o fotógrafo no dia 03, às 18h
Até dia 13
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Gabinete de Fotografia
Simplesmente Doisneau
Uma iniciativa da Aliança Francesa do Brasil, Simplesmente Doisneau é o título da exposição, inédita no país, que celebra o centenário de nascimento de Robert Doisneau. Um dos maiores nomes da história da fotografia mundial, desde o início da carreira ele se mostrou apaixonado pela poesia do cotidiano, a ponto de desenvolver um novo modo de pensamento visual, audácia esta colocada a serviço de um pensamento social rigoroso. Influenciado pelas obras de Henri Cartier-Bresson, Eugène Atget e André Kertész, ganhou fama por fotografar a vida social de Paris e de seus arredores, sem distinção de classe social: uma visão da fragilidade humana e das contradições da vida. Robert Doisneau morreu em 1994.
Curadoria: Agnès de Gouvion Saint-Cyr
Até 24/06
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Galerias do 2º andar
Heterogêneo – Um retrato da diversidade*
Exposição digital de retratos do carioca Leo Neves, que registrou a Parada do Orgulho LGBT 2011, em São Paulo. Um estúdio portátil foi montado na Avenida Paulista usando uma octabox adaptada para um flash compacto e usando uma parte da fachada de um prédio comercial como fundo.
Curadoria: Vivian Faingold
*Visita orientada dia 09, às 18h.
Até dia 13
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Espaço Virtual
Help Portrait *
A exposição divulga o projeto Help Portrait, fundado pelo fotógrafo de celebridades Jermy Cowart, em 2009. As ações do projeto vêm juntando fotógrafos e voluntários ao redor do mundo em favor de suas respectivas comunidades. A ideia é simples: encontre alguém sem condições de arcar com o custo de uma fotografia profissional; retrate esta pessoa; imprima; ofereça a fotografia ao retratado. Em dezembro, o fotógrafo Léo Neves organizará uma ação no CCJF, direcionada ao público do Rio de Janeiro.
Curadoria: Vivian Faingold
*Visita orientada dia 09, às 18h.
Até dia 13
Terça a domingo,
das 12h às 19h
Galeria do Térreo
Documentário
Home – Nosso Planeta, Nossa Casa
Após sofrer várias interferências humanas, todas as riquezas da Terra correm risco. Agora, a solução se mostra cada vez mais difícil de ser encontrada. Ao nos oferecer imagens inéditas de mais de 50 países vistos do céu, compartilhando sua admiração tanto quanto sua preocupação, Yann Arthus Bertrand propõe, com este filme, um desafio de superação para toda a humanidade.
Direção: Yann Arthus-Bertrand
Dias 01, 02 e 08,
às 17h e às 19h
R$1
Cinema
93 min
Diversidade em Animação 2012 – 4ª edição * / festival
Diversidade em Animação é o festival internacional oficial da Animação LGBT destinado aos cinéfilos, amantes de arte, cineastas e apreciadores dos desenhos animados LGBT em todo o mundo. Competição internacional de curtas, debate, mostras especiais e retrospectivas compõem a programação do festival.
Programação e classificação indicativa: www.diversidadeemanimacao.com.br
No dia 5, às 15h30, haverá o debate O Futuro do Cinema de Animação LGBT. Entrada franca com distribuição de senhas 1 hora antes.
Curadoria: Alexander Vinícius de Mello
De 04 a 13, das 14h30 às 21h30
(não haverá sessões nos dias 07 e 08)
R$12 e R$6(meia)
Cinema
Mostra PUC de Cinema
O CCJF e a PUC-Rio promovem uma mostra de curtas-metragens de documentário e ficção realizados por alunos do curso de cinema da universidade. A mostra apresentará 25 curtas produzidos nos últimos cinco anos e contará, ainda, com sessões de debates, possibilitando uma incursão na experiência da produção cinematográfica universitária.
Programação e classificação indicativa: www.ccjf.trf2.gov.br
Curadoria: Marcelo Taranto e José Mariani
De 12 a 14, quinta a sábado
Sessões às 15h e às 18h
R$2 e R$1 (meia)
Cinema
3º Cinefoot 2012– Festival
de Cinema de Futebol
O festival alia a magia do futebol à emoção do cinema, levando às telas imagens que ocupam o imaginário dos brasileiros e que marcaram para sempre a memória e o coração de inúmeras gerações.
Programação e classificação indicativa: www.cinefoot.org
Curadoria: Antônio Leal
De 31/05 a 03/06,
das 14h30 às 21h30
Entrada franca
Senhas 1h antes de cada sessão
Cabeça de Vento / peça infantil
Léo é um menino de oito anos, apaixonado por pipas, brincadeira que aprendeu com seu pai. Ao ganhar de presente um livro que pertenceu a ele, faz um mergulho na História, entrando em contato com três figuras marcantes: o cientista norte-americano Benjamin Franklin, a guerreira e rainha chinesa Fu Hao, e Ricardo Coração de Leão, rei da Inglaterra.
Com Eduardo Almeida, Jan Macedo e Luciana Zule
Texto e direção: Cleiton Echeveste
Até dia 06
Sábados e domingos, às 16h
R$20 e R$10 (meia)
Teatro
50 min
Senhora Solidão / peça adulta
A peça conta a história de quatro solitários que, ao se encontrarem, revisitam suas memórias, brincando de reconstruir o que os desagradou no passado e de se visualizarem no futuro. A terapia não convencional executada flerta com elementos do psicodrama, criado pelo romeno Jacob Levy Moreno.
Com Alex Nader, Carine Klimeck, Cristina Fagundes e Luis Lobianco.
Texto e direção: Leandro Muniz
Até dia 06
Sexta a domingo, às 19h
R$20 e R$10 (meia)
Teatro
70 min
“Abram-se os Histéricos!”*
O espetáculo é inspirado nas aulas públicas realizadas pelo psiquiatra Jean-Martin Charcot no hospital La Salpêtrière, em Paris. Na época – final do século XIX – a grande novidade médica, literária e até mesmo mundana era a histeria. Nesse contexto, Charcot usava pacientes hipnotizados em suas aulas, fazendo da exposição de suas convulsões, paralisias, ataques e delírios verdadeiros espetáculos teatrais e operísiticos, abertos a um público de convidados leigos.
Com Aline Deluna, Berenice Xavier, Evandro Manchini, Jano Moskorz, Lourival Prudêncio, Marina Magalhães, Marina Salomon e Patrícia Niedermeier.
Texto: Antonio Quinet e Regina Miranda
Direção: Regina Miranda
Até dia 17
Quartas e quintas, às 19h
R$30 e R$15 (meia)
Teatro
80 min
Série Estações da Ópera *
Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini
A ópera cômica em um ato conta as peripécias de uma família prestes a colocar a mão na fortuna de um parente morto com a ajuda do velhaco Gianni Schicchi.
Com Ciro D’Araújo, Ivan Jorgensen, Manuela Vieira, Marianna Lima, Diana Maron, Andressa Ignacio, Demades Gomes, Deividi Rasga, Daniel Soren, Patrick Oliveira, Allan Souza, Gabriel Costa, Leo Perin, Ana Luísa Serpa e Danielle Gregorio.
Direção cênica: Ana Vanessa
Dias 19 e 20
Sábados e domingos, às 19h
R$30 e R$15 (meia)
Teatro
60 min
Janelas para a literatura: explorando a linguagem dos blogs / curso
Você sabe o que é blog, conhece suas ferramentas, mas acha postar com regularidade um desafio. Você acompanha alguns blogs e até escreve, de vez em quando, mas não sabe como utilizar a linguagem e as possibilidades desse meio a seu favor, seja para divulgação de ideias autorais, impressões ou para manifestar suas predileções literárias.
Em qualquer dos casos acima, este curso é para você.
Informações e inscrições: plumagenz@plumagenz.com.br, 2225-7186 e 7685-1002
Dias 08, 15, 22 e 29 de maio e 05 de junho, terças,
das 19h às 21h
R$280
Sala Multimídia
Oficina de poesia falada*
Estabelecendo como referência questões de ordem musical, o curso trabalhará a declamação poética com vistas a tornar a performance dos alunos mais viva e sensível. Para iniciantes e iniciados.
Professor: João Pedro Fagerlande
Informações e inscrições: oficinapoesiafalada@gmail.com
Dias 05, 12, 19 e 26 de maio e 02 de junho, sábados,
das 15h às 17h
R$150,00 ou
R$ 120,00 (estudantes)
Sala Multimídia
História do Brasil e a música popular: a memória e o som*
/ curso
O curso tem como foco a história da música popular no Brasil desde os seus primórdios, propondo reflexões sobre suas relações e inserções na história geral do país e suas perspectivas. Professor: Paulo Roberto Luna Almeida
Módulo I: 09 e 16 de maio; Módulo II: 23 e 30 de maio; Módulo III: 06 e 13 de junho; Módulo IV: 20 e 27 de junho
Informações e inscrições: edlunamar@gmail.com e 8130-1748
Das 19h às 21h
R$ 160 ou
R$ 40 por módulo
Sala Multimídia
Jurandy da Feira Canta Gonzagão – Lançamento de CD
Jurandy Ferreira Gomes, batizado por Luiz Gonzaga com o nome artístico de Jurandy da Feira, teve quatro de suas composições gravadas pelo Rei do Baião. Com o lançamento desse CD, Jurandy homenageia Gonzagão, no ano do centenário de seu nascimento, e resgata um pouco da discografia deste importante artista brasileiro.
Dia 01, terça, às 18h30
R$20 e R$10(meia)
Teatro
90 min
Série Excelência Musical *
A série traz ao palco do CCJF grandes nomes da MPB e apresenta artistas de inegável qualidade para o público carioca, contribuindo para a formação de plateia com o melhor da música.
Dia 08 – Marcel Powell apresenta vários estilos musicais, que vão desde Lamartine Babo até o jazz atual passando por clássicos da MPB e também composições de Baden Powell, seu pai.
Dia 15 – Christiano Sauer, cantor e multi-instrumentista, apresenta canções de grandes compositores que são revisitadas com uma linguagem contemporânea destacando a influência africana na música das Américas.
Terças, às 19h
R$30 e R$ 15(meia)
Teatro
90 min
Série Sessão de Música *
A série apresenta a música de câmara executada por jovens de inegável talento. Em maio, o palco do CCJF recebe a Camerata Sinfônica do Rio de Janeiro, sob a regência de Pedro Borges. No repertório: obras de Francisco Mignone, Guerra-Peixe, Camargo Guarnieri e Villa-Lobos.
Dia 09, quarta, às 15h
Contribuição voluntária
Sala de Sessões
60 min
Série Música no Museu
Inaugurada em dezembro de 1997 no MNBA com o violonista Turíbio Santos, a série conta hoje, ainda que alternada ou esporadicamente, no Rio de Janeiro, com 42 dos melhores museus e centros culturais cariocas, além de lindas igrejas. O projeto ajudou a formar novas plateias, facilitando e incentivando a presença de crianças e jovens aos concertos. Programação: www.musicanomuseu.com.br
Dia 11, sexta, às 15h, no Teatro
Dia 17, quinta, às 18h, na Sala de Sessões
Dia 18, sexta, às 15h, no Teatro
Entrada franca
Senhas 1h antes de cada espetáculo
Cia. Bachiana Brasileira – Coro, Camerata e Solistas
O alto padrão de qualidade com que executa do colonial brasileiro e barroco europeu à música contemporânea explica a posição ímpar que a Cia. Bachiana Brasileira ocupa hoje no cenário musical. O concerto apresentará pequenas jóias do imortal compositor alemão Johann Sebastian Bach com a sonoridade exclusiva do coro, camerata e solistas.
Direção e regência: Maestro Ricardo Rocha
Dia 11, sexta, às 19h
R$ 30 e R$ 15(meia)
Sala de Sessões
70 min
Série Música Para os Olhos
A série, com a produção de Saulo Chermont, oferece ao público, a cada encontro, a oportunidade de apreciar orquestras e conjuntos de câmara, com seus diferentes instrumentos musicais. As cordas, os sopros e a percussão fazem parte desse universo instrumental. As apresentações são realizadas através de projeções de videoconcertos seguidas de comentários. Na edição de maio, teremos sonatas para violoncelo e piano dos compositores Frédéric Chopin, Claude Debussy e Johannes Brahms, de raríssimas execuções, com o pianista András Schiff e o violoncelista Miklós Rérényi.
Dia 13, domingo, às 16h
R$ 20 e R$ 10(meia)
Sala Multimídia
120 min
Sakra Buraja
O duo formado pelo tcheco Vladimir Cháb (saxofone) e o colombiano Aldo Zolev (baixo) procura explorar as fronteiras musicais através de suas composições, numa fusão de energia e improvisação. O projeto une a forte tradição musical da Europa Central e do Leste com a world music.
Dia 18, sexta, às 19h
R$20 e R$10(meia)
Sala de Sessões
80 min
Série Violões da Av-Rio
Leo Moreira e Orquestra de Violões da AV-Rio
O professor e concertista Leo Moreira e a Orquestra de Violões da AV-Rio apresentarão obras de Fernando Sor, Radamés Gnattali, Pauxy Gentil-Nunes, Bach e Michael Jackson, entre outros. A série promove a divulgação do violão, em todas as modalidades possíveis, com instrumentistas destacados e estudantes de música.
Dia 19, sábado, às 17h
R$6 e R$3(meia)
Sala de Sessões
70 min
Série Desafios Musicais *
Especial Lang Lang
Em maio, a série produzida por Saulo Chermont antecipa a vinda do virtuose chinês Lang Lang ao Rio, com um programa inteiramente executado pelo pianista. Em recitais gravado em Nova York, Viena e Londres, Lang Lang interpreta, com sua musicalidade ímpar, obras de Chopin, Liszt, Schumann e Schubert. A apresentação e a palestra ficarão a cargo do Prof. Rodolfo Valverde.
Dia 19, sábado, às 16h
R$ 30 e R$ 15 (meia)
Cinema
*Dia 20, domingo, às 17h
Entrada franca
Sala Multimídia
120 min
Sopros Musicais *
A série traça um painel da produção musical para conjuntos de sopros do final do século XVIII até os dias atuais. Serão apresentadas algumas das obras mais significativas do repertório composto originalmente para sopros abrangendo diferentes períodos e estilos musicais, privilegiando, também, a produção musical brasileira e contemporânea. Os concertos serão realizados pela Camerata de Solistas da Banda Filarmônica do Rio de Janeiro, em formações que variam entre seis e dezessete músicos.
Direção e regência: Antonio Henrique Seixas
Dia 22, terça, às 19h
R$5 e R$2,50(meia)
Teatro
70 min
Cantares – Grupo Vocal
Madrigal Contemporâneo *
O projeto Cantares vai realizar uma série de quatro concertos, ao longo de 2012, onde a voz é o tema central. Em maio será a vez do grupo Madrigal Contemporâneo, criado em 2008 sob a regência de Danielly Souza e composto por oito integrantes.
Dia 25, sexta, às 18h30
R$2 e R$1(meia)
Sala de Sessões
60 min
Shalom Salam – Lançamento de CD
O compositor e instrumentista Wagner Cinelli, acompanhado de sua banda, lança o CD Shalom Salam, com músicas de sua autoria. O show conta também com canções consagradas da MPB que clamam por um mundo melhor como Rosa de Hiroshima e A Paz.
Dia 29, terça, às 19h
R$20 e R$10(meia)
Teatro
70 min
Série Música na Cidade *
O multi-instrumentista de sopros Carlos Malta recebe um músico convidado para apresentação acústica na Sala de Sessões.
Dia 30, quarta, às 19h
R$30 e R$15(meia)
Sala de Sessões
70 min
Série Prelúdio 21 – Música do Presente*
Quando o Prelúdio 21 começou suas atividades, no final do século XX, cada compositor entrava em contato com intérpretes diferentes e o concerto tinha diversos músicos e formações instrumentais. Com o amadurecimento, o grupo adotou um outro formato, em que todos compõem para os mesmos intérpretes. Mas, uma vez ao ano, o Prelúdio 21 realiza o concerto De volta às Origens, onde esse caleidoscópio de sons pode ser experimentado pela plateia.
Dia 26, sábado, às 15h
Entrada franca
Teatro
90 min
Projeto (Re) Conhecendo a Biblioteca do CCJF
Uma experiência de intercâmbio cultural / bate-papo
A partir da experiência de realização do projeto A Terra Vista do Céu, serão expostos, por membros da equipe da Bonfilm, empresa do ramo da produção cultural, diversos tópicos sobre os desafios de se realizar projetos culturais com temáticas internacionais e abrangência nacional.
Dia 24, quinta, às 19h
Entrada franca
Sala de Leitura
O livro A Terra Vista do Céu encontra-se na biblioteca do CCJF para consulta.
Terça a domingo
12h às 17h
Projeto Educativo
A Terra Vista do Céu
O Projeto Educativo A Terra Vista do Céu é uma parceria com a mostra que fica em cartaz na Cinelândia e promoverá exibições gratuitas, para grupos escolares, do documentário Home – Nosso Planeta, Nossa Casa, de Yann Arthus-Bertrand. O projeto, que é uma reflexão sobre a preservação do planeta e o futuro da humanidade, acontece no ano da Rio + 20, conferência mundial das Nações Unidas sobre o desenvolvimento sustentável.
Até 24/06
Ação educativa Caneta, Lente e Pincel / oficina infanto-juvenil
A atividade iniciará com uma visita à exposição Caneta, Lente e Pincel e, após, os participantes serão estimulados a criar um trabalho plástico e/ou escrito baseado na proposta da exposição. Direcionada ao público infanto-juvenil.
Dia 03, quinta, às 15h
Galerias do 1º andar
Oficina literária Caneta, Lente e Pincel / oficina
Uma ideia inovadora que surgiu há três anos e tornou-se um badalado blog. Estamos falando do Caneta, Lente e Pincel, que une as mais diversas vertentes artísticas. A proposta é simples: a partir de uma imagem – vídeo, fotografia, pintura, desenho, etc – ou música cria-se um texto, ou vice-versa. Ministrada por Maria Emília Algebaile.
Dia 18, sexta, das 15h às 17h
Sala Multimídia
Vagas limitadas
Mediante inscrição por telefone
Inscrições: 3261-2567, 3261-2552
Série Justiça e Pensamento
Direito Ambiental e Direitos Culturais: Compatíveis ou Inconciliáveis? / bate-papo
Com a proximidade da reunião da ONU, Rio+20, é oportuno o debate sobre as possibilidades de compatibilizar a proteção ambiental prevista em nosso ordenamento jurídico com os direitos estabelecidos na Constituição Federal para a preservação das tradições culturais de diversos grupos, como índios, remanescentes de quilombos e outros grupos étnicos formadores da nação.
Palestrante: Ronaldo Joaquim da Silveira Lobão (doutor em Antropologia e professor da UFF)
Coordenação: Helena Elias (juíza federal)
Organização: Ajufe e Ajuferjes
Inscrições no local
Dia 22, terça, das 18h30 às 20h30
Entrada franca
Cinema
FESTIVAL DE TEATRO CIDADE DO RIO DE JANEIRO - 10 ANOS
PROGRAMAÇÃO DA MOSTRA ESPECIAL
(ESPETÁCULOS DE TODO BRASIL)
02/05/2012 - Quarta-feira às 21 horas
Espetáculo: “O Inspetor Geral”
Grupo: Teatro Popular de Ilhéus
Origem: Ilhéus / Bahia
Sinopse do espetáculo:
Mais uma viagem do Teatro Popular de Ilhéus - que completa quinze anos - no universo da Literatura de Cordel. O texto, inspirado na obra homônima de Nikolai Gogol, foi escrito em septilhas (estrofes de sete versos). Os atores/brincantes saem das páginas dos cordéis e dão voz ao contador para narrar a história de Gilson Munheca, prefeito da fictícia cidade de Ilha Bela. Com trilha sonora executada ao vivo, o espetáculo apresenta um retrato da corrupção política no interior do Brasil e foi indicado ao Prêmio Shell de Teatro 2011, em São Paulo.
Ficha técnica:
Texto e Direção: Romualdo Lisboa
Elenco: Hermilo Menezes,Tânia Barbosa, Ely Izidro, Takaro Vitor, Aldenor Garcia, Rogério Matos, Elielton Cabeça, Guilherme Bruno, Potira Castro
120 minutos
03/05/2012 - Quinta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Cão”
Grupo: Núcleo 1408 - Companhia de Teatro e Invenção
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
A história de uma mulher que se vê diante de uma situação absurda: seu marido, como agravamento de uma depressão, passou a se comportar como um cachorro. A protagonista o esconde do mundo, temendo que o bizarro caso afete sua imagem bem sucedida, até que a situação chega a seu limite. Parte do processo de criação do ator consistiu em frequentar, em um pet shop, aulas de agility (modalidade em que cães percorrem uma pista de obstáculos) orientadas por um treinador e ao lado de cães de verdade.
Ficha técnica:
Texto: Rui Xavier
Direção: Samya Enes, Hévelin Gonçalves e Rui Xavier
Elenco: Hévelin Gonçalves e Rui Xavier
90 minutos
04/05/2012 - Sexta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Forno Com Fubá”
Grupo: Cia. Dom Caixote
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
A relação de um casal desde antes do casamento até as bodas de diamante, passando pelas alegrias e dificuldades, recitada em poemas e textos de autores conhecidos. A falta ou excesso de um ingrediente faz desandar uma grande receita, por isso devemos ficar atentos as angústias, alegrias, dúvidas e amores para "não passar do ponto". Durante ao espetáculo é preparado um bolo que é servido ao final para que o público participe da comemoração dos 50 anos de casamento dos personagens.
Ficha técnica:
Texto e direção: Luiz Felipe Petuxo
Elenco: Paulinho Rocco e Sandra Nagy
50 minutos
05/05/2012 - Sábado às 21 horas
Espetáculo: “Pequeno Inventário de Impropriedades”
Grupo: Téspis Cia. de Teatro
Origem: Itajaí / Santa Catarina
Sinopse do espetáculo:
Um homem vive dentro de um cotidiano previsível e repetitivo até que um acontecimento muda o rumo de sua vida. Saindo de uma vida ordinária, ele descobre o poder da violência latente dos dias em que vivemos. Ficção e realidade se misturam até não conseguirmos distinguir onde uma começa e a outra termina. O texto, originado de um blog na internet, foi trabalhado ao longo de workshop de dramaturgia ministrado por Roberto Alvim.
Ficha técnica:
Texto: Max Reinert
Direção: Denise da Luz
Elenco: Max Reinert
45 minutos
06/05/2012 - Domingo às 20 horas
Espetáculo: “Travessia”
Grupo: Grupo Tecelagem
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
Livremente inspirado nos contos reunidos em “Sagarana” e “Primeiras Estórias”, do escritor João Guimarães Rosa, aborda a experiência de uma travessia pelo sertão. Em cinco paradas, um vaqueiro, no transporte de uma boiada da fazenda ao vilarejo conta e canta suas estórias, seus medos, suas dores, seus amores. espetáculo transita no universo da oralidade, dos ritos, das cantigas e tradições, encontrando nesses elementos a força do sagrado.
Ficha técnica:
Texto e direção: Paulo Williams
Elenco: Paulo Williams, Paulo Timbé e Thiago Rodrigues
60 minutos
09/05/2012 - Quarta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Moscarda”
Grupo: Cia. Mucuta de Teatro
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
Adaptação do romance “Um, Nenhum e Cem Mil” de Luigi Pirandello, conta a história de um homem atormentado com as descobertas de si mesmo. Ao ser alertado pela mulher para um pequeno “defeito” em seu nariz, ele nos coloca diante de uma questão existencial e filosófica: quem somos? Apenas um ator, uma poltrona e uma história. Estes são os elementos de que se vale o espetáculo.
Ficha técnica:
Texto: Luigi Pirandello (adaptação de “Um, Nenhum e Cem Mil”)
Direção: Valéria Lauand
Elenco: Clovys Torres
60 minutos
10/05/2012 - Quinta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Fim de Partida”
Grupo: Teatro Kaos
Origem: Londrina / Paraná
Sinopse do espetáculo:
O drama surge antes da dramaturgia com a imagem de um homem à beira da morte numa sala hospitalar de tratamento intensivo, assistido por médicos/espectadores responsáveis em evitar que ele deixe de sofrer física e existencialmente. A peça parte de influências dos autores Fernando Arrabal e Samuel Beckett.
Ficha técnica:
Texto e direção: Edward Fão
Elenco: Gustavo Garcia e Edward Fão
75 minutos
11/05/2012 - Sexta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Pomba Enamorada Ou Uma História de Amor”
Grupo: Queiroz Art
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
Enquanto espera seu amante e termina ansiosamente de arrumar os últimos preparativos da festa de aniversário que organizou pra ele, Maria Helena di Castro nos revela suas intimidades cheias de vitalidade, amor, solidão, humor, romance e esperança. Recheada de comentários irônicos e bem humorados, baseados nos textos jornalísticos de Clarice Lispector e na personagem central Pomba Enamorada de Lygia Fagundes Telles.
Ficha técnica:
Texto: Lygia Fagundes Telles com adaptação de Simonia Queiroz
Direção: Tarcila Tanhã
Elenco: Simonia Queiroz
55 minutos
12/05/2012 - Sábado às 21 horas
Espetáculo: “Experimentos 1”
Grupo: Outro Grupo de Teatro
Origem: Fortaleza / Ceará
Sinopse do espetáculo:
Três histórias. Na primeira, um homem escreve uma carta incansávelmente. Na segunda, dois homens estão entre a aproximação e o afastamento. Na terceira, um homem é tomado por um fluxo de pensamentos em minutos de elucubrações. As histórias estão ligadas entre si pelo cenário, pelas proposições e pelos conflitos do homem contemporâneo em seus relacionamentos e no seu modo de viver.
Ficha técnica:
Texto: Ari Areia, Karl Valentin e Yuri Yamamoto
Direção: Yuri Yamamoto
Elenco: Ari Areia e Tavares Neto
45 minutos
13/05/2012 - Domingo às 20 horas
Espetáculo: “Balada de Um Palhaço”
Grupo: Grupo de Teatro Arte & Fatos
Origem: Goiania / Goiás
Sinopse do espetáculo:
O texto traz a tona conflitos que impulsionam as relações humanas, a dor e alegria, o simples e o complexo, o riso e o choro, o desespero e a calma, o sistema e o povo. Tem como porta-voz dois palhaços, Bobo Plin e Menelão, dono de um circo decadente, mas veículo único de sobrevivência para os dois palhaços. A peça foi escrita no leito de um hospital, quando seu autor, Plínio Marcos, sofreu um ataque cardíaco.
Ficha técnica:
Texto: Plínio Marcos
Direção: Danilo Alencar
Elenco: Bruno Peixoto e Edson Oliveira
80 minutos
______________________
PROGRAMAÇÃO DA MOSTRA ESPECIAL
(ESPETÁCULOS DE TODO BRASIL)
02/05/2012 - Quarta-feira às 21 horas
Espetáculo: “O Inspetor Geral”
Grupo: Teatro Popular de Ilhéus
Origem: Ilhéus / Bahia
Sinopse do espetáculo:
Mais uma viagem do Teatro Popular de Ilhéus - que completa quinze anos - no universo da Literatura de Cordel. O texto, inspirado na obra homônima de Nikolai Gogol, foi escrito em septilhas (estrofes de sete versos). Os atores/brincantes saem das páginas dos cordéis e dão voz ao contador para narrar a história de Gilson Munheca, prefeito da fictícia cidade de Ilha Bela. Com trilha sonora executada ao vivo, o espetáculo apresenta um retrato da corrupção política no interior do Brasil e foi indicado ao Prêmio Shell de Teatro 2011, em São Paulo.
Ficha técnica:
Texto e Direção: Romualdo Lisboa
Elenco: Hermilo Menezes,Tânia Barbosa, Ely Izidro, Takaro Vitor, Aldenor Garcia, Rogério Matos, Elielton Cabeça, Guilherme Bruno, Potira Castro
120 minutos
03/05/2012 - Quinta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Cão”
Grupo: Núcleo 1408 - Companhia de Teatro e Invenção
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
A história de uma mulher que se vê diante de uma situação absurda: seu marido, como agravamento de uma depressão, passou a se comportar como um cachorro. A protagonista o esconde do mundo, temendo que o bizarro caso afete sua imagem bem sucedida, até que a situação chega a seu limite. Parte do processo de criação do ator consistiu em frequentar, em um pet shop, aulas de agility (modalidade em que cães percorrem uma pista de obstáculos) orientadas por um treinador e ao lado de cães de verdade.
Ficha técnica:
Texto: Rui Xavier
Direção: Samya Enes, Hévelin Gonçalves e Rui Xavier
Elenco: Hévelin Gonçalves e Rui Xavier
90 minutos
04/05/2012 - Sexta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Forno Com Fubá”
Grupo: Cia. Dom Caixote
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
A relação de um casal desde antes do casamento até as bodas de diamante, passando pelas alegrias e dificuldades, recitada em poemas e textos de autores conhecidos. A falta ou excesso de um ingrediente faz desandar uma grande receita, por isso devemos ficar atentos as angústias, alegrias, dúvidas e amores para "não passar do ponto". Durante ao espetáculo é preparado um bolo que é servido ao final para que o público participe da comemoração dos 50 anos de casamento dos personagens.
Ficha técnica:
Texto e direção: Luiz Felipe Petuxo
Elenco: Paulinho Rocco e Sandra Nagy
50 minutos
05/05/2012 - Sábado às 21 horas
Espetáculo: “Pequeno Inventário de Impropriedades”
Grupo: Téspis Cia. de Teatro
Origem: Itajaí / Santa Catarina
Sinopse do espetáculo:
Um homem vive dentro de um cotidiano previsível e repetitivo até que um acontecimento muda o rumo de sua vida. Saindo de uma vida ordinária, ele descobre o poder da violência latente dos dias em que vivemos. Ficção e realidade se misturam até não conseguirmos distinguir onde uma começa e a outra termina. O texto, originado de um blog na internet, foi trabalhado ao longo de workshop de dramaturgia ministrado por Roberto Alvim.
Ficha técnica:
Texto: Max Reinert
Direção: Denise da Luz
Elenco: Max Reinert
45 minutos
06/05/2012 - Domingo às 20 horas
Espetáculo: “Travessia”
Grupo: Grupo Tecelagem
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
Livremente inspirado nos contos reunidos em “Sagarana” e “Primeiras Estórias”, do escritor João Guimarães Rosa, aborda a experiência de uma travessia pelo sertão. Em cinco paradas, um vaqueiro, no transporte de uma boiada da fazenda ao vilarejo conta e canta suas estórias, seus medos, suas dores, seus amores. espetáculo transita no universo da oralidade, dos ritos, das cantigas e tradições, encontrando nesses elementos a força do sagrado.
Ficha técnica:
Texto e direção: Paulo Williams
Elenco: Paulo Williams, Paulo Timbé e Thiago Rodrigues
60 minutos
09/05/2012 - Quarta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Moscarda”
Grupo: Cia. Mucuta de Teatro
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
Adaptação do romance “Um, Nenhum e Cem Mil” de Luigi Pirandello, conta a história de um homem atormentado com as descobertas de si mesmo. Ao ser alertado pela mulher para um pequeno “defeito” em seu nariz, ele nos coloca diante de uma questão existencial e filosófica: quem somos? Apenas um ator, uma poltrona e uma história. Estes são os elementos de que se vale o espetáculo.
Ficha técnica:
Texto: Luigi Pirandello (adaptação de “Um, Nenhum e Cem Mil”)
Direção: Valéria Lauand
Elenco: Clovys Torres
60 minutos
10/05/2012 - Quinta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Fim de Partida”
Grupo: Teatro Kaos
Origem: Londrina / Paraná
Sinopse do espetáculo:
O drama surge antes da dramaturgia com a imagem de um homem à beira da morte numa sala hospitalar de tratamento intensivo, assistido por médicos/espectadores responsáveis em evitar que ele deixe de sofrer física e existencialmente. A peça parte de influências dos autores Fernando Arrabal e Samuel Beckett.
Ficha técnica:
Texto e direção: Edward Fão
Elenco: Gustavo Garcia e Edward Fão
75 minutos
11/05/2012 - Sexta-feira às 21 horas
Espetáculo: “Pomba Enamorada Ou Uma História de Amor”
Grupo: Queiroz Art
Origem: São Paulo / São Paulo
Sinopse do espetáculo:
Enquanto espera seu amante e termina ansiosamente de arrumar os últimos preparativos da festa de aniversário que organizou pra ele, Maria Helena di Castro nos revela suas intimidades cheias de vitalidade, amor, solidão, humor, romance e esperança. Recheada de comentários irônicos e bem humorados, baseados nos textos jornalísticos de Clarice Lispector e na personagem central Pomba Enamorada de Lygia Fagundes Telles.
Ficha técnica:
Texto: Lygia Fagundes Telles com adaptação de Simonia Queiroz
Direção: Tarcila Tanhã
Elenco: Simonia Queiroz
55 minutos
12/05/2012 - Sábado às 21 horas
Espetáculo: “Experimentos 1”
Grupo: Outro Grupo de Teatro
Origem: Fortaleza / Ceará
Sinopse do espetáculo:
Três histórias. Na primeira, um homem escreve uma carta incansávelmente. Na segunda, dois homens estão entre a aproximação e o afastamento. Na terceira, um homem é tomado por um fluxo de pensamentos em minutos de elucubrações. As histórias estão ligadas entre si pelo cenário, pelas proposições e pelos conflitos do homem contemporâneo em seus relacionamentos e no seu modo de viver.
Ficha técnica:
Texto: Ari Areia, Karl Valentin e Yuri Yamamoto
Direção: Yuri Yamamoto
Elenco: Ari Areia e Tavares Neto
45 minutos
13/05/2012 - Domingo às 20 horas
Espetáculo: “Balada de Um Palhaço”
Grupo: Grupo de Teatro Arte & Fatos
Origem: Goiania / Goiás
Sinopse do espetáculo:
O texto traz a tona conflitos que impulsionam as relações humanas, a dor e alegria, o simples e o complexo, o riso e o choro, o desespero e a calma, o sistema e o povo. Tem como porta-voz dois palhaços, Bobo Plin e Menelão, dono de um circo decadente, mas veículo único de sobrevivência para os dois palhaços. A peça foi escrita no leito de um hospital, quando seu autor, Plínio Marcos, sofreu um ataque cardíaco.
Ficha técnica:
Texto: Plínio Marcos
Direção: Danilo Alencar
Elenco: Bruno Peixoto e Edson Oliveira
80 minutos
______________________
Teatro/CRÍTICA
"De verdade (ou A mulher certa)"
.........................................
Náufragos de si mesmos
Lionel Fischer
"A peça aborda, através da relação entre o Marido e a Esposa, os conflitos do amor romântico e do casamento, tangenciando, e tendo como pano de fundo, o ideário da condição burguesa e a incomunicabilidade do discurso amoroso. Sándor Márai apresenta não apenas versões distintas (Marido X Esposa) do mesmo fato (o casamento), mas enfatiza também a premissa de que os fatos só podem ser apreendidos em sua limitada existência por intermédio das experiências e da memória individual. Márai defende a idéia de múltiplas verdades ou, em suma, de que não há verdade para além da individualidade"
Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza as premissas essenciais de "De verdade (ou A mulher certa)", romance do húngaro Sándor Márai adaptado para o palco por Susana Schild e Isabel Muniz. Márcio Abreu assina a direção do espetáculo, em cartaz no Espaço Sesc, estando o elenco formado por Kika Kalache e Guilherme Piva, que dividem o palco com o músico Antonio Saraiva.
Como todos sabemos, os puristas de plantão costumam torcer seus graciosos (nem sempre) narizes sempre que uma montagem se materializa a partir de uma adaptação, seja de um romance, conto, novela etc. E sua argumentação é sempre a mesma: a especificidade da linguagem do palco, que estaria atrelada aos diálogos, sendo que estes explicitariam os conflitos entre os personagens, daí decorrendo a ação e por aí vai.
Isto não deixa de ser verdade, naturalmente. Mas não é menos verdadeira, tampouco menos válida, uma proposta que traga para o palco elementos de outras manifestações artísticas, desde que as mesmas contribuam para viabilizar aquilo que o teatro propõe de mais essencial: um real encontro entre quem faz e quem assiste. E tal encontro pode até mesmo, em alguns casos, prescindir de diálogos. Ou não?
No presente caso, temos diálogos, solilóquios, narrativas contraditórias, repetições de passagens aparentemente iguais, mas sutilmente diferentes. Enfim...uma série de recursos cuja mescla enfatiza, de forma criativa e pertinente, os principais conteúdos propostos pelo autor - como não li o original, não posso avaliar os méritos da adaptação; mas como permaneci todo o tempo atento, interessado e, não raro, comovido, ouso supor que seja de excelente nível o trabalho feito por Susana Schild e Izabel Muniz.
Tudo aqui gira em torno de duas histórias de amor, sendo que uma delas conta com a participação do casal - a outra, ainda que apenas evocada, contribui para levantar ainda mais questionamentos sobre a complexidade inerente a qualquer relação amorosa. E o que mais me encantou no texto, e também o que mais me afligiu, diz respeito a uma certa (ou total) impossibilidade de se conhecer plenamente o outro, de nos relacionarmos com o outro sem perceber que muitas vezes o idealizamos, o que nos leva a priorizar fantasias em detrimento do real da vida. Mas, um um belo dia, as máscaras caem, a visão das faces descobertas se torna intolerável e a separação se afigura como a única possibilidade. Então os casais se despedem, em geral com a sensação de serem náufragos de si mesmos...
Bem escrito, contendo ótimos personagens e reflexões mais do que pertinentes sobre o amor, o texto de Sándor Márai recebeu ótima versão cênica de Márcio Abreu, cabendo destacar não apenas a expressividade das marcas e a impecável manipulação dos tempos rítmicos, mas sobretudo a atmosfera ao mesmo tempo árida e dolorosamente poética que permeia toda a montagem. E como os atores muitas vezes se dirigem ao público, seja expondo seus pontos de vista, seja fazendo perguntas, torna-se inevitável que cada um se veja um tanto obrigado a questionar suas posições perante o amor. No meu caso específico, saí do teatro com um número bem maior de dúvidas do que de certezas. Mas talvez seja essa uma das propostas deste inquietante e belo espetáculo.
Quanto aos atores, Kika Kalache e Guilherme Piva exibem ótimos desempenhos, tanto nas passagens mais dramáticas quanto naquelas em que o humor predomina. Afora isto, sua contracena é impecável, visceral, com ambos valorizando de forma sensível e vigorosa tanto as falas como os muitos silêncios. Sob todos os aspectos, duas intepretações que se incluem entre as mais significativas da atual temporada.
Na equipe técnica, considero irretocáveis as contribuições de todos os profisisonais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - Fernando Marés de Castilho (cenografia), Nadja Naira (iluminação) e Cao Albuquerque (figurinos). Cumpre também destacar a forte presença cênica de Antonio Saraiva, responsável pela direção musical e, ao que imagino, pelas composições (ou fragmentos musicais) que executa ao piano e saxofone, alternando climas jazzistícos com sonoridades que remetem a compositores como Éric Satie, sempre em total sintonia com os múltiplos climas emocionais em jogo.
DE VERDADE (OU A MULHER CERTA) - Texto de Sándor Márai. Adaptação de Susana Schild e Isabel Muniz. Direção de Márcio Abreu. Com Kika Kalache e Guilherme Piva. Espaço Sesc. Quinta a sábado, 21h30. Domingo, 20h.
"De verdade (ou A mulher certa)"
.........................................
Náufragos de si mesmos
Lionel Fischer
"A peça aborda, através da relação entre o Marido e a Esposa, os conflitos do amor romântico e do casamento, tangenciando, e tendo como pano de fundo, o ideário da condição burguesa e a incomunicabilidade do discurso amoroso. Sándor Márai apresenta não apenas versões distintas (Marido X Esposa) do mesmo fato (o casamento), mas enfatiza também a premissa de que os fatos só podem ser apreendidos em sua limitada existência por intermédio das experiências e da memória individual. Márai defende a idéia de múltiplas verdades ou, em suma, de que não há verdade para além da individualidade"
Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima sintetiza as premissas essenciais de "De verdade (ou A mulher certa)", romance do húngaro Sándor Márai adaptado para o palco por Susana Schild e Isabel Muniz. Márcio Abreu assina a direção do espetáculo, em cartaz no Espaço Sesc, estando o elenco formado por Kika Kalache e Guilherme Piva, que dividem o palco com o músico Antonio Saraiva.
Como todos sabemos, os puristas de plantão costumam torcer seus graciosos (nem sempre) narizes sempre que uma montagem se materializa a partir de uma adaptação, seja de um romance, conto, novela etc. E sua argumentação é sempre a mesma: a especificidade da linguagem do palco, que estaria atrelada aos diálogos, sendo que estes explicitariam os conflitos entre os personagens, daí decorrendo a ação e por aí vai.
Isto não deixa de ser verdade, naturalmente. Mas não é menos verdadeira, tampouco menos válida, uma proposta que traga para o palco elementos de outras manifestações artísticas, desde que as mesmas contribuam para viabilizar aquilo que o teatro propõe de mais essencial: um real encontro entre quem faz e quem assiste. E tal encontro pode até mesmo, em alguns casos, prescindir de diálogos. Ou não?
No presente caso, temos diálogos, solilóquios, narrativas contraditórias, repetições de passagens aparentemente iguais, mas sutilmente diferentes. Enfim...uma série de recursos cuja mescla enfatiza, de forma criativa e pertinente, os principais conteúdos propostos pelo autor - como não li o original, não posso avaliar os méritos da adaptação; mas como permaneci todo o tempo atento, interessado e, não raro, comovido, ouso supor que seja de excelente nível o trabalho feito por Susana Schild e Izabel Muniz.
Tudo aqui gira em torno de duas histórias de amor, sendo que uma delas conta com a participação do casal - a outra, ainda que apenas evocada, contribui para levantar ainda mais questionamentos sobre a complexidade inerente a qualquer relação amorosa. E o que mais me encantou no texto, e também o que mais me afligiu, diz respeito a uma certa (ou total) impossibilidade de se conhecer plenamente o outro, de nos relacionarmos com o outro sem perceber que muitas vezes o idealizamos, o que nos leva a priorizar fantasias em detrimento do real da vida. Mas, um um belo dia, as máscaras caem, a visão das faces descobertas se torna intolerável e a separação se afigura como a única possibilidade. Então os casais se despedem, em geral com a sensação de serem náufragos de si mesmos...
Bem escrito, contendo ótimos personagens e reflexões mais do que pertinentes sobre o amor, o texto de Sándor Márai recebeu ótima versão cênica de Márcio Abreu, cabendo destacar não apenas a expressividade das marcas e a impecável manipulação dos tempos rítmicos, mas sobretudo a atmosfera ao mesmo tempo árida e dolorosamente poética que permeia toda a montagem. E como os atores muitas vezes se dirigem ao público, seja expondo seus pontos de vista, seja fazendo perguntas, torna-se inevitável que cada um se veja um tanto obrigado a questionar suas posições perante o amor. No meu caso específico, saí do teatro com um número bem maior de dúvidas do que de certezas. Mas talvez seja essa uma das propostas deste inquietante e belo espetáculo.
Quanto aos atores, Kika Kalache e Guilherme Piva exibem ótimos desempenhos, tanto nas passagens mais dramáticas quanto naquelas em que o humor predomina. Afora isto, sua contracena é impecável, visceral, com ambos valorizando de forma sensível e vigorosa tanto as falas como os muitos silêncios. Sob todos os aspectos, duas intepretações que se incluem entre as mais significativas da atual temporada.
Na equipe técnica, considero irretocáveis as contribuições de todos os profisisonais envolvidos nesta mais do que oportuna empreitada teatral - Fernando Marés de Castilho (cenografia), Nadja Naira (iluminação) e Cao Albuquerque (figurinos). Cumpre também destacar a forte presença cênica de Antonio Saraiva, responsável pela direção musical e, ao que imagino, pelas composições (ou fragmentos musicais) que executa ao piano e saxofone, alternando climas jazzistícos com sonoridades que remetem a compositores como Éric Satie, sempre em total sintonia com os múltiplos climas emocionais em jogo.
DE VERDADE (OU A MULHER CERTA) - Texto de Sándor Márai. Adaptação de Susana Schild e Isabel Muniz. Direção de Márcio Abreu. Com Kika Kalache e Guilherme Piva. Espaço Sesc. Quinta a sábado, 21h30. Domingo, 20h.
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