Teatro/CRÍTICA

"Samba Futebol Clube"

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Gol de placa no CCBB



Lionel Fischer



Em cena, oito jogadores/torcedores. Eles cantam 42 músicas, assinadas por mestres como Pixinguinha, Francis Hime, Braguinha, Herivelto Martins e João Bosco, dentre muitos outros; dizem 12 textos de não menos renomados mestres da escrita, como Paulo Mendes Campos, José Lins do Rego, Nelson Rodrigues, Carlos Drummond de Andrade, Ferreira Gullar e Armando Nogueira. 

E a permanente mescla de quem joga e quem assiste, da música e da palavra, tudo isso temperado por deliciosas e criativas coreografias, só poderia gerar um dos mais brilhantes musicais já exibidos no Rio de Janeiro, que merece ser prestigiado de forma incondicional mesmo por aqueles não muito chegados ao violento esporte bretão - não sei quem cunhou esta expressão, mas garanto que ela existe.

Com roteiro e direção assinados por Gustavo Gasparani, "Samba Futebol Clube" está em cartaz no Teatro II do CCBB. No elenco, Alan Rocha, Cristiano Gualda, Daniel Carneiro, Gabriel Manita, Jonas Hammar, Luiz Nicolau, Pedro Lima e Rodrigo Lima, também responsáveis pela execução de vários instrumentos.

Ao reler o que acabo de escrever, constato que minha opinião sobre o espetáculo já está expressa no segundo parágrafo, quando normalmente vem mais adiante. Mas sendo verdadeira a máxima de que a ordem dos fatores não altera o produto, é com enorme alegria e emoção que retomo o que na verdade não estava concluído.

Um dos fatores mais determinantes para o sucesso absoluto do presente espetáculo diz respeito à já mencionada estrutura narrativa.
E não apenas pela mescla de textos e canções, pois isto não constitui nenhuma novidade. O grande acerto deve-se à unidade entre as palavras e canções, que chegam até a plateia como se constituíssem um corpo indissociável. E cabe também mencionar a permanente imprevisibilidade do espetáculo. 

Muitas vezes esperamos que o canto predomine, e é a dança que se impõe. E quando gargalhadas sugerem que jamais serão interrompidas, eis que um súbito silêncio conduz a um clima oposto, às vezes impregnado de nostalgia, saudade ou salutar indignação - este último sentimento aflora quando a montagem menciona a Copa de 70, quando a gloriosa conquista fez com que muitos se esquecessem de que o país vivia sua mais violenta e abjeta ditadura.

Mas é claro que a Gustavo Gasparani não devem ser creditados todos os méritos. Se seu roteiro é brilhante e não menos brilhante sua direção, as parcerias estabelecidas são também fundamentais. A começar pelos atores, todos eles absolutamente impecáveis nos muitos personagens que interpretam, na forma como cantam, executam os instrumentos e dançam a esplêndida e diversificada coreografia criada por Renato Vieira, também responsável por uma direção de movimento que confere à cena uma incrível precisão, valorizando de forma notável tanto as passagens mais dramáticas quanto aquelas em que o humor predomina. Não resta dúvida de que Vieira, neste trabalho, contou com as bênçãos de todos os Deuses da Dança e do Teatro.

No complemento da ficha técnica, destaco com o mesmo entusiasmo as deslumbrantes contribuições de todos os profissionais envolvidos neste comovente, divertido e mágico musical - Nando Duarte (direção musical), Marcelo Lipiani (cenografia), Marcelo Olinto (figurinos), Paulo Cesar Medeiros (iluminação), Maurício Detoni (preparação e arranjos vocais), Thiago Stauffer (cenografia digital), João Pimentel (pesquisa de textos), Alfredo Del Penho (pesquisa musical) e Beto Carramanhos (visagismo) - se me escapou algum nome, desde já me desculpo.

SAMBA FUTEBOL CLUBE - Roteiro e direção de Gustavo Gasparani. Com Alan Rocha, Cristiano Gualda, Daniel Carneiro, Gabriel Manita, Jonas Hammar, Luiz Nicolau, Rodrigo Lima e Pedro Lima. Teatro II do CCBB. Quinta a segunda, 19h30.

       

Teatro/CRÍTICA

"Kalocaína"

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Instigante obra de ficção científica



Lionel Fischer



"Numa sociedade sem classes, onde não existem pobres, nem ricos, mas as funções e hierarquias sociais são bem delimitadas, olhos e ouvidos eletrônicos da polícia vigiam o interior de cada apartamento, mesmo à noite, através de raios infravermelhos. No metrô e nas ruas, cartazes advertem: 'Ninguém pode estar seguro! Quem está ao seu lado pode ser um subversivo!' Nesta atmosfera já asfixiante, Leo Kall, cientista da Cidade Química nº 4 - que acredita no Estado Mundial e em seus princípios - descobre a droga sonhada por todos os profissionais de informação: a Kalocaína".

Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima reproduz o contexto de "Kalocaína", em cartaz no Teatro Glaucio Gill. Baseado no romance da sueca Karin Boye (1900-1941) e contando com adaptação para o palco de Mauro Ventura Alves e Michel Bercovitch (com a colaboração do Núcleo de Investigação Cênica e Felipe Oquendo), o texto chega à cena em versão assinada por Bercovitch, estando o elenco formado por Alice Assef, Alexandre Varella, Louri Santos, Tatsu Carvalho, Tatiana Menezes, Felipe Martins e Henrique Neves.

A dita Kalocaína, mencionada no parágrafo inicial, possui a singular propriedade de fazer com que os indivíduos que a inalam digam somente a verdade. Assim, os cobaias recrutados pelos cientistas a serviço do Sistema respondem a tudo que lhes é perguntado, sem necessidade de serem submetidos às torturas de praxe em qualquer regime totalitário.

No entanto, os fatos confessados jamais são suficientemente claros para que os responsáveis pelos interrogatórios saibam exatamente o que está acontecendo. Parece estar implícito um movimento de rebelião, mas a natureza da mesma e seus objetivos permanecem obscuros. E como não existe, ao menos em princípio, nenhum cidadão acima de qualquer suspeita, a trama envereda para os escalões superiores, a partir da suposição do protagonista Leo Kall de que sua mulher, Linda, pode ter tido um caso com seu chefe, Edo Rissen, ou, pior que tudo, ainda o ame.

Como não li o original, não tenho como avaliar a presente adaptação. Mas certamente estamos diante de uma obra séria, pertinente e que certamente serviu de inspiração para outras de ficção científica, estruturadas a partir da assustadora premissa da existência de um Estado onipresente no qual o indivíduo não possui a menor relevância - seria apenas uma máquina (ou um número, como no presente caso) a serviço de uma engrenagem cuja lógica escapa à sua compreensão.

Com relação ao espetáculo, Michel Bercovitch impõe à cena uma dinâmica em total sintonia com o material dramatúrgico - suas marcações são secas e de fria objetividade, e uma permanente atmosfera de estranhamento permanece ao longo de todo o espetáculo. Cabe também salientar a precisão dos tempos rítmicos, assim como a expressividade obtida nos momentos em que as palavras se fazem ausentes.

No tocante ao elenco, todos os intérpretes exibem atuações seguras e evidenciam pleno conhecimento dos conteúdos em jogo. Ainda assim, me permito as seguintes observações. Quando alguns personagens são submetidos à mencionada droga, acredito que suas revelações poderiam ser expressas num tom menos coloquial, sem ser necessariamente robotizado. E acredito que Louri Santos, em seu longo monólogo final, poderia dispensar os arroubos de que lança mão, pois os mesmos minimizam a aterradora contundência das palavras que profere.

Na equipe técnica, Renato Machado assina sombria e claustrofóbica iluminação, determinante para a valorização do contexto em que se dá a ação. A mesma eficiência se faz presente na assustadoramente asséptica cenografia de Dina Salem Levy. Igualmente de bom nível a trilha sonora de Michel Bercovitch, o mesmo não podendo ser dito dos pouco expressivos figurinos de Henrique Neves e Bercovitch. Mauro Ventura responde pelas eficientes projeções, mas acredito que estas poderiam abdicar de momentos relacionados, por exemplo, ao julgamento de Nüremberg - qualquer espectador minimamente esclarecido percebe que a peça fala de um Estado totalitário, e o nazista proposto por Hitler certamente não é o único...

KALOCAÍNA - Texto de Karin Boye. Direção de Michel Bercovitch. Com Alice Assef, Alexandre Varella, Louri Santos, Tatsu Carvalho, Tatiana Menezes, Felipe Martins e Henrique neves. Teatro Glaucio Gill. Quinta se sexta, 20h.

Dramaturgos Romanos

Dramaturgos Romanos

Lívio Andrônico (Livius Andronicus) (280 a.C à 200 a.C), da cidade 
de Taranto, uma das maiores e mais ricas das antigas colônias 
gregas no sul da Itália. Lívio Andrônico foi trazido a Roma, como 
escravo, para a rica casa dos Lívios. Graças a seu dom da Linguagem, 
o jovem grego logo foi promovido de professor particular a 
conselheiro educacional e cultural. Em 240 a.C., escreveu 
suas primeiras adaptações de peças gregas. Uma tragédia e uma
 comédia foram representadas, nas quais o próprio Lívio Andrônico 
participou como ator, cantor e encenador, na melhor tradição ateniense.

Névio (Gneu Névio) (261 a. C. - 201 a. C), da Campônia, foi o primeiro 
dramaturgo latino e o criador do drama romano. A fabula Praetexta, 
tinha como personagens centrais os "preteres", os mais altos servidores 
da República, e os heróis centrais da história. Cinco anos mais tarde 
apresenta-se pela primeira vez nos Ludi Romani com obras próprias.

Névio alcança sucesso e reconhecimento com a peça "Romulus" que 
retrata a lendária fundação de Roma. No entanto, ao escrever suas 
omédias polêmicas, atacando políticos e nobres de sua época foi preso
e exilado. Morrendo por volta de 201 a.C, em Utica.

Ênio (Quinto Enio de Rudia) (239 a.C à 169 a.C) da Calábria - terceiro 
pioneiro do teatro romano surgiu em 204a.C, então com trinta e 
cinco anos. Obteve fama com sua obra mais importante, Anais, e 
também por suas adaptações de tragédias e comédias gregas para 
o publico romano. Escreveu, segundo o modelo de Eurípedes, 
peças como Aquiles e Alexandre, além de outra sobre o tema das 
Eumênidas.

Ênio escrevia de forma popular, e evitando assuntos controvérsios 
fazia muito sucesso entre o povo e os nóbres. Seus textos eram 
carregados de assuntos leves e didáticos que se encaixavam facilmente 
com a visão de mundo racional dos romanos.

Plauto (Titus Maccius Plautus) (c. 254-184 a.C.), primeiro grande escritor
 romano de peças comicas, nascido em Sarsina, não era um homem 
de muito estudo, mas conta-se que no decorrer de uma juventude 
cheia de aventuras, perambulou pelo país com uma trupe atelana.

As personagens cômicas, identidades trocadas, intriga e 
sentimentalismo burguês alimentam as suas comédias. As canções 
com acompanhamento musical conferem a elas um toque de opereta.

Ao todo, vinte peças completas de Plauto subsistem. Elas refletem não 
apenas o repertório de enredos e personagens da Comédia Nova, 
mas, a mentalidade de seu autor e do público para o qual escrevia. Elas 
também se tornaram a fonte inesgotável da comédie francese.

Terêncio (Publius Terentius Afer) (c. 190-159 a.C.), de Cártago, é 
o segundo grande poeta cômico de Roma. Bárbaro de nascimento, foi 
trazido a Roma como escravo, da mesma forma que Lívio Andrônico.
 Seu senhor reconheceu os talentos do jovem e o emancipou. 
No círculo de Cipião Africano Menor, ele encontrou amistoso 
reconhecimento e apoio.

Suas seis comédias traem já nos títulos aquilo que Terêncio buscava - 
o estudo de caráter. Todas as seis peças de Terêncio pertencem 
ao período entre 166 a.C. Entre suas peças ressalta-se O Formião,
Ecira e Eunucus.

Enquanto Plauto prestava atenção à conversa do povo e se apoiava 
fortemente no contraste entre ricos e pobres para suas situações 
cômicas, Terêncio procurava imitar o discurso cultivado da nobreza 
romana.

As técnicas de Terêncio na escrita cômica, tornaram-se exemplares e foram, 
mais tarde, adotadas por muitos dramaturgos, como: Shakespeare, 
Tirso, Vega, entre outros da comedia européia.

(Plauto)

Blog de Tteatro, Cia. Paulicéia Ddesvairada. 

Odisseia de Homero

A Odisseia narra a história de Ulisses, que depois de passar 10 anos na Guerra de Troia, leva mais 17 anos para voltar para casa, passando por muitas aventuras no caminho.

Odisseu e Penélope

Este é, depois da Ilíada, o principal texto que foi reunido sob o nome de Homero na cultura grega. Vem do nome do seu personagem principal, Odisseu – ou, como ficou conhecido pela tradução latina, Ulisses.

Diferentemente do primeiro livro, não narra feitos bélicos nem se restringe a um local isolado, mas trata de viagens e aventuras desse que foi um dos heróis da guerra de Troia.

Após a guerra, inicia-se a volta de Odisseu e seus companheiros para seu reino, em Ítaca. Odisseu é obrigado a ir à guerra de Troia e deixa para trás sua esposa e seu filho de um mês de idade, Telêmaco. A guerra dura 10 anos e seu regresso mais 17. A esposa Penélope, que acreditava na volta do seu rei e marido, estava sendo pressionada por um grupo de pessoas que queria tomar o poder. Esse grupo dizia que Odisseu estava morto e que ela deveria se casar com um dos “pretendentes” ao cargo de rei.

Com tamanha pressão, Telêmaco sai à procura do pai com alguns companheiros e estes vão para Esparta e outras cidades, em busca de notícias que pudessem ajudar a rastrear os passos de Odisseu. Este, por uma série de peripécias, tem seu regresso muitas vezes retardado. Como o livro é demasiado longo, não caberia aqui narrar todas as aventuras. Mas algumas são notáveis e, ainda que sem esmiuçá-las, vale a pena mencioná-las:

• Odisseu chega à ilha da ninfa Calypso, onde fica preso por muito tempo em razão dos encantos e promessas que uma região cheia de mulheres promove aos marinheiros;
• O aprisionamento do deus Éolo, deus do vento em um saco, que ulteriormente é aberto e lança a nau para lugares ainda mais distantes;
• O lugar para onde foi arremessada a nau era a ilha da bruxa Circe, que transformou os marinheiros em porcos;
• O aprisionamento dos viajantes pelo ciclope Polifemo e sua estratégia para sair da prisão na caverna;
• O tapar dos ouvidos com cera para não serem atraídos pelos cantos das sereias, devoradoras de homens.

Dentre muitas outras peripécias que foram utilizadas para evidenciar a necessidade de expressão da maior das características de Odisseu: a astúcia.

Enquanto isso, em Ítaca, a rainha Penélope continuava sofrendo forte pressão dos pretendentes, já que Odisseu e seu filho Telêmaco não retornavam. Assim, ela prometeu cozer um tapete: se o rei não retornasse antes do seu acabamento, ela escolheria um pretendente. Mas decerto em razão do convívio com seu marido, o astuto Odisseu, Penélope cosia o tapete durante o dia; e à noite o descosia, para poder ganhar mais tempo, na esperança de que o rei retornasse.

Depois de uma jornada com muitas aventuras e revezes, Odisseu encontra Telêmaco e seu grupo e juntos retornam a Ítaca. Avisado pelo filho sobre os pretendentes, Odisseu encontra a deusa Atena, que lhe diz que se ele retornasse, seria morto pelos pretendentes, que não o reconheceriam. Assim, a deusa o transforma em mendigo, disfarçando-o para que pudesse adentrar ao palácio sem ser visto. Quando deste episódio, a trama de Penélope é descoberta e exige-se que faça a escolha de um pretendente. Ela, novamente astuta, diz que escolherá aquele que conseguir retesar o arco do seu marido – mas ninguém obteve sucesso.

Por fim, chega Odisseu disfarçado e consegue o feito. Ele é logo reconhecido por sua esposa, que o aceita como pretendente, para a revolta dos outros, que promovem uma verdadeira rebelião. Mas, tendo seu arco em mãos, Odisseu consegue reprimir a revolta e retomar o seu lugar de rei depois de longa jornada.

Assim, com o restabelecimento da ordem, desvendamos o significado principal da Odisseia: o ideal de belo e bom guerreiro, antes atribuído a Aquiles, também tem como modelo Odisseu, por sua destreza, astúcia, esperteza, inteligência e habilidade, tanto na guerra quanto no governo, sendo capaz de ordenar. Os mitos homéricos tinham como intenção que esse modelo fosse imitado pelo grego de seu tempo.

Por João Francisco P. Cabral
Colaborador Brasil Escola
Graduado em Filosofia pela Universidade Federal de Uberlândia - UFU
Mestrando em Filosofia pela Universidade Estadual de Campinas - UNICAMP

Roberto Bomtempo – Oficina para Atores

de 11 a 15 de agosto acontecerá a “Oficina para Atores” ministrado pelo diretor Roberto Bomtempo.
Local: Laranjeiras
Horário: das 19h às 23h
Carga horária: 20 horas
Investimento: R$750,00 ou 4x de R$200,00 nos cartões.
À vista, 10% de desconto.

Inscrições abertas!!!
25 VAGAS!!!

CONFIRAM NOSSA PROGRAMAÇÃO DO SEGUNDO SEMESTRE!!!
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Contato:
21 98105-3982 / 3258-3175 
elenco.isma@gmail.com 

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Teatro/CRÍTICA

"Cock - briga de galo"

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Dilemas amorosos no Poeira


Lionel Fischer



"A peça flagra um homem inerte (John), dividido entre ficar com seu parceiro de longa data (M) ou se abrir para uma nova possibilidade, assumindo o amor por uma mulher (W). Vivendo uma relação estável com seu companheiro, ele não apenas encara o dilema de encerrar uma longa história de amor, mas entra em conflito ao se apaixonar por alguém do sexo oposto, enfrentando a oposição do seu parceiro e também de F, pai de M, que não acredita na 'mudança' de opção de John".

Extraído do release que me foi enviado, o trecho acima resume o enredo de "Cock - briga de galo", de autoria de Mike Bartlett, em cartaz no Teatro Poeira. Inez Viana assina a direção do espetáculo, estando o elenco formado por Felipe Lima (John), Debora Lamm (W), Márcio Machado (M) e Helio Ribeiro (F).

Em uma época em que, felizmente, as relações amorosas estão sendo cada vez mais redesenhadas, expandindo opções e assim libertando-se gradativamente dos grilhões impostos pela moral e os bons costumes - sendo ambos determinados, naturalmente, pelos detentores do poder, seja qual for a esfera do mesmo -, nada mais salutar do que um texto que proponha uma reflexão sobre um tema tão atual e relevante.

Sendo Mike Bartlett um dos maiores dramaturgos da atualidade, em nada me surpreende que tenha criado um contexto absolutamente propício para debater uma questão tão fundamental. Mas ainda que considerando brilhantes os diálogos e muito consistente a evolução da trama, em última instância me gerou uma certa dúvida o sentido maior da presente obra - se é que o autor pretendeu conferir à mesma tal sentido. Senão, vejamos.

Com relação à inesperada atração de John por uma mulher, isto é perfeitamente cabível e aceitável. Como são cabíveis e aceitáveis todos os conflitos daí decorrentes entre os três personagens principais, por sinal trabalhados de maneira impecável, tanto no que concerne aos momentos mais dramáticos quanto naqueles em que o humor predomina. 

No entanto, a partir de um certo ponto, comecei a me perguntar por que W e M lutam tão desesperadamente por alguém que, além de só exibir dúvidas, não contém nada de particularmente sedutor? Se John, além de bonito (fato que me parece irrelevante), fosse um homem inteligente, sensível, culto, engraçado, um potencial parceiro para uma sólida história de amor, ou ao menos reunisse alguns desses predicados, até entenderia a ferrenha disputa. Mas não me parece ser o este o caso.

E, finalmente: quando o longo impasse parece ter chegado a um desfecho satisfatório para as partes envolvidas, nos deparamos com M implorando a John que o auxilie em uma tarefa prosaica, recebendo em troca apenas um silêncio inicial e em seguida um grito de negação. Diante de tal quadro, o que estaria insinuando o autor? Que M e John jamais chegarão a se entender, sendo como são? Ou que, em uma instância mais ampla, as relações homossexuais estariam fadadas ao fracasso, independentemente das personalidades envolvidas? 

Como esta segunda hipótese me soa insuportavelmente preconceituosa, sou levado a crer que a primeira possa ser a verdadeira. E aí retorno ao já dito: a que atribuir tamanho interesse por um ser que, em meu entendimento, carece de predicados capazes de gerar tão arrebatada disputa por seu amor?

Com relação ao espetáculo, Inez Viana impõe à cena uma dinâmica criativa e eletrizante, lançando mão de marcações que traduzem, de forma precisa e sensível, os principais conteúdos em jogo. E cabe também salientar sua ótima atuação junto ao elenco.

Na pele de John, Felipe Lima extrai todo o potencial do personagem, ainda que o mesmo seja um tanto ingrato, pois termina a peça do mesmo modo que a iniciou - sempre indeciso, sempre imerso nas mesmas dúvidas. Vivendo M, Márcio Machado é uma fortíssima presença cênica, trabalhando com a mesma eficiência a agressividade, a histeria e a fragilidade do maravilhoso personagem que lhe coube. Sem dúvida, um dos desempenhos mais marcantes da atual temporada.

O mesmo se aplica a Debora Lamm, naquela que considero sua melhor atuação até hoje. Com natural vocação para a comédia, aqui Debora não deixa de estar engraçada, mas ao mesmo tempo consegue explorar de forma comovente as características mais dramáticas da personagem. Vivendo F, Helio Ribeiro valoriza ao máximo sua breve participação, materializando na cena um pai compreensivo e parceiro, mas também capaz de contundentes ironias e possuidor de um cinismo um tanto deplorável.

Na equipe técnica, é de excelente nível a tradução de Eduardo Muniz e Ricardo Ventura, a mesma excelência presente nos figurinos de Julia Marini, na luz de Renato Machado, na trilha sonora de João Callado e na direção de movimento de Dani Amorim. Quanto à identidade visual a cargo de Gabriel Medeiros, não tenho como avaliá-la, pois não sei o que vem a ser isto.

COCK - BRIGA DE GALO - Texto de Mike Bartlett. Direção de Inez Viana. Com Felipe Lima, Debora Lamm, Márcio Machado e Helio Ribeiro. Teatro Poeira. Terça a quinta, 21h.

  

FÓRUM DE
PSICANÁLISE
E CINEMA / 2014

Últimas sextas-feiras do mês / filme às 18 h; debate às 20 h.

SALA VERA JANACOPOLUS / REITORIA DA UNIRIO

AVENIDA PASTEUR, 296 – URCA.

ENTRADA FRANCA

INFORMAÇÕES:forumpsicinema@gmail.com

FILME:  PEQUENA MISS SUNSHINE, 2006, 101 min.

DIA: 30 /05 / 2014

DIREÇÃO: JONATHAN DAYTON & VALERIE FARIS / Debatedor: Dr. NEILTON SILVA 

ELENCO: Greg Kinnear; Alan Arkin; Abigail Breslin  e Toni Collette.  

SINOPSE: Uma família desajustada viaja em uma Kombi, amarela e enferrujada, do Novo México à Califórnia, para que Olive, de 7 anos, participe de uma concurso de beleza de pré-adolescentes, em uma jornada enriquecedora  de três dias.

FILMES ANALISADOS PELOS PSICANALISTAS:

Neilton Silva (ndsilva@ism.com.br ) eWaldemar Zusman (zusman@terra.com.br)

e pela museóloga e professora da UNIRIO:  Ana Lúcia de Castro (anadecastro@terra.com.br).

 HORÁRIO: FILME: 18h; ANÁLISE E DEBATE: 20h às 22h.

LOCAL: SALA VERA JANACÓPULOS – UNIRIO

ENDEREÇO: AV. PASTEUR, 296.

ENTRADA FRANCA